Para mí, Luke siempre ha sido aquel típico pringadillo del instituto —vamos, como un servidor— que siempre se quedaba con las ganas de hacer lo mismo que hacían los demás. Tenía que regresar temprano a casa de sus tíos Owen y Beru, no fuera que algún Tusken lo matara; mientras todos sus colegas se iban de casa para vivir aventuras a bordo de cazas estelares de la Alianza Rebelde, él tenía que quedarse en casa ayudando con la granja de humedad; y, al final, en sus horas de descanso, se entretenía jugando con robots o experimentando con la Fuerza.

Sin embargo, este joven granjero de Tatooine se convirtió en el personaje que todos los seguidores de Star Wars querían ser… ¿O pensáis que es Han Solo? Sí, Han Solo nos cae bien, liga con la chica de la historia y todo eso. Pero en realidad queremos ser Luke Skywalker, porque de ese modo conoceríamos a Han Solo, blandiriamos un sable láser, y como jedis restableceríamos la paz y la libertad en la Galaxia… Vale, ahora me he salido del tema.

No me gustaría alargarme contando vida y milagros de Luke Skywalker, entre otras cosas, porque gracias a las películas ya conocemos quién, como evoluciona su forma de ser, y que le depara el futuro… Siendo el último jedi, tampoco tiene muchas más opciones que refundar la Orden. Además, como en el caso de Leia, es un personaje cuyo recorrido aún no se ha terminado, ya que en El despertar de la Fuerza esperamos conocer que ha sucedido con él treinta años después del follón con las Estrellas de la Muerte.

Al ser un Skywalker, es inevitable que su historia sea similar a la de su padre, Anakin —o al revés, por todo eso de las precuelas—, pasa de ser un joven inocente, que vive apartado del mundo, a la espera que le llegue la ocasión para abandonar su aburrido planeta y vivir aventuras; a ser un importante soldado durante una gran guerra galáctica, para, al final, convertirse en un poderoso maestro jedi, gracias más a su herencia genética que no por el adiestramiento que ha recibido de sus maestros. Aunque bueno, teniendo en cuenta que dos de los jedis más sabios y poderosos de la historia, como son Obi-Wan Kenobi y Yoda, le ayudaron, tampoco es de extrañar que saliera un chico tan talentoso.

A pesar de que Kenobi y Yoda son conscientes que hay jedis que se han salvado de la purga, al ser estos tan ancianos como ellos, saben que el auténtico futuro de la Orden jedi solo puede estar sujeto a alguien joven e impetuoso, como Luke. Así que, ni cortos ni perecezos, le ponen esta «pequeña» carga sobre sus hombros y le confían algo tan importante como la destrucción de los Sith y la fundación de una nueva Orden.

Algo que los diferencia de su padre, es que, a pesar de no conocerlos, Luke tuvo padre y madre —no como Anakin que fue concebido por la Fuerza—, por lo que la herencia de ambos progenitores, lo convirtió en un ser muy cercano a la Fuerza, como su padre, pero que actuaba con bondad e inocencia, como su madre, la gran sufridora de todo esta historia.

A pesar de llamarse Skywalker y ser interpretado por Mark Hamill, en un principio el personaje se llamó Starkiller —nombre que fue modificado por la dureza de su significado, y que sería recuperado para el protagonista de los videojuegos El poder la Fuerza—, siendo uno de los personajes que más evolucionó y tardó en perfilarse en la mente de Lucas. Además, antes de ser este joven granjero, iba a ser una mujer al estilo de Leia —o a la nueva protagonista del Episodio VII—, luego se le consideró que fuera un enano —me puedo imaginar a un joven Kenny Baker blandiendo un sable láser cuál Yoda—, incluso se pensó en que fuera un militar rebelde de unos sesenta años de edad —ahí se nota la influencia de Kurowasa y el líder de Los siete samuráis, Takashi Shimura—; solo en pensar todas las historias que se pudieran haber contado de estos personajes tengo ganas que más que hagan precuelas y secuelas, lo chulo sería que contaran historias de universos paralelos… Vale, aquí se me ha vuelto a ir la pinza.

En resumidas cuentas, a pesar de que en un principio parece que Luke sea un soso, comparado con otros como Kenobi o Solo, al final resulta siendo uno de los personajes que evoluciona a medida que vemos las películas, y si no tenía un trasfondo resultón, este lo consigue según va viviendo aventuras en el Halcón Milenario, pilotando una X-Wing o luchando con su padre, Darth Vader.

Tal como hablamos en el anterior capítulo, DreamWorks iba a empezar su andadura presentándose en la comunidad de Hollywood como el primer nuevo estudio que aparecía en décadas. La filosofía no iba a ser competir directamente con las majors consolidadas sino presentar una nueva alternativa de producción y distribución que colaboraría con el resto de estudios de forma bastante asidua. Jeffrey Katzenberg se iba a encargar de la división de animación mientras que Spielberg era la garantía de estabilidad y calidad en los años venideros. La historia de DreamWorks es un relato de altos y bajos. Las películas de Spielberg han funcionado muy bien pero su labor no es suficiente para mantener todo un estudio. La división de animación tuvo una eclosión inicial pero después se estancó. Por consiguiente, a lo largo de los años, DreamWorks ha tenido que forjar joint ventures con Paramount y Reliance Entertainment. En 2009, firmó un acuerdo de co-distribución, no exclusivo, con Walt Disney Pictures a través del sello Touchstone.

La primera película que llevó el sello DreamWorks fue el thrillerEl Pacificador (The Peacemaker, 1997). La cinta fue dirigida por Mimi Leder y al frente del reparto estaban George Clooney y Nicole Kidman. Pero el lanzamiento definitivo del estudio se produciría con el primer proyecto de Spielberg para su nueva casa. Inicialmente, Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan) iba a ser el elegido pero, a lo largo de 1996, Spielberg realizó cambios en su agenda.

Mientras preparaba The Lost World, la actriz, coreógrafa y directora Debbie Allen visitó su oficina con un guión que llevaba tiempo intentando hacer realidad. Se trataba de una historia real: la rebelión acaecida en el barco esclavista español "La Amistad" durante el verano de 1839. Spielberg no conocía la historia y leyó el guión que venía firmado por David Franzoni, un escritor que había tenido trabajos ocasionales para el cine y que, al parecer, se había basado en relatos documentados previos para escribir el borrador.


El argumento y calado de la premisa interesó a Spielberg pero consideraba que el guión debía trabajarse más. Se comprometió con Debbie Allen para dirigir y producir el proyecto pero lo programó a largo plazo mientras encargaba la reescritura a Steven Zaillian.

No obstante, cuando se encontraba a punto de empezar el rodaje de The Lost World, le llegó el borrador de Zaillian. No esperaba que fuera tan rápido pero conociendo la brillantez que distinguía a su colaborador en La Lista de Schindler, tampoco se extrañó demasiado. Cuando lo leyó quedó entusiasmado con el resultado y decidió hacer cambios en su schedule. Finalizaría el rodaje de El Mundo Perdido en diciembre de 1996 y se mantendría en la post-producción durante pocas semanas porque estaba dispuesto a aprovechar parte de la primera mitad del año en la filmación de Amistad. Estaba previsto que el rodaje de Salvar al Soldado Ryan se desarrollara durante el verano de 1997 así que le quedaba un hueco que podía utilizar. Muy pocos directores tienen el poder y la influencia para realizar estos movimientos y poder rodar tres películas en poco más de un año. De alguna manera, tras el descanso que se había concedido, Spielberg estaba pletórico de energía y quería sentir, aunque fuera por poco tiempo, el ritmo de trabajo que caracterizaba al Hollywood clásico, donde los directores llegaban a rodar un promedio de dos y tres films por año.

Cuando el rodaje de The Lost World estaba ya muy avanzado y los decorados estaban totalmente construidos, encargó al responsable de los mismos, Rick Carter, que empezara a trabajar en el diseño de producción de Amistad. Paralelamente, dio instrucciones a su equipo de localizaciones para que buscaran enclaves donde rodar los exteriores. Pocos meses después, envió a otro equipo a Irlanda, Francia e Inglaterra para que localizaran exteriores de Salvar al Soldado Ryan mientras Tom Sanders (Braveheart) asumía el diseño de producción en el film bélico.


Amistad era un proyecto ilusionante que hablaba de derechos inalienables como la libertad y la justicia. Su fuerte contenido dramático devolvía a Spielberg al terreno de la máxima exigencia y eso es lo que más quería en ese momento de su carrera. En 1839, un grupo de nativos de la tribu mende en Sierra Leona, fueron apresados ilegalmente y vendidos como esclavos para las plantaciones del Caribe. Entre ellos se encontraba Sengbe Pieh, un hombre con fuertes convicciones que estaba punto de vivir un auténtico calvario. Junto a más de cien cautivos, vivieron hacinados en las bodegas del barco negrero portugués Tecora mientras cruzaban el Atlántico. Las pérdidas humanas en ese viaje fueron elevadísimas. Al llegar a la Cuba española fue vendido, junto a 48 personas más, a los mercaderes José Ruiz y Pedro Montez, de la goletaLa Amistad. El 27 de junio zarparon de La Habana en dirección a otro puerto cubano en la provincia de Puerto Príncipe. Allí, venderían a los africanos como mano de obra para las plantaciones de azúcar que poblaban la isla.

Pero la noche del 2 de julio, Sengbe consiguió zafarse de los grilletes y encabezó una rebelión que consiguió tomar el control de la nave matando al capitán, Ramón Ferrer, y al cocinero de la goleta. Ruiz y Montez fueron hechos prisioneros y les ordenaron poner rumbo a Africa occidental. Pero los españoles aprovecharon sus conocimientos de navegación para engañar a Sengbe y a los suyos y dirigir la nave en dirección opuesta a la marcada, buscando que algún otro navío español les interceptase. Pero nada de eso ocurrió. La goleta fue dando tumbos hacia el norte durante dos meses y acabó llamando la atención de la guardia costera estadounidense en el litoral de Long Island.

Sengbe Pieh (1814-1879).

Ante la situación que presentaba el navío y las reclamaciones de los españoles, las autoridades estadounidenses condujeron a los africanos a una prisión de New London (Connecticut) donde, con el paso de los días, pudo llegar asistencia legal e intérpretes gracias a la intervención del empresario abolicionista Lewis Tappan. Cuando Sengbe (ahora conocido por el nombre de Joseph Cinqué) y sus compañeros pudieron explicar su historia, los cargos de motín y asesinato quedaron por debajo de una captura y extracción ilegal. La versión que defendían Ruiz y Montez, quienes sostenían que los nativos habían nacido esclavos y eran de su propiedad, se fue diluyendo en un país que contaba con tribunales independientes y que había abolido el tráfico de esclavos hacía más de treinta años. Tras demostrarse que se trataba de personas libres que no habían nacido en plantaciones, los tribunales ordinarios les absolvieron. El ideal de libertad y justicia se imponía a la reclamación de propiedad que reclamaban varias partes, entre ellas el mismísimo reino de España.

No obstante, la historia no acabó tan pronto. El Presidente de los Estados Unidos, Martin Van Buren, ante el temor de comprometer las relaciones internacionales y también debido a la presión de los estados del sur donde la esclavitud era una institución intocable, decidió amparar un recurso ante el Tribunal Supremo para que se volviera a juzgar el caso. Fue entonces cuando la defensa que hasta el momento había llevado el abogado Roger Baldwin, se vio reforzada con la entrada en escena del ex-Presidente y ahora congresista, John Quincy Adams. El veterano hombre de estado era hijo de uno de los padres fundadores de los Estados Unidos, el Presidente John Adams, y llevaba tiempo distinguiéndose por su simpatía hacia la causa abolicionista. En su alegato ante los magistrados del Tribunal Supremo enarboló el derecho inalienable de libertad y recuperó las esencias consagradas en la Declaración de Independencia y la Constitución para reivindicar los derechos humanos básicos. Criticó contundentemente a la administración Van Buren por estar invadiendo el terreno del poder judicial tratando de lograr una sentencia que no soliviantara al Gobierno de España y aportó como prueba la correspondencia cruzada entre el Secretario de Estado, John Forsyth, y las autoridades de la corona española.

Martin Van Buren (1782-1862) fue Presidente de los Estados Unidos entre 1837 y 1841.

El contexto general era difícil. Aunque los Estados Unidos se habían fundado sobre los ideales de libertad y justicia, los estados del sur habían mantenido la esclavitud como institución, continuando con un legado que habían instaurado los colonizadores británicos, españoles y franceses en los siglos anteriores. La decisión sobre el caso de La Amistad podía encender los ánimos en la mitad del país y así se pronunciaron importantes figuras políticas del sur como el ex-vicepresidente John C. Calhoun. Sin embargo, empezaban a haber muchas voces en el norte que abogaban por romper esa tregua tácita. Debía abordarse un debate en profundidad sobre la indecencia que suponía la esclavitud. John Quincy Adams era una de esas voces respetadas y algunos incluso llegaban a decir que el temor a una posible guerra civil no podía seguir frenando la discusión.

El Tribunal Supremo se pronunció en la línea de las sentencias anteriores. Los amotinados de La Amistad fueron absueltos y pudieron regresar a su tierra. La película incide más de la cuenta en la repercusión interna que tuvo la decisión judicial. En realidad, la polémica se acabó pronto y pasaron veinte años más hasta que la llegada a la Presidencia de Abraham Lincoln supuso el punto de ruptura definitivo. Sin embargo, el caso de Cinqué y los suyos sí tuvo un efecto muy importante para la causa abolicionista en los Estados Unidos. El movimiento de liberación se hizo más fuerte y en los años siguientes se organizó mejor para denunciar las atrocidades que se seguían cometiendo en el sur. Solo les faltaba un líder político que, desde la Casa Blanca, luchara por ello con toda su fuerza. El momento llegó con las elecciones presidenciales de 1860.

John Quincy Adams (1767-1848) fue Presidente de los Estados Unidos entre 1825 y 1829.

Regresando al caso, Cinqué y el resto de africanos se embarcaron en 1842 con destino a Sierra Leona. Pero lo que allí encontraron fue un territorio sumido en la guerra civil. La esposa e hijos de Cinqué habían desaparecido. Probablemente habían corrido el mismo destino que él mismo unos años antes. Poco se sabe de él en los años posteriores, incluso algunas fuentes no suficientemente documentadas le vinculaban al tráfico de esclavos. Tras un paso por Jamaica regresó, ya anciano, a Sierra Leona donde falleció en 1879.

Esta potente historia de crueldad, injusticia y necedad conmovió a Steven Spielberg y le hizo pensar en el hiriente relato de la esclavitud en el continente americano. Decidido a afrontar el proyecto justo después de The Lost World, inició una pre-producción breve en la que se nutrió del trabajo exhaustivo que habían realizado Rick Carter en el diseño de producción y Ruth E. Carter en el vestuario, basándose en el asesoramiento histórico por parte de expertos.

Spielberg trabajó bastante más el apartado de casting. La responsable del área, Victoria Thomas, debía buscar a actores con raíces africanas para dar vida a los sublevados de La Amistad. Encontrar a un gran Cinqué era tarea difícil pero la responsable de casting impresionó a Spielberg con la propuesta de Djimon Hounsou. Nacido en Benín, emigró a Francia, junto a su hermano, cuando contaba trece años. Poco después, dejó la escuela y fue un sin techo durante algún tiempo. El encuentro fortuito con un fotógrafo cambió su vida ya que éste le propuso iniciar carrera como modelo y le introdujo en el mundo de la moda de París. Convertido ya en un hombre de éxito se trasladó a los Estados Unidos donde intervino en videoclips musicales y debutó como actor en películas de baja repercusión y en pequeños papeles en series de televisión. Tras disponer de un rol secundario en Stargate (1994), su perfil pasó a las bases de datos de las agencias de casting más influyentes.

"No podíamos hacer esta película sin un gran Cinqué. Debia ser alguien fuerte físicamente pero también disponer de una gran capacidad para expresar sentimientos dramáticos. Era un reto difícil pero cuando Victoria Thomas me presentó a Djimon quedé impresionado. Hicimos una prueba y ví en él la fuerza que necesitábamos y también la dignidad y la ira que debía mostrar. Su voz profunda impresionaba. Era un auténtico líder." 

Con Djimon Hounsou a bordo, Spielberg se dedicó a configurar un reparto principal que correspondiera a la épica del relato que estaba dispuesto a contar. El papel del abogado Roger Baldwin había sido rejuvenecido en el guión con respecto al personaje real. Y para darle vida, el director contrató al mejor intérprete de la nueva generación: Matthew McConaughey. Recién salido del set de Contact, el tejano se incorporó al plató de Amistad en lo que fue una buena época de papeles para él.

Spielberg quería contar con el gran Morgan Freeman en esta película. En principio iba a interpretar a James Covey, el intérprete de mende, pero acabaron viendo que sería mejor el del empresario abolicionista Theodore Joadson, un antiguo esclavo de Georgia que consiguió escapar al norte y, con el tiempo, había escalado posiciones socialmente hasta convertirse en un respetado hombre de negocios. Este papel fue creado expresamente para la película pues no existió en la realidad. En cuanto al personaje de Covey, Victoria Thomas también consiguió un auténtico hallazgo puesto que se fijó en el británico Chiwetel Ejiofor. El prometedor actor debutó en el cine con Amistad y posteriormente ha ido avanzando en su carrera hasta convetirse en un intérprete muy solicitado.


Para dar vida al ex-Presidente John Quincy Adams, Spielberg obtuvo el sí de uno de los mejores actores del panorama cinematográfico: Sir Anthony Hopkins. Poco después de haber interpretado a Richard Nixon se le presentaba la oportunidad de encarnar a otro Presidente aunque en esta ocasión mucho más desconocido para el gran público. Como no podía ser de otra forma, la interpretación de Hopkins resultó brillante. En la secuencia donde presenta el caso ante el Tribunal Supremo fue capaz de recordar las siete páginas de su texto sin necesitar corte alguno. Hizo las diferentes tomas de cámara a la primera. Spielberg quedó tan impresionado que no pudo llamarle Tony a partir de ese momento. Lo único que le salía era Sir Anthony.


En cuanto al presidente Martin Van Buren, Spielberg pudo contar con otro actor británico de postín: Nigel Hawthorne. Aunque su presencia en pantalla es limitada, resulta muy creible dando vida a un líder con pies de barro, permanentemente amenazado por la sombra de la secesión y la Guerra Civil. Aunque la película comete el error de mostrarlo haciendo campaña electoral a bordo de un tren, algo que en esa época aún no se realizaba, cumple en cuanto a la caracterización de la figura histórica y a sus juegos de equilibrios para contentar a los vecinos del sur. Unas maniobras que, dicho sea de paso, fueron habituales entre los Presidentes americanos hasta la ruptura que supuso Lincoln.

El guión incluía casi setenta personajes con diálogo. Ante esta enorme suma de intervenciones, el director necesitó un reparto amplio de grandes secundarios que mantuvieran el nivel interpretativo de los cabezas de cartel. Así encontramos a Stellan Skarsgard como Lewis Tappan, Jeremy Northam, David Paymer, Peter Firth, Allan Rich, Xander Berkeley, Austin Pendleton y Ralph Brown, entre otros. Además, Spielberg volvió a contar con dos actores que había tenido a sus órdenes en The Lost World:Pete Postlethwaite dio vida al Fiscal William Holabird y Arliss Howard interpretó a John C. Calhoun en una trascendental secuencia que muestra la debilidad de Van Buren ante la causa sureña.


En el bando español, la película cuenta con varios intérpretes latinoamericanos:  Pedro Armendáriz Jr. como el General Baldomero Espartero,Tomás Milián dando vida al Embajador Ángel Calderón de la Barca, Geno Silva como José Ruiz y John Ortiz en el papel de Pedro Montes. El español Imanol Arias debía ser quien interpretara al Embajador Calderón pero un retraso en la concesión del permiso de trabajo en Estados Unidos impidió su participación. El breve papel de la joven y caprichosa Reina Isabel II de España fue interpretado por la canadiense Anna Paquin, ganadora del Oscar por El Piano (The Piano, 1993).

La película empezó a rodarse el 18 de febrero de 1997. Las localizaciones exteriores corresponden a varios lugares de Nueva Inglaterra: el puerto de Mystic (Connecticut), Providence (Rhode Island) donde se rodaron los exteriores del supuesto Capitolio de Washington D.C., y Newport (R.I.) donde se construyó el exterior de la prisión y se utilizó la Colony House para las secuencias que transcurren en los tribunales ordinarios. El Parlamento de Massachusetts, en Boston, sirvió para ilustrar las secuencias que transcurren en el interior de la Cámara de Representantes, donde John Quincy Adams sigue practicando el juego de la alta política con un enfoque muy particular. Además, dos goletas fueron recreadas como La Amistad y se rodaron tomas con ellas en la costa de Connecticut y también en el litoral californiano, cerca de San Pedro, en Los Angeles. Los interiores se grabaron en los Sonalyst Studios de Waterford (Connecticut), en la Marble House de Newport (Rhode Island) y en los Universal Studios de Burbank donde se rodó la secuencia nocturna que da inicio al film y que nos muestra la rebelión a bordo de La Amistad. El tanque de agua de los estudios permitió realizar todos los efectos de lluvia necesarios sin las dificultades propias del mar. Esta fue una condición expresa de Steven Spielberg ya que no ha aceptado rodar secuencias técnicamente complejas, a mar abierto, desde la experiencia en Tiburón (Jaws, 1975).


Para reforzar el sentido histórico y trágico de la película, Spielberg y Janusz Kaminski decidieron inspirarse en las obras de Francisco de Goya para iluminar las secuencias interiores en los tribunales y la prisión. Así pues, vemos emisión de luz muy potente en segundo término que provoca un ambiente rugoso y lúgubre en los planos cortos, con poca variedad cromática.

A finales de abril, el equipo se trasladó a la antigua ciudadela de San Juan (Puerto Rico) para rodar las tomas en La Habana y las secuencias ambientadas en Sierra Leona y en la fortaleza esclavista de Lomboko. El 30 de abril, la filmación principal se dio por concluida.

Amistad es una película que genera sensaciones opuestas. Por un lado, está bellamente rodada y caracterizada. Dispone de buenas interpretaciones y recrea un hecho verídico combinando la elegancia en la puesta en escena con la necesaria contundencia gráfica para ilustrar la violencia y crueldad intrínseca al cautiverio y transporte de los africanos. Hay momentos, en el navío portugués Tecora, que destacan por la expresión macabra y realista de los hechos que acaecieron. Estamos ante una denuncia expresa de la tiranía inmisericorde que representaba la esclavitud. La película no anda escasa de contundencia en ningún momento. Además, explicar lo sucedido en un flashback, añade más dramatismo porque cuando Cinqué puede empezar a comunicarse con Baldwin, brotando el germen de la conciliación, la narración se sume en la oscuridad al representar los brutales hechos que padecieron los supervivientes de ese mortal viaje por el Atlántico.


Cinqué representa esos ideales de jusiticia y libertad que están implícitos en la base doctrinaria de los Estados Unidos. Pero la complejidad de las relaciones políticas y el difícil contexto histórico llega a poner en duda el principio básico más fundamental y la primera institución del Estado consigue reabrir un caso ya resuelto para contentar a las otras partes implicadas, tanto dentro como fuera del país. Por tanto, el film plantea las deficiencias de la Democracia como sistema político aunque la feliz resolución del caso deja también algo muy claro: en Estados Unidos, el poder judicial es completamente independiente y los intentos de influir, aunque vengan desde las más altas instancias, no logran nunca su objetivo. Sin embargo, en esa misma época, el Reino de España era un modelo de Estado caciquista, absolutista y caótico, con unos tribunales al servicio exclusivo del poder mientras se construía una sociedad desigual en que los derechos individuales y colectivos de los ciudadanos eran pisoteados una y otra vez.

Sin embargo, dejando de lado el relato histórico que, como es habitual, siempre se concede algunas licencias artísticas, la película carece de la máxima trascendencia porque su narración es tan pulcra que se asemeja demasiado a un documental. El propio Spielberg se manifestó en este sentido:

"Creo que la exprimí demasiado y acabó pareciendo más bien una lección de historia."

Hay momentos que recuerdan demasiado a las versiones dramatizadas que realiza el Canal Historia. De alguna manera, Spielberg se centró en contar la trama pero olvidó darle algo más de contraste y visión personal. No obstante, creo que estamos ante una película muy notable dentro de su filmografía. En su momento, fue bastante incomprendida pero ha ganado adeptos con el tiempo.


No estoy de acuerdo con aquellos que hablan de dulcificación del argumento. Me parece que estamos ante todo lo contrario. La cinta es dura y contundente cuando debe serlo y los acontecimientos políticos no son inverosímiles porque ocurrieron de esta forma, con escasísimas variaciones. La película no puede explicar muchas otras vertientes del caso ni puede reproducir las intervenciones completas de los protagonsitas ante los tribunales por cuestiones de formato pero la esencia de lo sucedido está en la pantalla. Tampoco se puede hablar de final idílico porque, si bien los africanos consiguen la libertad y regresan a casa, se nos cuenta que lo que encontraron fue un país sumido en un conflicto bélico que había barrido a sus familias. Por consiguiente, es la tristeza la que llega al corazón del espectador en el mismísimo final.

Es cierto que la multitud de personajes hace perder entidad a algunos de ellos. Pero esta historia debía ser contada de forma épica y para ello se necesitaba un amplio reparto y múltiples escenarios que hicieran posible trasladar el significado del argumento al público. Hay emocionalidad porque así lo requiere el material. Hay exaltación del espíritu humano, por descontado. ¿Hay utilización de la película para transmitir propaganda política? Rotundamente no porque se trata de hechos históricos documentados, no hay invención. Debemos recuperar episodios históricos poco conocidos para ilustrar a las nuevas generaciones sobre los errores cometidos en el pasado. Amistad pone cara y nombres a personajes y situaciones que demasiadas veces han sido obviados por el cine. Estamos ante una crítica a las maneras de hacer política, a los juegos y subterfugios que han existido siempre entre dirigentes y burócratas. Por desgracia, todo ello nos distingue desde hace siglos y es un componente del cual no podremos escapar nunca porque forma parte de la naturaleza humana.


La partitura de John Williams volvió a ser el mejor acompañamiento para las imágenes. Se trata de una banda sonora en la que el maestro incluye ritmos tribales y étnicos que llegan al paroxismo con un tema de una belleza atronadora: Dry Your Tears, Afrika. Se trata de una pieza coral cuya letra, en lengua mende, procede de un poema escrito por el marfileño Bernard Binlin Dadié en 1967. El inicio íntimo va ganando fuerza a lo largo de la composición hasta llegar a una fusión perfecta entre música y voces. Una auténtica maravilla que podéis escuchar en esta interpretación en vivo a cargo de John Williams y The Los Angeles Philharmonic Orchestra en el concierto de 2012 en el Hollywood Bowl.

Estrenada el 10 de diciembre de 1997, Amistad demostró que no era un film de masas sino todo lo contrario. El público general no podía conectar con la propuesta. Esta era una de esas películas que Spielberg realizaba para satisfacer su inquietud interna. Se había ganado el derecho a hacerla y a compartirla con todo aquél que estuviera interesado. Sobre un presupuesto de 36 millones de dólares, Amistad recaudó 44. Obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar (incluida la de major actor de reparto para Anthony Hopkins) aunque no recibió ninguna estatuilla.

Sin embargo, la cinta sigue representando un paso importante de Spielberg dentro de una carrera diversa y multi-temática. Con su siguiente proyecto, volvería a ponerse a prueba en un terreno muy diferente.

El San Diego Convention Center arde con las nuevas presentaciones de la Comic Con 2015. Ayer fue el turno de un clásico de la convención: The Walking Dead.

Ante un Hall H abarrotado, comparecieron Andrew Lincoln (Rick Grimes), Norman Reedus (Daryl Dixon), Steven Yeun (Glenn Rhee), Danai Gurira (Michonne), Melissa McBride (Carol Peletier), Chandler Riggs (Carl Grimes), Sonequa Martin-Green (Sasha), Michael Cudlitz (Abraham Ford) y Lennie James (Morgan Jones). También estuvieron presentes el showrunner, Scott Gimple, y los productores Gale Anne Hurd, Greg Nicotero y David Alpert.

Scott Gimple reveló uno de los principios argumentales de la nueva temporada: Rick va a ser puesto a prueba, de forma definitiva, por varios miembros de la comunidad de Alexandría entorno a sus expeditivos métodos. Y el reencuentro con Morgan no va a ser precisamente conciliador puesto que su ex-compañero de supervivencia será el primero en oponerse a su forma de proceder. Pero los zombies no tardarán en llegar al pueblo y sus defensas no serán suficientes para contenerlos. También tendrán gran importancia los nuevos villanos de la función, el grupo sádico y macabro autodenominado "The Wolves". 

Se comentó bastante el hecho de la "barba perdida" de Rick.Andrew Lincoln confesó que la añoraba y Scott Gimple afirmó que la barba es un medidor del estado psicológico de Rick. Y continuará siendo un barómetro de todo ello en esta nueva temporada que se estrena el 11 de octubre. Además, Gimple anunció que habrá muchísimos flashbacks esta nueva temporada y que incluso habrá un capítulo entero estructurado entorno a ellos.

También se anunció que la actriz Merrit Wever ha sido contratado para dar vida a un personaje presente en los cómics. ¿Quién creéis que podrá ser?

A continuación el primer trailer de la nueva temporada y el panel de la convención:

Además de presentar la sexta temporada de The Walking Dead, AMC había reservado también un importante espacio en la Comic Con para la companion seriesFear the Walking Dead. La primera temporada, de seis capítulos, empezará a emitirse el 23 de agosto. 

Con Fear the Walking Dead nos trasladamos a otro entorno y a un momento temporal inicial que apenas habíamos visto hasta ahora. Presenciaremos los primeros momentos de la epidemia zombie en el área de Los Angeles. La población empieza a asistir, impotente, a la aparición de una amenaza que nadie habría podido preveer. Pero antes de todo ello se presentarán los nuevos protagonistas cuyas relaciones y conflictos se verán obligados a coexistir con un escenario de ruptura definitiva.

La serie está protagonizada por Kim Dickens, Cliff Curtis, Alicia Debnam-Carey, Frank Dillane, Elizabeth Rodriguez y Rubén Blades. El propio Robert Kirkman ha creado un nuevo argumento totalmente original puesto que no se basa en material previo alguno. Gale Anne Hurd, Greg Nicotero y David Alpert producen también este proyecto mientras que el puesto de showrunner es para David Erickson.

Este es el trailer que ha debutado en la Comic Con:

La serie que en esta última temporada ha batido nuevos récords de audiencia para la HBO nunca falta a su cita anual con la San Diego Comic Con. Su poder de influencia y movilización es brutal y el Hall H volvió a abarrotarse con la presencia de importantes miembros del equipo y reparto.

Cuando faltan pocos días para que se inicie el rodaje de la sexta temporada, que tendrá múltiples localizaciones de rodaje en la Península Ibérica, el evento generó mucha expectación aunque no hubo novedades sobre la nueva temporada. David Benioff y DB Weiss no han compartido los guiones con los actores así que el panel se dedicó a comentar sensaciones sobre la última season.

Maisie Williams explicó que se está entrenando para cambiar su estilo de lucha con espada tras las circunstancias que la afectan en el último capítulo. Sophie Turner, inmersa aún en el rodaje de X-Men Apocalypse, subrayó que Sansa dispone de una mayor fuerza en los últimos tiempos para hacer frente a las dificultades, su evolución ha sido patente en este aspecto. Y, por todo ello, ha podido hacer frente con entereza a los abusos de Ramsay Bolton. En cuanto a su futuro, tras lo ocurrido en el final de temporada, Sophie Turner espera que su personaje pueda iniciar un camino que le permita encontrar a sus hermanos Bran y Rickon.

Gwendoline Christie, por su parte, se refirió a la particular relación de amistad que une a su personaje con Jamie Lannister:

A diferencia de otros años en que se presentaba un vídeo con los nuevos actores que se incorporaban a la serie, este año HBO ha decidido hacer un cambio y ofreció al público dos curiosas piezas. La primera es una muestra de pequeños fragmentos pertenecientes a las pruebas de cámara de varios de los intérpretes. En cuanto a la segunda, se trata de un compendio de referencias sobre la serie en varios programas y series de la televisión americana.

Y finalmente el panel completo:

Star Wars: The Force Awakens ha supuesto un momento culminante en la San Diego Comic Con 2015. Aunque ya se advirtió que no habría nuevo trailer, sus responsables han ofrecido un vídeo behind the scenes que eleva la expectación hasta niveles insospechados. Queda claro una vez más que se ha rodado la película con una gran cantidad de sets reales y con efectos especiales mecánicos y prostéticos. Por supuesto que también hay mucha creación digital pero los escenarios creados a través de CGI ya no son tan importantes como lo fueron en las precuelas de George Lucas. Se ha apostado por localizaciones exteriores, vestuario, maquillaje, cables de sujeción, explosiones reales y movimientos de cámara sobre sets reales. Y eso, ya de entrada, es algo muy positivo.

En el panel estuvieron presentes JJ Abrams, Kathleen Kennedy, Lawrence Kasdan y los actores principales: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Adam Driver y Gwendoline Christie, que hizo pleno tras la presentación de Game of Thrones. Fantástico ver a Harrison Ford en forma después de su accidente aéreo, ocurrido hace unos meses.

El vídeo presentado también confirma un secreto a voces: la presencia de Simon Pegg en la película realizando un cameo en el set de Abu Dhabi.

A continuación, el panel completo:

Warner Brothers tomó el escenario del Hall H en la jornada del sábado en la Comic-Con. Y acaparó la atención con Batman v Superman: Dawn of Justice. Ausente Marvel Studios de esta edición, la mayor expectación, desde el punto de vista de la ficción superheroica, se centró en el choque de los dos grandes iconos de DC Comics.

Estuvieron presentes el director Zack Snyder, Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Gal Gadot, Holly Hunter y Jeremy Irons.

Para Zack Snyder dirigir este proyecto ha supuesto un sueño hecho realidad y la forma como se ha materializado todo, con un reparto tan potente, sobrepasa muchísimo las expectativas que él mismo tenía puestas al inicio. Confirmó que la influencia del clásico de Frank Miller, The Dark Knight Returns, está presente en algunos elementos que, de alguna manera, suponen un homenaje a la gran obra de Miller. El argumento es completamente nuevo y presenta una dinámica entre personajes que no se ha visto hasta ahora en el cine de superhéroes. La reescritura del guión a cargo de Chris Terrio es lo que ha conseguido que el material haya ganado en relevancia y Zack Snyder confía en que el público sintonice con ello cuando el film se estrene en marzo de 2016.

Además, confirmó que se han tomado ciertas licencias que respetando el canon de DC Comics ofrecen nuevas perspectivas a la audiencia. Por ejemplo, habló de la idea de situar a Metropolis y Gotham como ciudades casi limítrofes, al estilo de Oakland y San Francisco o Minneapolis y Saint Paul. Eso ofrece un escenario muy interesante que incluso determina una apuesta por la caracterización social y amplía el contraste entre los dos superhéroes:

La situación de conflicto inicial se beneficia de este contexto social pues vemos como Wayne Enterprises también está presente en Metropolis y Bruce Wayne realiza negocios constantes en la ciudad. Cuando el enfrentamiento entre Superman y Zod en Metropolis pone patas arriba la ciudad, la desgracia se ceba en la torre Wayne pues es completamente derruida causando la muerte de todos sus empleados. Bruce Wayne asiste consternado al hecho y se decide a controlar los movimientos de ese hombre omnipotente que ha causado un daño directo a su gente.

El traje mecánico que exhibe Batman en su confrontación con Superman es una erreferencia directa a The Dark Knight Returns pero Snyder complementó la explicación afirmando que no solo amplía su fuerza sino que más bien está concebido para protegerle y hacerle ganar tiempo en su enfrentamiento con el kryptoniano.

Jeremy Irons alabó la interpretación de Michael Caine en las películas de Christopher Nolan aunque afirmó que su Alfred es algo diferente. Él es quien pondrá más empeño en mostrarle a Bruce que Kal-El no es su enemigo. Jesse Eisenberg valoró mucho la aportación de Chris Terrio al dotar a cada personaje de un verdadero trasfondo emocional.

Gal Gadot remarcó que interpretar a Wonder Woman le ha permitido explorar la dimensión de una mujer poderosa y bella que, al mismo tiempo, está rebosante de inteligencia emocional y sofisticación. Su llegada a Metropolis, en un momento de ruptura, supondrá un contrapunto dramático que sentará las bases del futuro en el universo cinematográfico de Warner-DC. 

Amy Adams, por su parte, confesó que era fan de Lois Lane desde los cinco años y que ha disfrutado ampliando la caracterización de esta intrépida y brillante reportera. 

Ben Affleck confirmó que no se mostró dispuesto a interpretar a Batman cuando recibió la llamada de Snyder. Creía que después de la fantástica recreación de Christian Bale, cualquiera que viniera detrás tendría un reto insuperable. Pero cuando empezó a hablar con Zack Snyderéste le convenció al hablarle del Batman que se iba a ver en pantalla. Estaríamos ante un experimentado luchador contra el crimen, de unos cuarenta años, y con mucha trayectoria a sus espaldas habiendo librado innumerables batallas en las que habría vencido a casi todos sus enemigos. De alguna manera, veríamos a un Bruce Wayne con profundas heridas emocionales por lo transcurrido (muerte de Jason Todd y seguramente también del Comisario Gordon) y que ya ha abandonado la capucha negra. Pero la aparición de Superman vuelve a movilizarlo y va a poner todos sus recursos en liza para detener esta "presunta" amenaza. Affleck también confirmó que está considerando dirigir y protagonizar una película sobre Batman y que ha aprendido mucho de Zack Snyder a la hora de dirigir un proyecto de esta envergadura.

Zack Snyder afirmó lo siguiente:

La presentación de un nuevo y extenso trailer muestra una película apabullante y muy poderosa. Muchos de los escépticos empiezan a reconocer la precipitación en sus valoraciones. Se nos presenta un film épico, lleno de grandes momentos, que esperemos confirme esos grandes valores en su estreno. Lo que podemos ver en el avance solo es una pequeñísima muestra de lo que nos tienen preparado. El hype está altísimo.

A continuación el panel de la convención. En él podemos ver también a algunos de los integrantes de otro proyecto paralelo del universo cinematográfico DC: Suicide Squad. Atención porque esta película puede romper también el escepticismo inicial.

Ante la filtración del trailer de Suicide Squad en la Comic Con, Warner Brothers no ha tenido más remedio que difundir oficialmente un material que tenía previsto mostrar más adelante a nivel general. 

El escepticismo era grandioso cuando se anunció el proyecto. Quien escribe estas líneas también se unió a esas voces porque parecía algo demasiado excéntrico. Pero, a la vista de este pequeño bocado, el escepticismo deja paso a la expectación. Esperemos que lo apuntado en este primer trailer se mantenga a lo largo del metraje. Si es así, este tercer largometraje del universo cinematográfico deDC Comics puede ser más que interesante.

La película está basada en los cómics que crearon Robert Kanigher y Ross Andru en una primera etapa y John Ostrander en una fase subsiguiente. David Ayer, guionista de Training Day y director de Harsh Times y Fury entre otras, se ha encargado de la adaptación y la dirección de Suicide Squad. En la Comic Con se encargó de presentar con entusiasmo el primer trailer y posteriormente a los principales miembros del nutrido reparto. La película se rueda desde el mes de abril en Toronto y terminará su filmación en septiembre con vistas a su estreno en agosto de 2016.

Una alta funcionaria del gobierno estadounidense, Amanda Waller (Viola Davis), presenta un proyecto para crear un equipo de intervención formado por algunos de los villanos y delincuentes más peligrosos del país. A cambio de su participación se les ofrece la conmutación de sus penas de prisión.

Este peculiar e inesperado equipo lo integrarán Deadshot (Will Smith), Rick Flag (Joel Kinnaman), Boomerang (Jai Courtney), La Encantadora (Cara Delevingne), Katana (Karen Fukuhara), Slipknot (Adam Beach), El Diablo (Jay Hernandez), Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), y la doctora Harleen Frances Quinzel, más conocida como Harley Quinn. Harley era una psiquiatra del Asilo Arkham que cayó bajo el influjo del Joker, se enamoró de él y acabó convertida en su socia criminal. Margot Robbie (El Lobo de Wall Street, Focus) la interpreta en la gran pantalla y, por lo visto hasta ahora, no cabe duda que es uno de los grandes aciertos de la película.

La presencia de Harley Quinn conecta indiscutiblemente con el príncipe payaso del crimen. El supervillano psicópata conocido como el Joker ha sido interpretado brillantemente por Jack Nicholson y Heath Ledger en el pasado. Ambos destacaron abordando el personaje desde perspectivas diferentes. Un personaje de esta complejidad ponía muy difícil la elección del actor que iba a convertirse en el Joker del universo cinematográfico de DC. El fichaje de Jared Leto despertó recelos. Sin embargo, su aparición en el trailer confirma que estamos ante un Joker con visos de magnificencia. Su aterradora imagen y la voz que expresa demuestra que Leto ha trabajado mucho el papel para darle un toque nuevo sin perder las esencias.

En el film también participan Common, Scott Eastwood y Jim Parrack. Recordemos que Ben Affleck estará presente en la película dando vida a Batman y se rumorea la posible aparición de Jesse Eisenberg como Lex Luthor.Batman v Superman: Dawn of Justice abrirá el fuego en marzo con la intención de atraer al público de cara a un universo cinematográfico en crecimiento que tendrá en Suicide Squad un momento importante.

¿Teníamos que haber oído hablar? Os preguntaréis todos los advenedizos al Universo Star Wars… ¡Pues sí! Deberíais. Entre otras cosas, es la nave que hizo la carrera Kessel en menos de 12 parasegundos.

Dime qué nave te gustaría pilotar y te diré de que franquicia eres seguidor. Sin duda alguna, cuando se habla de sagas espaciales, tengan la relevancia que tengan, siempre existe una nave que se convierte en el vehículo predilecto de sus fans. Y, en el caso de los seguidores de Star Wars, la nave que todos quisieran poseer es el Halcón Milenario. Sin embargo, eso sería demasiado difícil, ya que su propietario, Han Solo, probablemente nos enviaría a su copiloto, el temible wookie Chewbacca para que nos arrancara los brazos si intentábamos hacernos con su nave.

Bromas a parte, a pesar de que en Una nueva esperanza conozcamos el Halcón Milenario en manos de Han Solo y su peculiar copiloto, la historia de esta nave, cuyo nombre ha cambiado con los años, empezó mucho antes de lo que nos imaginamos… Bueno, viendo el estado en que está la nave tampoco cuesta tanto de imaginar.

El Halcón Milenario fue construido en sesenta años de la Batalla de Yavin, por la Corporación Corelliana de Ingeniería, siguiendo el modelo del carguero ligero YT-1300f, y desde un principio ya mostró sus características velocidad y poca fiabilidad.

Antes de que Solo pudiera llegar a saber las peculiaridades de su nave, pasó por media docena de manos, y todos hicieron sus respectivas modificaciones, hasta que esta nave ya tenía muy poco en común con el modelo original. Incluso llegó a formar parte de la Batalla de Coruscant, siendo usada por el Senado y los Jedi, pudiéndola ver aterrizar en el edificio del Senado, poco después de que Anakin y Obi-Wan rescate al canciller Imperial. Tras un accidente que provocó graves daños, pasó casi un año en un depósito de chatarra, donde fue comprada por un técnico llamado Bammy Decree y Rej Taunt, que lo repararon y modificaron desde el núcleo al casco con piezas de un viejo carguero ligero YT-1300p, dándole el aspecto que ahora conocemos.

Después de ser objeto de diversas apuestas llegó a las manos de Lando Calrissian que lo utilizó para el contrabando, sin embargo, durante el Torneo de Sabacc de la Ciudad Nube, el pícaro Han Solo se la arrebató a Calrissian. Sin saberlo en aquel momento, el Halcón Milenario había ido a parar al que sería su dueño durante más tiempo.

Además de ser una nave rápida, estaba bien armada. Poseía un cañón láser escondido y dos más montados en la parte dorsal y ventral de la nave, montados por Calrissian para substituir los blásters montados en las mandíbulas de proa. Por su parte, Han Solo modificó las armas con todo tipo de mejoras que incrementaron su rendimiento consiguiendo que fueran capaces de destruir un caza TIE de un solo difunto.

Bajo el mando de Han Solo, el Halcón Milenario se convirtió en un excelente nave contrabandista, aunque unos problemillas con Jabba el Hutt y su encontronazo con un chico, un tipo estrafalario y dos androides, lo llevaron de lleno a formar parte de la Flota Rebelde. Primero escapó de la primera Estrella de la Muerte, para después atacarla junto a los cazas rebeldes; después fue perseguido por media Galaxia desde Hoth hasta Bespin; y, por último, en esta ocasión capitaneada de nuevo por Lando Calrissian, encabezó el ataque a la segunda Estrella de la Muerte. Y, a pesar de que constantemente estaba fallando, salió indemne de todas estas batallas para seguir combatiendo, porque, estando a las puertas del estreno del Episodio VII, es más que sabido que la destartalada nave de Han Solo y Chewbacca regresará a la gran pantalla por la puerta grande, demostrando que casi con cien años, decenas de propietarios, centenares de modificaciones y un sinfín de aventuras, sigue estando en plena forma. 

Tras 128 días de filmación repartidos a lo largo de siete meses, Sam Mendes puso fin al rodaje de Spectre el pasado 5 de julio. Inmerso ya en la fase de montaje y post-producción con vistas al estreno de la película a finales de octubre, Mendes realizó una entrevista en la BBC Radio donde valora lo que ha supuesto este exigente film y anuncia que esta ha sido su última incursión en la saga Bond. Dijo lo mismo después de finalizar Skyfall y se acabó embarcando en Spectre por la fuerza del nuevo argumento y la influencia ejercida por Daniel Craig. En el contexto cinematográfico actual es difícil poder contar con el mismo director en más de dos entregas de cualquier franquicia. Si además, el realizador en cuestión es Sam Mendes, considerado uno de los directores de cine y teatro más brillantes del panorama actual, es más que lógica la decisión de finalizar esta etapa teniendo en cuenta que el trabajo en las dos películas le ha llevado cinco años y ha impedido que pudiera dedicarse a la dirección teatral de varios proyectos de la escena londinense.

Al mismo tiempo, Mendes augura un nuevo film de la saga que puede volver a romper barreras de brillantez en la franquicia. Actualmente, en las salas de montaje de Pinewood Studios, Mendes y el montador Lee Smith están dando unidad a la película mientras la extensa partitura compuesta por Thomas Newman empieza a integrarse en el metraje. Pronto sabremos qué cantante interpretará el tema principal.

En la galería de los Jedis más renombrados, Mace Windu ocupa un lugar destacado. La suya fue una vida enteramente dedicada a preservar los valores fundamentales de la Orden. Su devoción y fe incorruptible en el sistema le granjearon el mayor de los respetos dentro del Templo Jedi llegando a ser uno de los más destacados miembros de su órgano decisorio: el Alto Consejo. 

Windu también es conocido por haber sido uno de los mejores guardianes de la paz por su maestría en el uso de la espada láser y el gran conocimiento de la Fuerza del que siempre hacía gala. Concretamente, tenía la capacidad de ver puntos de ruptura en la Fuerza, lo que se traducía en la posibilidad de ver partes del futuro cercano y vulnerabilidades de sus oponentes. Sin embargo, Mace Windu representa también el fracaso de la Orden durante los últimos años de la República. El ascenso imparable del Senador Palpatine y sus planes ocultos para dominar la galaxia, ocultando su naturaleza Sith, no pudieron ser detectados por los miembros del Consejo Jedi hasta que fue demasiado tarde. Sidious utilizó su profundo conocimiento del Lado Oscuro para nublar la percepción de los Jedi a los que prácticamente utilizó como quiso sin que éstos no pudieran preveer nada. De alguna manera, toda la supremacía y omnipotencia que había caracterizado a la Orden se precipitó al vacío por el propio exceso de confianza y el sentido de infalibilidad. De alguna manera, lo ocurrido fue un castigo a su prepotencia.

Mace Windu, Yoda, y Ki-Adi Mundi, siendo los líderes del Consejo Jedi, reaccionaron siempre a posteriori de los acontecimientos. Una y otra vez eran sobrepasados mientras el nuevo Canciller seguía con su hoja de ruta manteniendo un halo Oscuro que le protegía y que desviaba constantemente la atención de los taciturnos Jedi.

Pero vayamos primero a sus inicios. Mace Windu nació en el planeta del Borde Medio llamado Haruun Kal. Su llegada a la vida representó una sacudida en la Fuerza que fue percibida por los Jedi, con total nitidez, cuando solo contaba seis meses de edad. Habiendo fallecido sus padres, el niño fue entregado inmediatamente a los Jedi. Windu creció en el Templo Jedi y se entrenó bajo las órdenes de varios maestros aunque el venerable Yoda fue su principal referencia.

Siendo niño ya fue consciente de su capacidad para ver los puntos de ruptura en la Fuerza pero los retos que se le presentaban en el entrenamiento no le motivaban lo suficiente para mejorar en el combate y construir su propio sable láser. Preocupados por esta situación, el Consejo jedi decidió enviarle a una misión de supervivencia en el remoto planeta Hurikane, situado más allá del Borde Exterior. Allí, Windu tuvo que enfrentarse a unos feroces nativos a los que pudo dominar con el poder de la Fuerza. Incluso jugó a ser Dios puesto que desmembró a uno de ellos con el poder de la Fuerza y después fue capaz de recomponerle. Los salvajes vieron en él a un elegido que debía ser venerado. Agradecidos, le entregaron un mineral púrpura que Windu utilizó en su primer sable láser. 

Durante los años siguientes, Mace Windu pasó las pruebas definitivas. Investido como Caballero Jedi, recibió todo tipo de misiones a lo largo y ancho de la galaxia. Siempre demostró destreza y conocimiento resolviendo conflictos y levantamientos contra la República. Con el tiempo, tomó a una joven Jedi como padawan. Se trataba de Depa Billaba, una mujer Chalacta que también llegó a convertirse en integrante del Alto Consejo Jedi.

Windu manifestaba una fe incorruptible en el sistema y dejó pronto los caminos de la Fuerza Viva, que abogaba por un mayor retorno a las esencias de la Orden. Nunca fue un contestatario y siempre siguió al pie de la letra los dictados del pensamiento mayoritario. Por todo ello, a la joven edad de 28 años, fue elegido miembro del Alto Consejo Jedi.

Sin embargo, Mace Windu no se limitó a observar y analizar. Siguió realizando misiones de negociación. Su audacia y destreza permitió que siempre saliera airoso de esos retos aunque entró en conflicto con otros Jedi como Qui-Gon Jinn, que en ocasiones revelaba sus reservas sobre las decisiones del Alto Consejo Jedi. No obstante, había lazos de amistad entre ellos. Cuando un joven Obi-Wan Kenobi parecía no poder superar el reto de la Acdemia Jedi, Windu decidió apartarlo a pesar de que el mismísimo Yoda mantenía confianza en sus aptitudes. Un tiempo después, vio lo que el adolescente era capaz de hacer y le dejó en manos de Qui-Gon Jinn para que éste completara su entrenamiento.

Unos años más tarde, estuvo presente en las pruebas que el Alto Consejo Jedi realizó a un niño llamado Anakin Skywalker. Qui-Gon le había traído ante ellos defendiendo la idea de que Anakin podría ser aquél que trajera el equilibrio de la Fuerza. El Consejo juzgó confuso el futuro del niño, apreciaron pautas potencialmente peligrosas. Pero tras la muerte de Qui-Gon, acabaron aceptando que el compromiso que éste había adquirido quedara ahora en manos del que hasta ahora había sido su aprendiz: Obi-Wan Kenobi.

Mace Windu llegó a apreciar a Anakin reconociendo su enorme talento y potencial. Sin embargo, su resistencia a la autoridad y el progresivo acercamiento al Canciller Supremo suscitaba escepticismo. Habiendo caído prisioneros del Conde Dooku en Geonosis, Windu encabezó una partida de Jedis que puso fin a la orgía de sacrificios preparada por los insectoides nativos. Windu vio caer a muchos de sus compañeros pero se llevó a Jango Fett por delante. Con la llegada del maestro Yoda y los primeros regimientos de soldados clon, Windu debió ir por Dooku pero el fragor de la batalla lo impidió. Acabaron siendo Obi-Wan y Anakin los que acudieron a interceptarle y el resultado pudo haber sido mucho peor de no ser por la intervención final de Yoda.

Con el inicio de las Guerras Clon, Windu se convirtió en General del nuevo ejército de la República y continuó cosechando importantes victorias. Quizá la más renombrada se produjo en Dantooine donde fue capaz de acabar con varios batallones de la Confederación usando solamente la Fuerza.

Tres años después de su inicio, las Guerras Clon tocaban a su fin. Sin embargo, se tenía noticia de que un Lord Oscuro del Sith estaba manipulando al Senado. Las sospechas pocas veces recaían en el mismísimo Canciller Supremo. No obstante, Yoda y Windu dudaban de él porque se negaba a devolver los poderes de emergencia que el Senado le había concedido por tiempo limitado. Con todo, el poder del Lado Oscuro seguía nublando la percepción de los Jedi. Estos habrían podido descubrir el complot mucho antes de no ser por el supremo conocimiento de la Fuerza que caracterizaba al Canciller Palpatine.

Cuando Anakin, con pleno conocimiento de causa, reveló a Windu que Palpatine era el Lord Sith, Mace fue a su encuentro para arrestarle. Acompañado por Kit Fisto, Seasee Tiin y Agen Kolar, se dirigió a las oficinas del Canciller y ordenó a Anakin que le esperara en el Templo.

En el despacho del Canciller, éste les esperaba sabiendo que llegaba un punto de ruptura. Windu le acusó de conspiración y anunció que debería responder ante los tribunales por traición al Senado y a la República. Palpatine pronunció la frase: “Yo soy el Senado”. Acto seguido, se lanzó contra los Jedi utilizando su sable láser. Eliminó rápidamente a Kolar y Tiin mientras que Fisto cayó poco después. La lucha se libró entre dos grandes combatientes pero, a pesar de disponer de tanto poder, Palpatine acabó siendo acorralado por Windu. En ese momento, apareció Anakin Skywalker quien, seducido por el hecho de creer que Palpatine podría salvar la vida de Padme, imploró a Windu que no terminara con la vida del Canciller. Mace sabía que, en los tribunales, las habilidades de Palpatine para la manipulación le permitirían escapar a cualquier castigo. Ante la vileza del Lord Sith, la única opción era matarle auqnue no fuera el estilo Jedi. El ahora desatado Sidious lanzó rayos Sith a Windu con la intención de derribarle pero éste pudo contenerlos con el sable láser y derivarlos hacia el villano causando la deformación de su cara. Estando Sidious ya muy débil, Windu se disponía a dar el golpe de gracia cuando Anakin decidió tomar partido por el lado oscuro y cortó la mano derecha de Windu en plena maniobra de ataque. Sidious aprovechó entonces la situación para atacar con sus rayos de energía oscura a un Windu indefenso. Éste se precipitó varios kilómetros hasta fallecer en la jungla urbana de Coruscant.

Mace Windu, al igual que toda la Orden Jedi, se percató del peligro demasiado tarde. El Lado Oscuro había obtenido su primer triunfo en milenios y la purga de los Jedi fue su materialización final. Su fuego se extinguió del universo aunque no desaparecería por completo. Algun día, el futuro Emperador recibiría su justo castigo.

Samuel L. Jackson hizo campaña para conseguir un papel en Star Wars desde que se anunció la pre-producción de las precuelas. Ávido fan de la saga, se puso en contacto con George Lucas y pidió de forma constante un rol en las películas. Lucas decidió premiar su insistencia con un papel que empezaría siendo reducido pero iría aumentando progresivamente hasta llegar a ser uno de los personajes principales. Antes del rodaje de La Venganza de los Sith, Jackson habló con Lucas y le dijo que era consciente de la muerte de Mace Windu pero no deseaba que su desaparición fuera sencilla o poco trascendente. Lucas le tranquilizó respondiéndole que moriría como un héroe y así fue como se vio en pantalla.

Qui-Gon Jinn siempre mantuvo una constante inquebrantable a lo largo de su existencia: la confianza férrea en la Fuerza Viva.

En los archivos del Templo Jedi nunca se hizo constar su procedencia. Solo se sabe que fue localizado y trasladado a Coruscant a muy corta edad. Siempre demostró unas grandísimas aptitudes tanto en el conocimiento de la Fuerza como en el combate. Todo ello se puso de manifiesto en un torneo que los Jedi organizaban entre sus más jóvenes miembros para que tuvieran la oportunidad de llamar la atención de los grandes maestros. Cuando se impuso a todos sus adversarios, el maestro Dooku decidió tomarlo bajo su mecenazgo.

Junto a Dooku participó en importantes misiones para la República. A su lado aprendió a concentrarse más para sentir y no pensar demasiado al hacer uso de la Fuerza. Cualquier elemento de la naturaleza podía ayudar al Caballero Jedi en su cometido y ese era un valor que no siempre se defendía en la Academia. Sin embargo, algo distanciaba a maestro y alumno: la absoluta compasión por todo tipo de vida que sentía Qui-Gon. Finalizado el aprendizaje, Dooku le advirtió que su extrema confianza algún día se giraría en su contra.

Convertido en Caballero Jedi de pleno derecho, Qui-Gon decidió no formar aprendices durante un tiempo. No obstante, le llamó la atención como la Fuerza fluía en un joven de Telos IV llamado Xanatos. A pesar de las reservas del Maestro Yoda, Qui-Gon inició un largo historial de desacuerdos con el Alto Consejo Jedi cuando decidió adiestrarle. Todo terminó precipitadamente cuando Xanatos cayó al Lado Oscuro y desafió a su maestro. Qui-Gon juró que no entrenaría a más aprendices durante el resto de su vida.

De regreso a las misiones en solitario, volvió a colaborar con Dooku en algunas negociaciones. Su antiguo Maestro volvió a insistir en su desconfianza hacia las decisiones del Consejo Jedi y censuró la actitud de ese órgano al recriminar a Qui-Gon el adiestramiento de Xanatos. Sin embargo, estas palabras no afectaron del todo a Jinn ya que él tenía claro que su camino era paralelo al del Consejo pero eso no implicaba un rumbo de confrontación. Seguiría respetando la institución y las decisiones de su Consejo rector aunque, en su devenir personal, aplicaría un código propio de conducta.

Unos diez años después del incidente con Xanatos, Yoda le instó a romper su juramento y entrenar a un nuevo padawan. En un torneo vislumbró grandes aptitudes por parte de un niño llamado Obi-Wan Kenobi. Pero se topó con la sorpresa de que el Consejo Jedi pensaba enviarle al cuerpo de agricultores pues no creían en su potencial. Ambos coincidieron en la nave que realizaba el trayecto hasta Bandomeer. Y quiso el destino que la nave recibiera un duro ataque por parte de piratas espaciales. Qui-Gon lideró la defensa y contó con la inestimable ayuda de Kenobi que se hizo con los mandos de la nave realizando un aterrizaje de emergencia que salvó las vidas de gran parte de los ocupantes. La demostración de coraje y entereza de Kenobi le sirvió para que el Consejo Jedi autorizara su adiestramiento como padawan.

Bajo la tutela de Qui-Gon, Obi-Wan Kenobi completó un gran entrenamiento en el que pudo conocer todas las vertientes de la Fuerza mientras perfeccionaba sus dotes de concentración y destreza. Ambos formaron una unidad sólida que fue referencia absoluta en misiones para garantizar la paz y la seguridad en la galaxia.

Pero el punto de inflexión llegó cuando se enfrentaron a su encargo más peligroso: negociar con la Federación de Comercio el fin del bloqueo a Naboo. Obi-Wan sintió, desde el primer momento, una presencia elusiva que parecía controlar los acontecimientos. No podía estar más acertado pero esa era la percepción de un joven todavía inexperto. Los Jedi consolidados se habían auto-investido de tanta notoriedad y confianza que ya no eran capaces de vislumbrar la conspiración que se alzaba ante sus narices.

Tras escapar a una trampa mortal y salvar la vida de la reina Padme Amidala, se vieron obligados a buscar piezas mecánicas para poder reparar el transporte en el que habían escapado del Naboo invadido. Resultó ser Tatooine el planeta más cercano y la llegada al árido sector cambió los acontecimientos de futuro. Qui-Gon detectó la presencia de un gran afloramiento en la Fuerza Viva, personificado en Anakin Skywalker, un esclavo de nueve años que sobrevivía, junto a su madre, trabajando en el taller mecánico del toydarian Watto.

Qui-Gon intuyó que podría encontrarse ante el “elegido”, una figura mesiánica de gran poder que traería el equilibrio a la Fuerza. El recuento de midiclorianos en sangre fue consistente con este diagnóstico ya que los niveles que mostraba Anakin solo eran igualados por Yoda. Probablemente, el niño había sido concebido por los propios midiclorianos ya que nunca hubo padre. A pesar de las dificultades intrínsecas a la misión y de tener que enfrentarse a Darth Maul, un Sith de inigualable destreza en el combate, Qui-Gon consiguió sacar a Anakin del mundo de Tatooine y llevarlo a Coruscant donde sería evaluado por el Consejo Jedi.

Separado de su madre y en un ambiente nuevo y opuesto a lo que conocía, la reacción de Anakin no fue la esperada por el Consejo. Sus habilidades eran extraordinarias pero su futuro parecía muy inestable e inquietaba a los notables Jedi. La extremada urgencia de los acontecimientos aparcó la decisión sobre el joven Skywalker y encendió una vez más a Qui-Gon que no podía entender el rechazo inicial ante unas dotes tan prometedoras.

De regreso a Naboo para tratar de recuperar el control perdido a manos de la Federación, Qui-Gon, Obi-Wan y Padme hurdieron un plan que, en colaboración con el ejército gungano, podía darles la victoria en la batalla. Pero Darth Maul esperaba a los Jedi en el hangar de Theed y la confrontación entre ellos significó un punto de ruptura a todos los niveles. Qui-Gon era magnífico en combate pero su plenitud física quedaba ya lejana mientras que la inexperiencia de Kenobi era una debiblidad a pesar de disponer de una agilidad y reflejos extraordinarios. Maul, aunque en inferioridad numérica, superaba en habilidad a uno de ellos y en experiencia al otro. Cuando los Jedi se vieron separados por campos de energía, el Sith aprovechó la oportunidad para asestar una estocada mortal a Qui-Gon. Kenobi, ungido por la rabia, se enfrentó a Maul en cuanto los campos de energía cedieron y estuvo al borde de la muerte pero pudo recuperarse para segar la vida del Sith.

En sus últimos instantes de vida, Qui-Gon hizo prometer a su otrora aprendiz que adiestraría a Anakin porque seguía estando convencido de que el niño traería el equilibrio a la Fuerza.

La profecía existía desde hacía varios milenios y en el caso de Anakin era correcta desde cierto punto de vista. El niño tenía inseguridad y miedo dentro de él. No podía distanciarse de las emociones ni de los apegos. Eso se traducía en ira, desconfianza y rabia descontrolada. Todas ellas eran cualidades que Darth Sidious explotó para atraerle al Lado Oscuro. Así que, de alguna manera, Anakin vino a traer equilibrio apoyando la consolidación del Lado Oscuro en la galaxia. Un destino completamente diferente del que visualizaba Qui-Gon. 

En el Episodio III se nos quiso trasladar la idea de que Qui-Gon Jinn fue el primer Jedi capaz de trascender a la muerte como espíritu guía. Desde el averno de los tiempos, instruyó a Obi-Wan, durante su exilio en Tatooine, para que pudiera abrazar ese poder. También hizo lo propio con Yoda en Dagobah. Sin duda alguna, esta es una explicación polémica pero consistente con lo que vimos después. Aún así, nadie nos explicó por qué, de ser así, Qui-Gon no estuvo presente, de forma celestial, en la celebración final de Endor.

Liam Neeson interpretó con gran brillantez a Qui-Gon en La Amenaza Fantasma. George Lucas le eligió porque deseaba un actor de gran presencia y trayectoria, capaz de inspirar al resto del reparto. Sin duda alguna, acertó con su contratación aunque otra cosa fue el guión que tenía preparado para él.

Resulta paradójico que un proyecto de la envergadura de Salvar al Soldado Ryan pudiera nacer de un forma tan fortuita y que la implicación de Steven Spielberg llegara también desde cauces poco habituales. Viendo la repercusión y potencia de la película es curioso investigar sobre su producción y encontrarse con que la idea surgió de un guionista que había escrito libretos para películas más bien infantiles. 

El guionista en cuestión era Robert Rodat. La idea le sobrevino durante un viaje por el estado de Pennsylvania en 1994. Durante el trayecto, le llamó la atención un monumento a los caídos en la población de Port Carbon. El monolito estaba dedicado a cuatro hermanos que habían muerto en la Guerra Civil. Este hecho activó la inspiración de Rodat. Decidió cambiar su registro habitual para crear una historia parecida a la de los chicos de Port Carbon pero ambientada en la Segunda Guerra Mundial. En sus primeras investigaciones descubrió que hubo dos casos parecidos en el conflicto bélico en cuestión y siguió indagando para modular su propuesta. Una vez terminado el primer borrador, lo envió al productor Mark Gordon quien no se convenció de la calidad del material hasta la revisión número 11 por parte de Rodat. 

Gordon y su socio, Gary Levinsohn, compraron los derechos del libreto para su productora, Mutual Film Company. Pensaban en Tom Hanks como protagonista y decidieron enviarle el guión. Paralelamente, el agente de Steven Spielberg descubrió el script y se lo entregó sin demasiadas esperanzas ya que hacía mucho tiempo que el director obviaba las propuestas que le llegaban a través de la agencia de representación. Pero cuando empezó a leerlo, la premisa empezó a interesarle. Desde niño había desarrollado una gran afición por el cine bélico y, en concreto, por la Segunda Guerra Mundial. Ese interés nació con las historias que le explicaba su padre, Arnold Spielberg, sobre su periplo en el conflicto bélico. Arnold había servido en Birmania y la India como jefe de comunicaciones de un escuadrón de bombarderos B-25. Su destreza como ingeniero le había permitido perfeccionar las antenas de los aeroplanos y le había elevado a un puesto importante dentro de su regimiento. Además de lo que su padre le explicaba, el joven Steven también desarrolló su fascinación por la época a través de los objetos e indumentaria que Arnold se había traído consigo.

Arnold y Lea Spielberg junto a su hijo Steven.

A finales de los 50, con el "gérmen" del cine ya muy desarrollado, Spielberg dirigió una pequeña película bélica casera cuyo título era The Last Gunfight. Sus padres alentaron esta afición y pagaron de su bolsillo Escape to Nowhere. La familia se encontraba viviendo entonces en Phoenix (Arizona) y allí Spielberg movilizó a varios de sus compañeros de instituto para que participaran en un proyecto en el que incluso consiguió rodar con aviones militares abandonados, vistiendo a los chavales con trajes y cascos que su padre había traído de Birmania. Se obsesionó con esta temática y veía la guerra con inocencia, sin noción de realismo. En ese momento solo le fascinaban las escenas que podían crearse en este contexto militar. Posteriormente, siguió realizando películas amateurs derivando hacia la ciencia ficción, como fue el caso de Firelight (1964), pero no hay duda de que cuando se convirtió en director profesional el contexto histórico de los años 30 y 40 tiene una impronta muy destacable en su filmografía.

La posibilidad de realizar una película que homenajeara a los veteranos era algo que Spielberg tenía pendiente. Sin embargo, no quería hacer un film que reconstruyera una campaña militar completa. No deseaba una nueva película de crónica bélica sino que le interesaba más explicar una historia humana en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Cuando leyó el guión de Robert Rodat pareció encontrar una historia que le gustaría contar. Por otra parte, su enfoque iba a ser radicalmente realista. Estaba dispuesto a hacer un retrato descarnado del horror de la guerra. No estaría carente de épica aunque se iba a distanciar completamente de la visión glorificadora que impregnaba el cine bélico clásico.

Rodat empezó a trabajar en el guión tras ver el monumento de Port Carbon pero basó su trama ficticia en la historia de los hermanos Niland. Estos cuatro hermanos de Tonawanda (New York) sirvieron en la guerra. Tres de ellos murieron en combate y el cuarto fue localizado en Francia y enviado a casa por las autoridades militares. Cumplió el resto de su servicio en los Estados Unidos. Posteriormente, se descubrió que uno de los tres hermanos declarados muertos no había fallecido sino que se hallaba en un campo de prisioneros japonés en Birmania. Tras ser liberado en mayo de 1945, también regresó a casa. La muerte de otra saga de hermanos, los Sullivan, a bordo del barco militar Juno provocó que el Departamento de Guerra emitiera una orden por la cual los hermanos no podían servir juntos en un conflicto bélico.


Con todos estos elementos previos, Rodat concibió un argumento que se iniciaba el 6 de junio de 1944, el día del desembarco aliado en las playas de Normandía. Después de la brutal contienda, en la que murieron casi 10.000 soldados en cada bando, llega a conocimiento del Estado Mayor del Ejército norteamericano que tres hermanos han muerto, en pocas horas de diferencia, y que queda uno detrás de las líneas enemigas pero en paradero desconocido. El General George C. Marshall, Jefe de Estado Mayor, ordena que un pelotón vaya a buscarlo y lo traiga de vuelta. En las playas de Normandía, un capitán del Segundo batallón de Rangers, John Miller, recibe el encargo de comandar una escuadra que se interne en zona de conflicto, descubra el paradero de James Ryan, paracaidista de la 101 aerotransportada, y lo saque del frente. Miller y sus hombres de confianza inician una compleja misión de búsqueda en la que deberán arriesgar sus vidas para salvar a un solo hombre.

Tom Hanks y Spielberg eran amigos desde hacía mucho tiempo. La estrecha amistad que mantenían se extendía a sus familias y quizá por ello nunca habían querido poner a prueba esa amistad trabajando juntos. Cuando el doble ganador del Oscar por Philadelphia (1993) y Forrest Gump (1994) supo que Spielberg estaba considerando dirigir la película tuvo sus dudas porque no estaba seguro de mezclar amistad y trabajo pero se entusiasmó tanto con el material que decidió afrontar el reto.  Spielberg, por su parte, estaba encantado de trabajar con su gran amigo y se asoció con Mark Gordon para producir la película asegurando una distribución compartida entre DreamWorks y Paramount. Además, involucró en la producción a Ian Bryce, colaborador habitual de George Lucas, que recientemente había realizado un buen trabajo en un proyecto reciente de Amblin Entertainment: Twister (1996).

"Es la mejor experiencia que jamás he tenido trabajando con un actor. Puedo decirlo categóricamente, la mejor experiencia que jamás he tenido."

Director y protagonista trabajaron más el personaje de John Miller. Decidieron resaltar el misterio acerca de la vida anterior al conflicto y siempre tuvieron claro que debía ser un hombre corriente en circunstancias extraordinarias. Ya en la pre-producción se vio claro que ambos funcionaban perfectamente y en el rodaje ese entendimiento fue a más. Siempre estuvieron de acuerdo en la dirección a seguir y de esa lluvia de ideas constante se benefició la película. Uno de los elementos que más trabajaron fue el hecho de concebir al Capitán Miller como alguien que busca hallar la decencia perdida durante la guerra. Ante el horror que ha tenido que afrontar, busca encontrar un sentido noble que justifique la brutalidad y, curiosamente, esa misión que nadie quiere, la de encontrar a Ryan, servirá para descubrir esa decencia perdida. La película plantea la encrucijada que implica cumplir con un deber que genera fisuras. Los lazos de hermandad que se establecen entre los soldados que combaten juntos generan vínculos muy potentes. Y poner en riesgo la vida para salvar a alguien que no es de su unidad y que ni tan siquiera saben si continúa vivo provoca dudas y cierta inquina incluso en el oficial al mando. Uno de los elementos narrativos más interesantes de la película se produce al ver como los rigores de la misión y la irrupción del propio Ryan provoca un cambio de prioridades. El egoísmo no tiene cabida en una unidad militar pero, de alguna manera, en Salvar al Soldado Ryan captamos que el individualismo y el sentido grupal pueden llegar a un punto de conexión.


Para dar vida al fusilero Richard Reiben, Spielberg se decidió por Edward Burns. Tras ver su trabajo como actor y director en Los Hermanos McMullen (The Brothers McMullen, 1995) se convenció de que era el idóneo para dar vida a un oriundo de Brooklyn: brusco y tozudo pero siempre fiable. Jeremy Davies también había intervenido en Twister (1996) y el director le fichó para el papel del CaboTimothy Upham, un cartógrafo e intérprete más dotado para el trabajo de despacho que para el combate. Su fortuita inclusión en la escuadra cambiará su destino y aportará una nueva perspectiva al pelotón hasta que su falta de experiencia haga mella en él.

Para el papel del SargentoMike Horvath,Spielberg consideró a Billy Bob Thornton y Michael Madsen.Thornton no soporta el agua y rechazó participar por lo que implicaba la escena del Día-D.Madsen tampoco se mostró interesado pero emplazó a Spielberg para que contara con su amigo Tom Sizemore. El intérprete de Detroit era un fantástico actor cuyo problema radicaba en su adicción a las drogas. Su constitución física y presencia en escena le convertían en un excelente Horvath pero, durante el rodaje, Spielberg le obligó a pasar controles de sangre diarios bajo la amenaza de despedirle si, en algún momento, esos tests salían positivos. Sizemore no rebasó esa línea roja aunque en los años posteriores ha seguido teniendo problemas.

Barry Pepper se incorporó para dar vida al letal francotirador Daniel Jackson mientras que Adam Goldberg encarnó al burlón Stanley Mellish, un judío neoyorkino cuya lengua le pierde en más de una ocasión. Giovanni Ribisi fue contratado para el papel del médico Irwin Wade mientras que el breve pero trascendental rol de Adrian Caparzo recayó en Vin Diesel. A Spielberg le había encantado su trabajo en Strays (1997), donde también era director y guionista. Decidió crear el personaje basándose en sus prestaciones. Pocos años después, su fama se dispararía con las franquicias Fast and Furious y Riddick.

En cuanto a James Ryan, la decisión era más difícil. Debía ser la gran víctima de algo que desconocía y, a la vez, el motivador de una misión que generaba oposición y escepticismo en el pelotón que debía ir a buscarlo. Unos soldados que acababan de participar en la operación anfibia más trascendental de la historia, se veían ahora desplazados de su compañía para iniciar una misión de rescate que les alejaba del frente pero que no reducía el riesgo sino que incluso lo acrecentaba. Todo aquello por lo que luchaban y por lo que se habían alistado debía pasar a segundo término para buscar a alguien que quizá no seguía vivo. Spielberg quería a un actor poco conocido que representara la imagen de la América rural y profunda. Cuando vio En Honor a la Verdad (Courage under Fire, 1996) encontró a su Ryan en el joven Matt Damon, cuya carrera acababa de empezar. Lo que ocurrió es que ese desconocimiento que buscaba se desvaneció cuando, meses antes del estreno de la película, Damon ganó el Oscar junto a Ben Affleck por el guión de un film que ambos protagonizaron, El Indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997), y el éxito de esa cinta catapultó a ambos hacia el estrellato. El reparto se completó con pequeñas pero importantes intervenciones de Ted Danson, Paul Giamatti, Dennis Farina, Leland Orser, Harve Presnell como el GeneralMarshall, y un casi irreconocible Bryan Cranston.

Dale Dye, capitán de los Marines y veterano de la guerra de Vietnam, aparece rodeado por los actores principales durante el entrenamiento previo al rodaje.

Esa inquina y escepticismo respecto a Ryan que se ve reforzada por las muertes de dos de los integrantes de la misión, era un potente motor de conflicto narrativo y, en esa búsqueda de naturalidad y realismo para la película, Spielberg decidió que el entrenamiento militar de diez días que afrontaría el reparto principal, antes de iniciar el rodaje, no contaría con la presencia de Matt Damon. Fue un durísimo periodo de entrenamiento en el que el capitán retirado Dale Dye machacó a los actores y les hizo probar, por unos días, las condiciones de vida de un soldado en combate. La ausencia de Damon generó en los intérpretes un cierto resentimiento que Spielberg deseaba aprovechar en la película. Era importante mostrar el cansancio físico y mental que caracterizaba a los soldados en campaña y que tan bien habían reflejado los documentales sobre la guerra. El entrenamiento con un "hueso" como Dale Dye colaboró decisivamente en ello. Por otra parte, este boot camp estrechó los lazos entre ellos y les hizo trabajar en equipo mejorando su credibilidad ante la cámara. Esa camaradería se reflejó en una conversación en la que hablaban como si fueran sus personajes y explicaban cual era su visión respecto a la guerra y a la misión en concreto. Esa conversación tenía una frescura y espontaneidad que Spielberg quería aprovechar y así fue como Robert Rodat transcribió la charla y se incorporó al guión en la secuencia en que el pelotón charla al inicio de la búsqueda, mientras caminan por la campiña francesa. Esta naturalidad es la que el director perseguía y siguió alentando a los actores para que aportaran ideas.

"La Segunda Guerra Mundial es la última gran guerra. Rezo para que no vuelva a estallar una guerra a esa escala. La próxima guerra global será el fin del mundo como lo conocemos. No hay lección alguna que extraer al hacer una película sobre la Segunda Guerra Mundial. Tanto si haces una película realista sobre el conflicto como una mala película, el mensaje es el mismo: la guerra es un infierno. La otra historia que me atrajo de Salvar al Soldado Ryan fue cómo encontrar la decencia en el infierno de la guerra. Fue esa búsqueda de la decencia lo que me atrajo. No la hice para ser el cineasta número 407 del planeta que dijera y constatara que la guerra es un infierno. Esta película es un homenaje a los veteranos del conflicto, es para ellos."

Teniendo en cuenta esta premisa ideológica, Spielberg decidió incluir expresamente un homenaje a los caídos en la guerra. El rodaje empezó el 27 de junio de 1997 con la filmación de las secuencias que tienen lugar al inicio y conclusión de la cinta en el cementerio americano de Normandía en Colleville-sur-Mer, donde descansan los restos de más de 9000 militares estadounidenses fallecidos durante la campaña europea. Estas secuencias recibieron críticas por parte de la prensa europea en general, al considerarlas excesivamente patrióticas. La respuesta de Spielberg fue contundente, en su película esta memoria a los caídos era imprescindible. Gracias al esfuerzo y sacrificio de los soldados aliados, el frente occidental en Europa se pudo abrir por tierra y eso permitió el avance de las tropas en la liberación de Francia, Bélgica, y Holanda para llegar finalmente al interior de Alemania.

Los equipos de Ian Bryce y Tom Sanders ya tenían a punto la playa irlandesa de Curracloe, cerca de Ballinesker(condado de Wexford), para rodar la secuencia cumbre: el desembarco de las unidades americanas en uno de los sectores más duros de la playa "Omaha"en el Día-D. 



El rodaje de esta auténtica set-piece se extendió durante 27 días y costó 12 millones de dólares. Ian Bryce consiguió la colaboración del ejército irlandés que aportó más de 1000 reservistas para que intervinieran como figurantes. Esta brutal y macabra secuencia de 25 minutos de duración, que fue definida como la batalla más realista jamás vista en la gran pantalla, se considera uno de los momentos cumbre en la trayectoria de Spielberg como director. En todo momento, su enfoque estuvo centrado en ser honesto y retratar los horrores del desembarco tal como se produjeron. Hay que tener en cuenta que los bombardeos previos no habían conseguido los resultados esperados y las defensas alemanas seguían prácticamente incólumes el 6 de junio de 1944. Tal como afirma el historiador Stephen E. Ambrose, la mayor operación combinada de la historia militar fue una auténtica carnicería.

Spielberg y Janusz Kaminski habían decidido que la imagen de la película debía tener similitudes con los documentales históricos de la contienda. No querían un espectáculo hollywoodiense en technicolor porque el objetivo principal era buscar el realismo y reflejar la crudeza de la guerra. Por consiguiente, Kaminski diseñó una dirección de fotografía que buscaba el granulado y rebajaba el cromatismo. Para conseguirlo modificó las cámaras buscando el grado de obturación que tenían en esa época. Además, ordenó extraer la protección de las lentes de panavision. Eso hacía que la luz rebotara y creara imágenes difusas, destellos, cielos sombríos y una imagen tenue que encajaba con el tono del film. En todo momento, la intención era sumergir al público en la escena y darle la sensación de estar dentro de la guerra. Todo ello tuvo su primera piedra de toque en la secuencia del desembarco.


Habituado a rodar siempre con un ritmo rápido, Spielberg rebajó la velocidad en Ballinesker filmando solo dos tomas por la mañana y dos por la tarde. Ante una logística tan grande, se requería mayor tiempo de preparación. Los técnicos de efectos especiales podían trabajar con mayores garantías para garantizar la seguridad técnica en las innumerables explosiones que debían preparar. Spielberg dio una lección  magistral de planificación y realización demostrando que es capaz de conciliar la perfección técnica con la expresión gráfica del horror y la mutilación mientras conectamos con la visión que tiene John Miller (Tom Hanks) de ese espectáculo dantesco. Los momentos en que la cámara acompaña a los soldados dentro y fuera del agua son espléndidos ya que incluso esa tramposa seguridad subacuática, donde el ruido de las ráfagas y explosiones se atenúa, queda rota por los disparos que penetran en el mar y siguen matando. No solo las balas enemigas suponen el principal peligro sino que también interviene el medio físico: el ahogamiento del soldado que no puede librarse del peso de su equipo es un claro ejemplo. La percepción de ahogamiento está presente dentro y fuera del agua puesto que en la playa la sensación que se transmite es que no había un centímetro seguro y la muerte estaba prácticamente asegurada. Dentro de esa tormenta de explosiones, John Miller trata de mantener unida a su compañía mientras los hombres caen fulminados de forma constante generando ríos de sangre que confluyen en el mar. Spielberg amplió mucho más el material que Rodat había concebido y definió los momentos en que Miller queda temporalmente sordo tras una potente explosión y empieza a asistir atónito a la masacre que se está produciendo ante sus ojos. En ese momento, es como si entráramos en su mente y experimentáramos la sensación de estar completamente paralizado a nivel mental y físico. Miller queda momentáneamente incapacitado puesto que los acontecimientos le han sobrepasado. Cuando se recupera sensorialmente y lidera el avance presenciamos momentos de una crudeza aún superior hasta que finalmente consiguen acabar con la resistencia alemana del sector y aflora la tensión contenida ante lo que acaba de producirse. El realismo regresa entonces con fuerza y vemos como nuestro protagonista es de carne y hueso porque ya antes de desembarcar experimenta un temblor en su mano derecha que no le abandonará. Estas secuelas psicológicas y emocionales solo las habíamos conocido en las películas realizadas, a partir de los años 70, sobre la guerra de Vietnam. Ahora, Spielberg retrataba los auténticos efectos de la última guerra global.

"Quería que el público sintiese los mismo que esos reclutas que desembarcaban de esas barcazas y nunca antes habían visto una batalla, el 95% de ellos jamás había visto una batalla. Fue un caos total y yo intentaba plasmar ese caos en la pantalla. Los soldados tenían que luchar y avanzar para sobrevivir, encomendándose al más cruel de lo azares."

En post-producción, el trabajo del equipo de efectos sonoros dirigido por Gary Rydstrom y la inclusión de más barcos y tropas, por parte de los técnicos de Industrial Light & Magic, acabaron de convertir esta gran secuencia en imperecedera.


A finales de julio, el equipo se trasladó a Inglaterra para rodar secuencias en Thame Park (Oxfordshire) y en Hatfield (Hertfordhire). Fue en Hatfield donde se utilizó un antiguo aeródromo de la RAF para construir el decorado de la ficticia ciudad de Ramelle, donde tiene lugar el enfrentamiento final de la película. Spielberg asegura que el poco tiempo que tuvo para la pre-producción (acabó de rodar Amistad siete semanas antes de empezar con Ryan) fue bien porque agudizó la inventiva y la naturalidad. Se sintió como un cineasta debutante que toma contacto con los escenarios al entrar a rodar, planificando tomas y ángulos de cámara sin storyboard alguno. Cierto es que eso fue posible gracias al talento que atesora y a la forma como interioriza la técnica de filmación. Alguien más inexperto o menos talentoso habría tardado más del doble de tiempo. El rodaje finalizó el 13 de septiembre de 1997, así que solo se extendió durante dos meses y medio teniendo en cuenta que su metraje es de 169 minutos.

La película será siempre recordada por la secuencia del Día-D y es justo que así sea. Pero revindico que el film no pierde interés y ritmo en el resto del metraje. La búsqueda de Ryan que tanto parece incomodar a los miembros de la escuadra, cobra entonces protagonismo mientras somos testigos de las enormes dificultades que experimentan las tropas para avanzar en Normandía ante un ejército alemán que se mantiene sólido y dispone de refuerzos. Vivimos la llegada a Neuville, lugar en que la compañía de Ryan fue lanzada en paracaídas, y el drama humano que supuso el conflicto para la población civil. Son momentos duros en que un padre pretende entregar a su hija a los soldados para garantizar su seguridad. En ese esfuerzo por cumplir con lo imposible, el pelotón sufrirá su primera baja. Poco después, se vive un momento curioso e incluso divertido cuando se localiza a un James Ryan (interpretado por un entonces desconocido Nathan Fillion) que no es la persona que buscan. Spielberg trabaja la expresión del combate de una forma contundente, reservando espacios para el desarrollo de los personajes, pero también se guarda momentos más intimistas como el que se vive en la iglesia en la que se refugian antes de partir hacia Vierville. De alguna manera, la labor de Miller es la de un detective que va siguiendo pistas, algunas erróneas, para localizar al objetivo de la misión.


La misión es localizar a un hombre, no destruir una posición enemiga, recuperar un enclave o ganar terreno. Tal como hemos comentado anteriormente, esta misión no es del agrado de unos soldados entrenados para el combate. Sin embargo, en el proceso de encontrar a Ryan, la escuadra se verá metida en refriegas aunque de forma involuntaria. Después de la escaramuza en Neuville y de comprobar la tragedia ocasionada por unos aero-deslizadores demasiado pesados cerca de Vierville, el grupo de Miller localiza un nido de ametralladoras alemán que está defendiendo una antena de comunicaciones. Aunque su misión no incluye intervenir directamente en acciones de combate, Miller ordena a los suyos que le sigan en la toma de una posición cuyo fuego ya ha generado bastantes bajas americanas. Tras el combate, la muerte de Wade destroza las conciencias del pelotón. El capitán sigue buscando la decencia perdida en la guerra, quiere que todo lo que están haciendo sirva para algo y que su espíritu no quede magullado para siempre. Por todo ello, decide liberar a un soldado alemán que ha sobrevivido al ataque. La oposición de parte de sus hombres llega a tintes de motín. Quien lleva las amenazas al extremo es Reiben quien se dispone a abandonar la misión para incorporarse a un regimiento de combate mientras Horvath le apunta con su pistola acusándole de insubordinación. Miller se mantiene en silencio ante una situación de máximo riesgo hasta que irrumpe en la discusión preguntando por el estado de la apuesta que los hombres han puesto en marcha sobre su origen y profesión. Ese aura de misterio que rodeaba a Miller y que pretendía demostrar cuan fuerte podía ser su coraza emocional ante lo que estaban viviendo, se cae definitivamente cuando explica que era profesor en Pennsylvania y estaba casado. En sus palabras, comprobamos que las condiciones que le distinguían como persona han desaparecido desde que empezó a combatir y que él mismo ya casi se reconoce. Ante una pérdida de humanidad tan grande, ha decidido preservar lo que le queda para tratar de salvar a Ryan y ganarse el billete de regreso a casa. Una forma nueva de liderar, a través de la sinceridad, pero igualmente potente. Sin duda, se trata de uno de los momentos narrativos más importantes de la película.


La llegada a Ramelle les pone en contacto finalmente con Jimmy Ryan. Pero cuando Miller le informa de la muerte de sus hermanos y de las órdenes que se han dado para que sea sacado del frente y enviado a casa, el joven soldado se resiste. Prefiere quedarse junto a sus compañeros y defender un puente estratégico aunque dispongan de pocos hombres y recursos para hacer frente al contraataque alemán. La rabia de Reiben y Mellish parece hacerse más fuerte contra Ryan después de haber perdido a dos compañeros para localizarle. Pero no hay forma de que el joven de Iowa acepte marcharse porque no se considera merecedor de este trato de atención y considera que debe permanecer con los únicos hermanos que le quedan. En esta situación de máximo riesgo, Miller toma una decisión después de escuchar a Horvath:

"I don't know. Part of me thinks the kid's right. He asks what he's done to deserve this. He wants to stay here, fine. Let's leave him and go home. But then another part of me thinks, what if by some miracle we stay, then actually make it out of here. Someday we might look back on this and decide that saving Private Ryan was the one decent thing we were able to pull out of this whole godawful, shitty mess. Like you said, Captain, maybe we do that, we all earn the right to go home." 

Podrían haberse marchado e informar al mando que no habían podido localizarle o aducir cualquier otra razón. Pero de nuevo se presenta la oportunidad de hacer algo que valga la pena deteniendo el avance de un escuadrón panzer alemán y preservando uno de los pocos puentes que quedan sobre el río Merderet. La dura refriega que configura el tercer acto de la película es de una brillantez impresionante. Ver el cuerpo a cuerpo, la lucha frente a tanques, la astucia y el repliegue frente a la demostración de poder... es algo espléndido. La cámara sigue a los protagonistas por escaleras, huecos, campanarios, hoyos... es un despliegue de maestría técnica y de realismo bélico. Una vez más, volvemos a sentirnos dentro del combate.

"Desde una perspectiva histórica, la Segunda Guerra Mundial parece muy clara o todo muy blanco o negro. Pero dentro de una guerra, dentro de la batalla, es técnicamente un caos y para las personas es un caos y una situación muy contradictoria. Cuando miramos atrás desde el punto de vista de la historia, podemos decir: la Segunda Guerra Mundial separó claramente a los buenos de los malos. Pero dentro de la batalla, esta cuestión nunca está tan clara. Para los soldados que luchan en la guerra, puede ser bastante confusa." 

Spielberg se reserva una referencia a El Imperio del Sol cuando los refuerzos norteamericanos irrumpen en Ramelle y un caza P-51 Mustang, el "cadillac del cielo", destruye un tanque Tiger ante el asombro de un moribundo Miller. Todo lo que han hecho para salvarle tiene un reflejo en Ryan quien intentará hacer honor a ese sacrificio y, ahondando en el sentimentalismo, tratará de llevar una vida honorable. Se trata de una conclusión emotiva pero está impreso en el carácter americano la dimensión del heroísmo y el sacrificio y debe comprenderse que eso se plasme en la película. No siempre podemos regocijarnos en el pesimismo irresoluble de Oliver Stone o el de Francis Ford Coppola en Apocalypse Now. Algunas veces debemos apelar a los mejores sentimientos para sentirnos bien con nosotros mismos y reivindicar que de la crudeza puede salir una emoción que active las conciencias desde un mensaje de enaltecimiento. Eso no debería ser objeto de escarnio.


John Williams quedó conmovido al ver el montaje final que elaboraron Spielberg y Michael Kahn. Estuvo de acuerdo en no incluir demasiada música dado el tono de la película. El realismo y la visceralidad de las escenas de combate no admitía música. Se dedicó a crear una partitura que realzara los momentos dramáticos y las escenas tranquilas. En la previa de la batalla en Ramelle, Williams perdió una oportunidad cuando Spielberg concibió la escena entorno al disco de Edith Piaf que Upham reproduce en un viejo gramófono. Las dos piezas de la diva francesa representan la calma antes de la tempestad porque los aullidos de los tanques alemanes irrumpen con fuerza y nos devuelven al fragor de la destrucción.

Williams hizo cambios en cuanto a su estilo habitual de composición. Normalmente, compone el tema principal primero y lo va fragmentando según convenga para reforzar el contenido. En esta ocasión decidió mostrar elementos de algo más maduro durante el metraje y esas pequeñas piezas se reconstruyan al final cuando, en los títulos de crédito, suena el Hymn to the Fallen, un auténtico réquiem a los caídos. Un tema elegante que aumenta su eco dramático con los coros y la fuerza de la orquesta. Williams grabó la banda sonora instrumental en el auditorio de Boston con la Boston Symphony Orchestra. Spielberg y Tom Hanks fueron testigos de excepción de esa gravación.

Salvar al Soldado Ryan se estrenó el 24 de julio de 1998 en Estados Unidos y llegó a Europa a partir del mes de septiembre. Fue un éxito de taquilla impresionante y, de alguna forma, inesperado por el fuerte contenido de violencia que incluía. Su recaudación mundial se elevó a 481 millones de dólares sobre un presupuesto de 70.


En la gala de los Oscar de 1999 obtuvo once nominaciones alzándose con cinco estatuillas. Steven Spielberg logró su segundo Oscar como director y también lo consiguieron Janusz Kaminski (fotografía), Michael Kahn (montaje), y el equipo de Gary Rydstrom por partida doble (sonido y efectos de sonido). Incomprensiblemente, Shakespeare in Love le arrebató el Oscar a mejor película y tampoco lo ganaron Tom Hanks, John Williams, Robert Rodat y Tom Sanders, entre otros.

Salvar al Soldado Ryan es un hito del género bélico y el mejor homenaje fílmico que se le puede hacer a aquellos que se enfrentaron al horror para colaborar en la caída de un régimen político y militar que atentaba contra los valores democráticos, la libertad y la justicia.

En 1969, el escritor británico Brian Aldiss publicó un relato corto cuyo título era Super-Toys Last All Summer Long. Esta relato de ciencia ficción situaba al lector ante un futuro distópico en el que la superpoblación mundial estaba causando estragos y muy pocas familias recibían la autorización para poder engendrar hijos. No obstante, había aparecido una nueva gama de robots humanoides, equipados con inteligencia artificial, para tratar de paliar la carencia emocional en las familias. Este argumento rompió moldes en su época de publicación y acabó llamando la atención de uno de los cineastas más brillantes de la historia: Stanley Kubrick. El director norteamericano afincado en Inglaterra compró los derechos y llamó a Brian Aldiss para encargarle que escribiera un borrador de guión. Kubrick era conocido por su minuciosidad y decidió dejar el proyecto en el cajón de temas pendientes en cuanto vio que necesitaba más tiempo para desarrollarlo. Tenía otras películas en un estado más avanzado de preparación así que se dedicó a ellas.

A finales de los 70, le llamó la atención el trabajo de Steven Spielberg. Contactó con él y entablaron una relación de amistad a distancia (Kubrick nunca abandonaba el Reino Unido). Posteriormente, sí que coincidieron en Inglaterra cuando Spielberg le visitó durante el rodaje de El Resplandor (The Shining, 1980) en los estudios Elstree. Un año después, fue Kubrick el invitado en las instalaciones de Hertfordshire mientras se rodaban los interiores de En Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981). Al responsable de 2001 le pareció fascinante el set que reproducía el Pozo de las Almas. Esa amistad se convirtió en una fuente constante de interminables tertulias sobre el arte cinematográfico y las innovaciones técnicas del sector. A través de esas charlas, Kubrick vislumbró que el proyecto al cual llamó A.I. Artificial Intelligence se encontraba muy cerca de la sensibilidad creativa de Spielberg. 

En 1985, Kubrick vio que se estaba encallando demasiado con A.I. a todos los niveles. Habló con su cuñado y colaborador habitual, Jan Harlan, y decidieron invitar a Spielberg para que se uniera a la producción. Warner Brothers se embarcó en la distribución del film pero el problema seguía estando en el desacuerdo de Kubrick respecto a las diferentes propuestas de guión que Brian Aldiss le fue presentando. La cuerda se rompió finalmente en 1989 cuando despidió a Aldiss y contrató a Bob Shaw, quien, tras seis semanas de trabajo, decidió dejarlo por el ritmo frenético de trabajo y reuniones que exigía el director. Un año después, entró en el proyecto otro escritor de ciencia ficción, Ian Watson. Su borrador definitivo, presentado en 1991, es el que pareció satisfacer más a Kubrick puesto que le encantó como Watson había recogido su sugerencia de convertir al androide David en una especie de Pinocho del futuro. No estuvo tan satisfecho Aldiss quien declaró estar especialmente enojado con el director por haberle sustituido por un hombre como Ian Watson, que pasaba por ser uno de sus más grandes rivales en el género de la ciencia-ficción.

No obstante, el problema derivaba hacia la puesta en escena y el desafío técnico que exigiría la película. Kubrick disponía ya de un storyboard detalladísimo y muy extenso pero estaba convencido que David debía ser un personaje creado por CGI y no veía que la tecnología estuviera suficientemente evolucionada para diseñarlo de forma convincente. El estreno de Jurassic Park (1993), sin embargo, le ofreció nuevas esperanzas y, por recomendación de Spielberg, decidió contactar con Dennis Muren y la gente de Industrial Light & Magic. Desgraciadamente, los ensayos de previsualización no fueron satisfactorios y el coste económico estaba por encima del presupuesto que manejaba. Decidió dar un golpe de timón y volvió a retrasar el rodaje para seguir trabajando en el libreto, con la incorporación de la novelista Sara Maitland, mientras dejaba el aspecto técnico en manos de profesionales británicos como Christopher Baker alias"Fangorn"en el diseño conceptual y Chris Cunningham para el apartado de efectos visuales.

Diseño de "Fangorn" para Rouge City.

David y sus juguetes, entre ellos Teddy, según la visión de "Fangorn".

En los años sucesivos, Cunningham presentó varios diseños de robots que resultaron un completo fiasco. Aunque no era partidario de utilizar un actor real para el personaje de David, los fracasos en el apartado técnico le forzaron a cambiar de idea y así fue como llamó a Joseph Mazzello para hacerle una serie de pruebas de cámara. Sin embargo, Kubrick no conseguía sacar el proyecto adelante y se veía superado por unas tecnologías que no se veía capaz de manejar. En 1995, se reunió con Spielberg y le ofreció el puesto de director puesto que estaba convencido que su amigo podía moverse con mayor familiaridad por este nuevo escenario de retos técnicos digitales. No obstante, Spielberg le dijo que A.I. era un proyecto muy personal y que debía llevar su firma cuando se estrenara. Ante tal situación, Kubrick decidió volver a aparcar el proyecto y centrar todas sus energías en la producción de Eyes Wide Shut.

Por desgracia, el 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick falleció poco después de haber completado el montaje de Eyes Wide Shut y de haberla visto proyectada en un pase privado junto a Tom Cruise, Nicole Kidman y Terry Semel (ejecutivo de Warner Brothers). El maestro afirmó, después del pase, que creía haber hecho el mejor film de su carrera. Su funeral fue íntimo y discreto, por expreso deseo de la familia. Spielberg, Jan Harlan, Tom Cruise, Nicole Kidman y Terry Semel estuvieron presentes y pronunciaron sendos discursos de recuerdo. Poco tiempo después, la viuda del maestro, Christiane, y su hermano, Jan Harlan, contactaron de nuevo con Spielberg para que se hiciera cargo del proyecto y consiguiera llevar a la gran pantalla el sueño de Kubrick. Compartieron con él todo el material que había dejado y ésta vez Spielberg no pudo rechazar la propuesta. 

A pesar de tener una agenda muy ajustada, Spielberg priorizó A.I. y dejó Harry Potter and The Philosopher's Stone en manos de Chris Columbus mientras que retrasó la producción de Minority Report y Memoirs of a Geisha. En un audaz movimiento, decidió afrontar la escritura en solitario del guión, algo que no hacía desde Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977).

Para este proyecto pudo reencontrarse profesionalmente con su antigua socia y amiga Kathleen Kennedy, quien se incorporó a las labores de producción junto a Bonnie Curtis, que había empezado como asistente personal en Hook (1991) y progresivamente fue subiendo peldaños en Amblin Entertainment. El espléndido trabajo conceptual de "Fangorn" se reflejó en los sets creados por Rick Carter. Por otra parte, el diseño de efectos visuales recayó en Industrial Light & Magic y el taller de Stan Winston. Warner Brothers y DreamWorks compartieron los derechos de distribución.


Spielberg empezó a escribir el guión tomando como referencia el borrador de noventa páginas de Ian Watson. Este era el tratamiento que más había gustado a Kubrick y esa era la idea que presidía las acciones de Spielberg: quería hacer una película muy próxima a la sensibilidad del amigo fallecido. Decidió mantener las constantes presentes en el script de Watson y contaba además con todos los storyboards y comentarios de Kubrick al respecto. Amplió la repercusión emocional de David y rodeó la narración de momentos culminantes para llegar a la conclusión deseada por el maestro. Bien es cierto que Ian Watson había aportado un contenido más adulto a la trama introduciendo a los robots gigolós. Estos mecas dedicados a la prostitución en ambos géneros abrían un horizonte en el que las personas habían llegado a necesitar este tipo de servicios y eso convertía este futuro distópico en algo más interesante e incluso creíble. Lo que sí recortó Spielberg fueron las escenas de sexo explícito entre humanos y mecas. Defendió que la presencia de este material no aportaba nada esencial al argumento y reducía la posibilidad de un estreno masivo.

El resultado final fue un guión poco convencional que recogía acertadamente numerosas influencias que al ser centrifugadas convertían la historia en una fábula alegórica capaz de remover conciencias a partir de un formato de ciencia ficción elegante e intimista. La película se centraría en David y su viaje emocional constantemente sacudido por la incomprensión.

"A.I. trata sobre el final de la raza humana, que es sustituida por los Frankensteins que el hombre ha puesto en el planeta en su codicia por crear a un niño que le quiera. Pero el niño no es humano, es casi humano. Reemplazar a un niño es casi un crimen y la raza humana ha de pagar por ese crimen. Y por eso creo que es una historia muy trágica. Creo que fui lo más fiel que pude a la visión de Kubrick."  

A finales del siglo XXI, el calentamiento global ha inundado grandes zonas costeras causando un gran número de víctimas humanas. En el interior de los continentes, el resto de la población sigue viviendo acorde a su estatus social pero cada vez acusan más la sensación de aislamiento y de pérdida de valores. Una nueva generación de robots humanoides, capaces de reproducir emociones, llevan tiempo presentes en la sociedad y se ocupan de paliar las necesidades y carencias afectivas de los humanos. Cuando la empresa Cybertronics se propone crear una gama de niños androides que sean capaces de sentir emociones para ofrecer amor y cariño, deciden probar un prototipo con la familia de uno de sus empleados: Henry Swinton.Henry y su esposa Monica están sufriendo la ausencia de su hijo natural al que han sumido en un coma criogénico por no existir aún la cura a su extraña enfermedad. David llegará a la casa para cubrir ese hueco emocional pero Monica tiene el corazón roto por lo ocurrido y se muestra escéptica con él hasta que su necesidad de afecto filial la conduce a activar su dispositivo emocional. A partir de ese momento, David se convierte, aparentemente, en un niño normal con un amor incondicional por su madre y un apego brutal hacia ella. Junto al meca osoTeddy forman una familia bien avenida hasta que Martin, el hijo natural, regresa a casa tras ser curado por nuevos avances médicos. La presencia de Martin resquebraja la unidad y sus constantes iniciativas para sabotear a David y apartarlo del cariño de sus padres, acaban logrando su objetivo. Sin embargo, Monica es incapaz de devolverlo a Cybertronics para que sea destruido y decide abandonarlo en el bosque junto a Teddy para que pueda sobrevivir como meca sin registro. Esta situación trágica que David no puede comprender ni asumir le lleva a iniciar un viaje repleto de peligros. Convencido de que el Hada Azul de Pinocho podría convertirle en un niño normal y, por consiguiente, regresar de nuevo a casa, David se embarca en un viaje hacia lo desconocido en el que, además de Teddy, solo cuenta con su inocencia infantil y el apoyo de Gigolo Joe, un androide de placer caído en desgracia. Su destino final será sorprendente pero hasta llegar allí solo la fuerza del amor le sustentará.


Una de las razones por las que Kubrick le ofreció la dirección a Spielberg a mediados de los noventa fue la excelencia que había obtenido trabajando con niños. Después de comprobar lo que había logrado con Henry Thomas en E.T. (1982) y Christian Bale en El Imperio del Sol (Empire of the Sun, 1987)veía claro que nadie como él entendía la mentalidad infantil. A.I. supone un regreso al concepto de "niño perdido", una de las grandes constantes en la carrera de Spielberg.David era el "niño perdido" más perdido que había afrontado hasta ahora porque no es ni siquiera un niño biológico. Se trata de una imitación cibernética inteligente que es capaz de amar y sentir emociones reales. Para ello necesitaba los servicios de un actor prometedor que fuera una esponja en el rodaje y pudiera empatizar con el público al máximo nivel. No era fácil encontrarlo pero M. Night Shyamalan pareció allanar el camino cuando estrenó El Sexto Sentido (The Sixth Sense, 1999).Haley Joel Osment, con sólo diez años, destacó espectacularmente convirtiéndose en la viga que sustentaba este thriller sobrenatural. Spielberg siempre había defendido que David debía ser interpretado por un niño de verdad y no por una creación digital con captura de imagen. El realismo era la principal baza que debía respetarse puesto que el público tenía que olvidarse de que se trataba de un meca evolucionado. Había sido diseñado para ser externamente igual a cualquier niño y eso debía traducirse en la pantalla, sin mayores artificios. Osment podía responder al reto y fue la primera opción para el papel. El director volvió a demostrar su particular conexión con los niños y sacó de Osment una interpretación magnífica gracias a continuas aportaciones que el chaval era capaz de absorber e interiorizar.

El emergente Jude Law dio vida a Gigolo Joe y William Hurt asumió el papel del Profesor Allen Hobby, el hombre que creó a David a imagen y semejanza de su propio hijo.Frances O'Connor y Sam Robards abordaron los roles de Monica y Henry Swinton mientras que Brendan Gleeson se incorporó para el breve papel de Lord Johnson-Johnson, el propietario de la Feria de la Carne, una especie de circo macabro donde se despedaza a mecas sin registro para diversión del público. El director llamó a Ben Kingsley para que fuera el narrador aunque también acabó poniendo voz al líder de los supermecas. Robin Williams pronunció las "sabias" palabras del Doctor Know y la gran Meryl Streep hizo lo propio con la Hada Azul.


A.I. era una película de interiores. El CGI daría profundidad a algunos de los escenarios pero básicamente ésta era una propuesta de espacios reducidos que iban a reforzar la vertiente intimista. El rodaje se inició el 17 de agosto de 2000 y concluyó el 18 de noviembre. Varios platós de los estudios Warner en Burbank albergaron el magnífico trabajo del equipo de Rick Carter: la casa de los Swinton, el cuartel general de Cybertronics, la Feria de la Carne y Rouge City, entre otras ubicaciones. Únicamente se rodaron algunos exteriores en el Oxbow Regional Park (Oregon), donde se rodó la dramática secuencia del abandono de David en el bosque.

A.I. es una de las películas más brillantes de la filmografía de Spielberg pero, al mismo tiempo, es una de las que más me cuesta revisionar. Quizá su potente contenido mezcla tanto dramatismo y referencias a los cuentos infantiles (en particular, Pinocho) que acaba siendo algo empalagoso más allá del impacto del primer visionado. Los elementos que plantea, sin embargo, resultan de lo más relevante ya que nos colocan ante los límites de la ingeniería y las consecuencias de generar un ser que puede satisfacer el ego humano para, al mismo tiempo, ser rechazado e incomprendido. La naturaleza humana vuelve a quedar expuesta dado que somos capaces de crear cosas maravillosas que después no sabemos cuidar.


La fotografía de Janusz Kaminski, repleta de contrastes y de iluminación caracterizada, siempre ofrece diferenciación. Desde que empezó la colaboración con Spielberg, la imagen de sus películas se hizo más personal, marcando distancias respecto a la fotografía estandarizada. Eso es precisamente lo que buscaba Spielberg ya que su evolución creativa requería un mayor nivel de contraste en la imagen. Kaminski siempre ha respondido a los retos planteados con una dosis constante de innovación, implementando la calidad visual en el proceso.

Llegados a este punto creo que es mejor dejar que las palabras del cineasta responsable ilustren la explicación porque lo demás supone entrar en un juicio de intenciones e interpretaciones. Ese es el típico callejón sin salida al que nos llevan los académicos. Pero esta retrospectiva se basa en preceptos completamente diferentes y el principal de ellos es que no busca elucubrar sobre símbolos y significados que no estén refrendados por el propio Steven Spielberg en declaraciones públicas. Este ensayo no busca interpretar y sacar conclusiones que no hayan sido buscadas por el cineasta. Lo que aquí explicamos es consecuente con la realidad y los propósitos del director. Son sus símbolos y sus significados, no los que otra persona crea interpretar.

 "A.I. cuestiona al público sobre la diferencia entre el comportamiento sensible y el comportamiento de un muñeco. ¿Dónde va a recaer tu juicio moral? ¿Cómo vas a juzgar a unos seres que son físicamente como nosotros y actúan como nosotros?"

 "Creo que mucha gente se ofendió con los preceptos básicos de la inteligencia artificial. ¿Puedes sentir amor hacia algo que haya sido fabricado por una persona normal? ¿Puedes querer a tus muñecas, a tus figuras de acción? Sí, sí que puedes cuando eres un niño. Pero ¿puede una madre querer a una muñeca Barbie que tiene el aspecto y actúa como una niña de verdad?"

"Creemos que estos seres son un puñado de circuitos sin alma y, por consiguiente, los podemos maltratar y abandonar pero... ¿ha identificado alguien la ubicación del alma en el cuerpo humano? Más allá de las interpretaciones religiosas y trascendentes... ¿se conoce algo empírico sobre ella? Estamos pues ante un gran dilema existencial que no tiene respuesta. En la película, Stanley y yo queríamos mostrar como un ser cibernético podía llegar a la humanidad total. Él tenía un pensamiento más oscuro que el mío y creo que por eso insistió tanto para que yo dirigiera la película. Creía que su visión podía enturbiar el mensaje mientras que yo no estaba seguro de estar cómodo con el final abierto que plantea el film. Sin embargo, tras su muerte, yo se lo debía. Él me había honrado con su amistad y fue una persona que me apoyó y me dio grandes consejos durante muchos años. Creo que, al final, conseguí una película muy cercana a su concepción."

Sobre una historia sencilla, Spielberg dota al film de una gran profundidad emocional que brota en cada fotograma. A partir de la premisa base, el film está poblado de contenidos dramáticos muy potentes que incluso derivan hacia el humor negro y el terror. Cómo olvidar la suprema sensibilidad a la hora de mostrar la activación emocional de David por parte de Monica. Es un momento de planificación e interpretación supremo como también lo es la secuencia del abandono en pleno bosque. Sentimos la emoción de forma directa, sin paliativos. La Feria de la Carne, por otro lado, aporta el lado más macabro a la cinta y está resuelto con una extraordinaria brillantez. Por otra parte, el vehículo aéreo que utiliza Lord Johnson-Johnson es una reminiscencia directa de E.T. aunque nada tenga que ver en cuanto al tono y contenido.


La inclusión de las constantes referencias a Pinocho recuperan importancia en la psicodélica Rouge City. Las preguntas a ese oráculo holográfico que es el Doctor Know llevarán a David hasta un Manhattan inundado y bellamente recreado. Ver a David confrontado con los otros modelos de su gama, aún inactivos, ofrece también un momento de fuerte contraste dramático. Ese choque con la realidad hace temblar sus convicciones pero Gigolo Joe le volverá a poner en la senda de la búsqueda de la Hada Azul, antes de ser definitivamente apartado de la acción. Esa Hada Azul fantasmagórica que, en su momento, formaba parte de un parque de atracciones en Coney Island es ahora el símbolo de una civilización perdida. Es una reliquia sumergida en las profundidades pero la fe de David es imperecedera, al igual que su inocencia, y le ruega respuestas. En esta escena, el director reconoce que estableció una analogía deliberada con la fe religiosa buscando expresar que esa devoción trascendente se puede dar de muy diversas formas. Los judíos no practicantes (Kubrick también lo era) suelen tener tendencia a obviar las metáforas religiosas.

La secuencia que presenciamos después, situada dos mil años en adelante, es de una suprema elegancia y en ella vemos como unos supermecas altamente evolucionados se están dedicando a reconstruir la historia de la humanidad extinta para hallar significado a su propia existencia. Encuentran en David la posibilidad de conocer un segmento importante del avance humano en el terreno de la inteligencia artificial. La concesión de ese día completo junto a su madre, mediante una ilusión recreada a través de una supuesta Hada Azul, es una bellísima forma de concluir una película en el que el amor y el cariño son finalmente concedidos por seres cibernéticos, ávidos de respuestas trascendentales. Este desenlace significó una fuerte apuesta argumental que Kubrick tenía muy interiorizada. Sin embargo, tal como indicábamos anteriormente, se trata de un final teóricamente feliz pero ambiguo y bastante abierto. Spielberg aportó algo más de calidez a la película pero había principios irrenunciables y la conclusión era uno de ellos.

"La gente asume que Stanley terminó A.I. con David y Teddy bajo el agua, atrapados por la noria. Y que van a seguir ahí abajo hasta que se queden sin energía y aparezcan los créditos en pantalla. Ahí es donde asumen que Stanley la terminó y a mí, claro, me critican por llevar la película dos mil años en el futuro, donde los robots que hemos creado nos han reemplazado y los supermecas gobiernan el mundo. Asumen que así es como destrocé la película de Stanley cuando, de hecho, su tratamiento se adentra dos mil años en el futuro y se centra en el deseo cumplido de David. Escribí el guión porque Stanley ya no estaba con nosotros pero esas eran sus ideas. Solo rellené los huecos de la estructura que él tenía pensada."  

La partitura de John Williams acompaña mágicamente el devenir de la película y resalta el sentimentalismo y el espíritu infantil. Sin embargo, remarca también los momentos de mayor oscuridad y trata de reflejar el propio temor de David ante lo que acontece en un tema de notable resonancia dramática: Rouge City. La banda sonora incorpora dos versiones del tema For Always, cuya letra escribió Cynthia Weill. Fue interpretado por Lara Fabian en solitario y también a dúo con Josh Groban. Se trata de una pieza excesivamente lacrimógena cuando se escucha aislada pero encaja bien en el contexto del film.

Artificial Intelligence A.I. se estrenó el 29 de junio de 2001, mientras Spielberg estaba concluyendo Minority Report. Su presupuesto fue de 100 millones de dólares y recaudó 235 a nivel mundial. Aunque fue una cifra notable, el público general esperaba que el regreso de Spielberg a la ciencia ficción significara un gran espectáculo de acción. Al no encontrar eso en A.I. el boca a boca impidió que su éxito comercial fuera mayor. El equipo de Dennis Muren estuvo nominado al Oscar por los efectos visuales y John Williams fue también finalista en la categoría de banda sonora original.

Star Wars Episodio II: el Ataque de los Clones concluye con el estallido de las Guerras Clon. Sabiendo que el Episodio III reanudaría la trama con el final de dicha contienda, George Lucas decidió mostrar el desarrollo de la misma mediante series de animación.

La primera de ellas fue la que se emitió en el canal infantil Cartoon Network entre 2003 y 2005. Impresionado por sus logros en Samurai Jack, Lucas contrató al animador Genndy Tartakovsky para que desarrolara una serie, con animación tradicional 2-D, en la que primara el estilo ágil que había imprimido a sus anteriores proyectos.

El concepto de la serie era rápido y directo. Se trataba de crear diez micro-secuencias que explicaran momentos concretos de la trayectoria de los personajes durante las Guerras Clon. La primera temporada consta de diez episodios que no rebasan los tres minutos de duración. Los micro-capítulos empiezan tres meses después de la batalla de Geonosis y en ellos vemos las andanzas de Anakin y Obi-Wan en la ofensiva contra el Clan Bancario en Muunilinst. También hay un episodio dedicado a Kit Fisto en Mon Calamari así como los acontecimientos que conducen al reclutamiento de una nueva Sith, llamada Asajj Ventress, por parte del Conde Dooku.

La serie obtuvo un notable éxito y fue especialmente valorada la forma en que consiguió compactarse la narración en un formato tan reducido. El proyecto no escondía su vocación claramente infantil y no cabe duda que sedujo a toda una nueva generación de chavales que vieron en la pequeña pantalla algo que les llamó poderosísimamente la atención. George Lucas se encargó de crear el hilo de los episodios y Tartakovsky tradujo esas “píldoras” en unas imágenes de animación tradicional poderosa.

La segunda temporada, emitida en 2004, continuó con el mismo formato. En la misma presenciamos el enfrentamiento entre Anakin y Ventress. La refriega se salda con la victoria del primero haciendo uso de características propias del Lado Oscuro. También vimos, por primera vez, a Yoda y Mace Windu en sendas misiones. Hubo capítulos particularmente interesantes como aquél que se localizaba en el Templo Jedi de Ilum, donde se concentran los cristales que después serán usados para los sables láser.

La serie siempre destacó por incorporar unos escenarios parecidos a la saga fílmica pero pasados por el filtro de la simplicidad y efectividad. Los resultados fueron siempre excelentes puesto que el proyecto era la plataforma ideal para atraer a los jóvenes hacia la saga de películas. La segunda temporada finalizó con la aparición de un amenazador personaje, conocido por defenestrar a cuantos Jedi se le ponían por delante: el malévolo y peligroso General Grievous.

El proyecto debía cubrir el lapso de tres años entre el Episodio II y el III y, llegados a 2005, se anunció que la conclusión de la serie tendría un nuevo formato. Se emitirían cinco capítulos de quince minutos en los que se podrían desarrollar mejor las tramas conclusivas además de incorporar mucho más diálogo entre personajes. Se perdería esa frescura e inmediatez pero se ganaría en capacidad argumental. Esta temporada definitiva nos emplaza a conocer a Anakin como Caballero Jedi consolidado mientras visualiza un sueño premonitorio en Nelvaan que le enfrenta con sus demonios internos. La invasión de Coruscant por parte de los Separatistas convierte los últimos capítulos en un festival de acción en el que Yoda y Mace Windu destacan poderosamente. Mientras tanto, Grievous irrumpe arrasándolo todo a su paso y secuestrando al Canciller Palpatine. Las fuerzas de la República se concentran en la órbita del planeta y empieza la batalla definitiva que, a su vez, abrirá el Episodio III: La Venganza de los Sith.

Star Wars: Clone Wars supuso un gran éxito para Lucasfilm y Cartoon Network. Su estilo diáfano cautivó a público y crítica llegando a obtener cuatro premios Emmy. Esta frescura que inundó el proyecto y la preferencia por una animación práctica que nunca está por encima del argumento, fue quizá el secreto de su éxito.

Posteriormente, llegaría una nueva propuesta en animación CGI y 3-D que resultó más brillante a nivel técnico pero que se eternizó demasiado en pantalla. La falta de un objetivo claro también la perjudicó aunque hay que reconocer que incluye tramas importantes y aporta muy buenos elementos al canon de Star Wars.