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In Memoriam: Lauren Bacall (1924-2014)

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Lauren Bacall ha fallecido la pasado noche cerrando una vida larga y fructífera que está repleta de éxitos profesionales.

Betty Joan Perske nació en Bronx (Nueva York) el 16 de septiembre de 1924. Sus padres eran inmigrantes judíos de clase media baja. Su madre nació en Rumanía y había llegado a Nueva York tras pasar el pertinente estado de control en Ellis Island. Su padre ya había nacido en Estados Unidos pero procedía de una familia polaca.

Tras el divorcio de sus padres tomó el apellido de soltera de su madre, Bacall, y siguió manteniendo con ella un vínculo muy fuerte.

Sintiendo un interés muy grande por la interpretación, empezó a tomar lecciones en la American Academy of Dramatic Arts mientras inició una carrera de modelo en revistas especializadas. En 1942, consiguió su primer papel de reparto en Broadway pero el punto de inflexión llegó un año después. Tenía 18 años cuando apareció en un pequeño anuncio de la revista Vogue. Howard Hawks estaba buscando un nuevo rostro para el papel femenino principal en Tener y no Tener (To Have and Have Not, 1944) y no parecía estar teniendo demasiado suerte en el empeño. Pero su esposa, Nancy, vio la foto de Bacall en Vogue y se la mostró a Hawks. El director encargó a su secretaria que descubriera más información sobre ella pero ésta confundió la orden y le envió un billete para que fuera al casting de Los Angeles.

Sea como fuera, Hawks quedó plenamente convencido con su prueba de cámara y le ofreció un contrato de siete años. Cambió su nombre de pila por el de Lauren y se preparó para el papel bajo la supervisión de Nancy Hawks.

Ya durante el rodaje de la película, cayó bajo el influjo de Humphrey Bogart quien se enamoró perdidamente de ella pese a la diferencia de edad (25 años les separaban). Tras divorciarse de Mayo Methot, se casaron el 21 de mayo de 1945.


Bacall continuó la carrera cinematográfica coincidiendo con su marido en El Sueño Eterno (The Big Sleep, 1946), Senda Tenebrosa (Dark Passage, 1947), y Cayo Largo (Key Largo, 1948). También intervino en Agente Confidencial (Confidential Agent, 1945), junto a Charles Boyer, El Trompetista (Young Man with a Horn, 1950), con Kirk Douglas, y El Rey del Tabaco (Bright Leaf, 1950), donde coincidió con Cary Grant.

Tras dar a a luz a su segunda hija con Bogart, volvió a trabajar en el musical clásico Cómo Casarse con un Millonario (How to Marry a Millionaire, 1953). Allí compartió protagonismo con Betty Grable y Marilyn Monroe

Su carrera siguió avanzando con el apoyo constante de su marido aunque el empeoramiento de salud de Humphrey pronto hizo temblar todo su mundo. Aquejado de un cáncer de esófago, Bogart murió el 17 de enero de 1957.

La felicidad rota la arrastró pronto a los brazos de Frank Sinatra, traumatizado por su tempestuoso divorcio de Ava Gardner. Sin embargo, la relación fue breve y, años después, se casó con el también actor Jason Robards.

Durante todo ese tiempo protagonizó films como Escrito sobre el Viento (Written on the Wind, 1956), Mi Desconfiada Esposa (Designing Woman, 1957), Sombra Enamorada (The Gift of Love, 1958), y La India en Llamas (North West Frontier, 1959). 

A partir de entonces, y con su nuevo matrimonio, sus apariciones se fueron diseminando más en el tiempo. Regresó a la gran pantalla con La Pícara Soltera (Sex and the Single City, 1964), junto a Tony Curtis, y Harper (1966), con Paul Newman. 

Divorciada de Robards en 1969, entró en una fase de trabajos cinematográficos más dilatados. En los 70 apareció únicamente en Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express, 1974) y en El Último Pistolero (The Shootist, 1976),último film de John Wayne.

Después de realizar varias apariciones televisivas, reactivó su carrera en la década de los ochenta y noventa con títulos como Cita con la Muerte (Appointment with Death, 1988), Mr. North (1989), Misery (1990), Pret a Porter (1994), El Amor tiene Dos Caras (The Mirror Has Two Faces, 1996), por la que recibió una nominación al Oscar, y Diamonds (1999), entre otras.


Su prestigio, buen hacer, y elegancia seguían siendo un reclamo para los directores aunque sorprendió al dar un paso adelante muy potente cuando se comprometió a intervenir en Dogville (2003), de Lars Von Trier. 

Volvió a coincidir con Nicole Kidman en Reencaranción (Birth, 2004) y repitió con Von Trier en Manderlay (2005).The Walker (2007), de Paul Schrader, y Wide Blue Yonder (2010) fueron algunos de sus últimos trabajos. Su última aparición ha sido con su voz en Ernest & Celestine, una película de animación europea unánimamente aplaudida por la crítica.

Bacall ha muerto en su apartamento del Dakota building, frente al Central Park, a los 89 años de edad. Deja un buen legado fílmico y un recuerdo imborrable en la memoria de los amantes del cine. Además de ser uno de los grandes iconos femeninos del cine negro, se la recordará también por su activismo político en favor del Partido Demócrata y por su lucha frente a la injusticia del Macarthismo en la década de los 50. 

Me parece interesante concluir el artículo regresando al inicio, al debut de Bacall en la gran pantalla con una película ambientada en la Martinica Caribeña e inspirada en una novela de Ernest Hemingway. Esa química inmediata con Bogart, la dirección de Hawks, la ambientación exótica y el género de aventuras combinado con el thriller, la presencia de Walter Brennan y Hoagy Carmichael en el piano... son elementos más que suficientes para considerar a Tener y no Tener como una joya del cine de los 40.

Y si recordamos esta película, debemos repasar esa escena en que la sensualidad es seguida por la frase: "put your lips together and blow...". Descansa en paz, Betty.



Coches de cine: Ford Mustang y Dodge Charger en Bullitt

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El 17 de octubre de 1968 se estrenó Bullitt, una de las películas esenciales en la filmografía de Steve McQueen. Con el paso del tiempo, la cinta se ha convertido en un icono del género policíaco y, junto a la franquicia de Harry el Sucio (Dirty Harry), son las que más y mejor han aprovechado las calles de San Francisco en la gran pantalla.

El teniente Frank Bullitt (Steve McQueen) es un experto agente del departamento de policía de San Francisco. Una investigación política de alto rango ha traído a la ciudad a un ambicioso Congresista. Su nombre es Walter Chalmers (Robert Vaughn) y está inmerso en la apertura de una investigación contra el crimen organizado. Su testigo estrella es Johnny Ross (Pat Renella), un miembro destacado del sindicato del crimen de Chicago que ha decidido confesar a cambio de ventajas judiciales.

Pero cuando Ross es asesinado, en el hotel donde se escondía, por la acción de dos sicarios, todo se desmorona. La trama nos irá desvelando algunas sorpresas que trastocarán las hipótesis iniciales del caso.

La película fue un éxito en la época. Además de un guión contundente y con pocas fisuras, el film sacó partido de la particular estructura de San Francisco para que las escenas de acción y persecuciones fueran novedosas y espectaculares. Peter Yates, director del film, aprovechó al máximo los exteriores y creó una cinta neo-noir de primer nivel. La partitura musical compuesta por Lalo Schifrin también puso de su parte para crear la atmósfera idónea. McQueen se documentó a fondo para el papel y trabajó varios días junto a Dave Toschi, el investigador principal del caso Zodiac.


Sin embargo, si por algo es conocida la cinta, además de su contenido formal, es por la persecución automovilística que tiene lugar hacia la mitad del metraje. Dicha escena, que dura casi once minutos, sigue siendo un icono del cine de acción. La forma de rodarla, sin artificios extravagantes, la dota de un realismo extraordinario. Esta secuencia cambió la historia del cine para siempre.

La "coreografía" de la escena fue planificada con esmero. Como era habitual en él, McQueen estuvo involucrado intensamente en la realización y condujo en la mayoría de las tomas aunque delegó algunas de ellas en su doble de confianza, Bud Ekins, con el que ya había trabajado en La Gran Evasión (The Great Escape, 1963).

Ekins se encargó fundamentalmente de los espectaculares saltos en las empinadas calles de San Francisco. Los coches debían realizar los saltos a más de 100 km/h y Ekins no podía llevar casco puesto que estaba doblando a Bullitt. Afortunadamente, los autos estaban equipados con jaulas antivuelco. Ekins también hizo de motorista en otro momento de la escena.


La compañia Ford suministró a Warner Brothers dos Ford Mustang V8 GT Fastbacks, color verde oscuro, para el rodaje. El veterano corredor Max Balchowsky modificó las características de los coches para hacerlos resistentes a las exigencias de la escena. Por otra parte, se utilizaron dos Dodge Charger V8 440 Magnum, de color negro, para mostrar el coche de los sicarios. 

La persecución se inicia en Fisherman's Wharf, seguida por momentos en el midtown de la ciudad, la Coit Tower, y Filbert Street. La secuencia finaliza en Guadalupe Canyon, en los límites de un municipio cercano llamado Brisbane.


Un tercer coche se encargó de grabar las imágenes en movimiento persiguiendo a los protagonistas de la acción. Se utilizó un Corvette de 1966 modificado para incluir una plataforma donde ubicar al operador y las cámaras. 

McQueen realizó una gran parte de la escena asumiendo varios giros peligrosos y poniendo al Mustang a 170 km/h en los instantes de la autopista. Pero, para los momentos finales, entró en escena un tercer conductor: Carey Loftin.

Loftin, conduciendo el Mustang, llevaba a su lado el Charger enganchado para mostrar la pugna máxima en la carretera. En el Charger ya no había conductor sino un muñeco para engañar a la cámara. Llegados al momento previsto, Loftin activó un dispositivo que soltaba al Charger para que se estrellara contra una estación de servicio, causando una gran explosión. La escena no salió como estaba prevista pero la posterior edición, en la sala de montaje, salvó la situación. En total fueron necesarias tres semanas para rodar esta inmortal persecución automovilística. 

Nadie resultó herido durante el rodaje y sólo hubo una incidencia cuando el Charger destruyó una cámara en una colisión con otro coche. Es cierto que se observan algunas inconsistencias y extrañas apariciones de automóviles al repasar la secuencia. Pero nadie es capaz de verlo en un primer visionado. Es muy difícil conseguir que este tipo de set pieces puedan resultar impolutas cuando se realizan en un periodo tan alargado de tiempo y necesitan una coordinación que nunca puede llegar a controlarlo todo. 


De los dos Mustang, sólo sobrevivió uno que, al parecer, ha estado en manos de varios propietarios. Incluso McQueen trató de comprarlo en 1977. El dueño actual es desconocido aunque algunos aseguran que el coche se encuentra en un granero del valle del Río Ohio.

Con el tiempo se han hecho varias réplicas. El experto Dave Kunz ha realizado una que ha sido alabada por las revistas especializadas y por la propia compañía Ford que ha llegado a utilizarla en promociones publicitarias.

El estilo de persecución realista que imprimió Bullitt sentó cátedra y varias películas posteriores trataron de imitarlo. Quizá la última apuesta en favor de esta idea se vio en Ronin (1998), de John Frankenheimer

Grandes piezas de Hans Zimmer: Rain Man (1988)

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Tras la muerte de un padre con el que había roto relaciones, Charlie Babbitt (Tom Cruise) y su novia Susanna (Valeria Golino) viajan a Cincinnati (Ohio) para la lectura del testamento. Pero cuando el grueso de la fortuna (3 millones de dólares) debe depositarse en una institución mental, Charlie se enoja y acaba descubriendo que la razón de todo ello se basa en la existencia de un hermano autista, desconocido para él, cuyo nombre es Raymond (Dustin Hoffman)

Cuando el director del centro se niega a concederle la mitad de la fortuna, Charlie se llevará a Raymond con destino a Los Angeles donde espera que otros abogados puedan conseguirle la custodia de su hermano y, por consiguiente, la administración del dinero.

Ante las dificultades que entraña viajar con Raymond, Charlie se verá forzado a hacer el largo trayecto en coche. La road movie que se abre entonces es lo mejor del film y la forma como Barry Levinson retrata visualmente el corazón de Norteamérica resulta maravillosa.

El éxito económico de Rain Man fue espectacular: 412 millones de dólares de recaudación mundial sobre un presupuesto de 25.

La cinta obtuvo cuatro premios Oscar: mejor película, mejor dirección para Barry Levinson, mejor interpretación masculina principal para Dustin Hoffman, y mejor guión original por el libreto de Barry Morrow y Ron Bass. También recibió nominaciones en dirección artística, dirección de fotografía, montaje, y banda sonora original. Y precisamente de esta partitura musical queremos hablar hoy.

Hans Zimmer es uno de los compositores más brillantes y laureados del momento. Con un carrera que se extiende durante más de treinta años, ha realizado partituras emblemáticas y ha colaborado en proyectos de muy diversa índole.

Pero, en sus inicios en Hollywood, Zimmer era muy proclive a la utilización del sintetizador en sus piezas. Con el tiempo, el alemán se ha enaltecido y ha ido derivando hacia las composiciones de corte orquestral aunque manteniendo siempre las esencias. Sin embargo, su primera época es representativa de un estilo más electrónico en el que también obtuvo tracks magistrales.

Uno de esas bandas sonoras pertenecientes a esta primera fase creativa es Rain Man (1988). La habilidad para crear un leitmotiv moderno, rompedor, capaz de sugerir movimiento y convulsión, se expresa con mayor contundencia en la secuencia en que los dos hermanos recorren el Oeste y Raymond observa el paisaje humano y natural que se abre ante sus ojos por primera vez. Momentos brillantes para un film de imprescindible visionado.

Un hotel con sabor hollywoodiense en el corazón de la Costa Brava

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La Costa Brava catalana cubre más de 200 kilómetros entre Sa Palomera (Blanes) y la frontera con Francia. Pero no cabe duda que su parte central es la más espectacular en cuanto a belleza paisajística y calidad de las playas. El municipio de Palafrugell alberga el mayor número de estampas imborrables al incorporar tres localidades marineras de gran tradición cultural y turística: Calella de Palafrugell, Llafranc, y Tamariu. 

A partir de los década de los 50 se inició el boom turístico de la zona con la llegada de los primeros visitantes extranjeros. Los pequeños pueblos de pescadores empezaron a transformarse en un destino vacacional de primer nivel y fue necesaria una expansión urbanística progresiva que, sin embargo, ha logrado mantener intacto el espíritu agreste de la zona. Un elemento salvaje y natural que sigue siendo el reclamo principal para atraer a todos aquellos que pueden permitirse vacacionar en el paraíso de la Costa Brava.

Cuando empezó a llegar el turismo masivo a las playas palafrugellenses, los hermanos Bisbe vieron la oportunidad de convertir el vetusto refugio de pesca de su padre, ubicado en Llafranc, en un bar donde atender a los veraneantes. Con la industria local del corcho iniciando su decadencia, había que desplazar la actividad hacia el turismo. 

Lo que empezó siendo un bar, donde los bañistas bebían sangría fresca, se acabó convirtiendo en el Hotel Llafranc, inaugurado en 1958. Mario y Josep Bisbe necesitaban asesoramiento para decorar el interior del nuevo local y fue entonces cuando llamaron a Manel, que trabajaba como diseñador de aparadores en Barcelona.

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Manel Bisbe era un gran vividor, un excéntrico amante de la diversión nocturna. Su vuelta a Llafranc no se limitó al interiorismo porque vio en el hotel la posibilidad de conseguir un mayor éxito si por las noches se montaba una buena animación con actuaciones en vivo. Y así fue. El Hotel Llafranc se convirtió en un foco de atracción durante los siguientes veranos y sus legendarias fiestas llegaron a oídos de gente importante.

La popular bailaora de flamenco, Carmen Amaya, fue una de las primeras en frecuentar el hotel. Los turistas disfrutaban con sus improvisadas actuaciones en las que, en ocasiones, estaba acompañada por el mismo Manel Bisbe a quien Amaya nombró como el Gitano de la Costa Brava.

Por otra parte, la proyección internacional coincide con el rodaje de algunas películas como Pandora y el Holandés Errante (Pandora and the Flying Dutchman, 1951), De Repente, el Último Verano (Suddenly, last Summer, 1959), La Isla Misteriosa (Mysterious Island, 1961), o La Luz del Fin del Mundo (The Light at the Edge of the World, 1970) en la costa catalana. Algunas estrellas de Hollywood conocieron la región y decidieron pasar algunos días alojándose en el hotel.

En el comedor principal, situado en la planta baja, se encuentran los testimonios gráficos que ilustran las visitas de Elizabeth Taylor, Rock Hudson, Kirk Douglas y Sofía Loren. Las anécdotas aún se explican por parte de la viuda de uno de los hermanos Bisbe. Ella le sirvió unos peus de porc (pies de cerdo) a Douglas y no paraba de recibir peticiones de sus amigas para trabajar como camareras, durante una sola noche, y así poder atender al galán Rock Hudson.

También eran habituales las visitas de Salvador Dalí, Paco de Lucía, Xavier Cugat, Lola Flores y Antonio Gades.

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Actualmente, el Hotel Llafranc sigue siendo un auténtico referente y mantiene esa identidad dual que le ha caracterizado desde sus inicios: hotel de día, sala de fiestas por la noche. Manel Bisbe falleció en 1986 pero su sobrino, Carles, ha tomado el relevo y desde hace 24 años es el nuevo animador de las noches en el hotel, explotando al máximo una faceta de showman que ha heredado de su tío. El apodado "Rambo de Llafranc" es el director de un negocio que, incluso con la competencia feroz que afronta durante la temporada alta, ha sido capaz de unir a varias generaciones que han buscado, por encima de todo, un lugar singular donde entretenerse mientras las olas golpean la playa en el largo y cálido verano.

Títulos referencia para el otoño 2014: Men, Women & Children

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Jason Reitman parece haberse convertido en el director más destacado a la hora de retratar aspectos concretos de la sociedad urbana occidental del siglo XXI. Así lo demuestran sus agudas propuestas que, disfrazadas bajo un manto de comedia agridulce, radiografían determinados aspectos de la vida actual desafíándonos a reflexionar sobre situaciones que consideramos como normales o habituales en el día a día.

Gracias por Fumar (Thank You for Smoking, 2005), Juno (2007), Up in the Air (2009), y Young Adult (2011) abordan problemáticas contemporáneas interesantes. Ahora, tras el drama Una Vida en Tres Días (Labor Day, 2013), regresa al terreno en el que mejor se mueve con Men, Women & Children.

La hipnótica Her, dirigida por Spike Jonze y protagonizada por Joaquin Phoenix, nos situó ante un panorama de futuro en el que las nuevas tecnologías han dado un avance importante en el terreno de las relaciones sentimentales. El aviso, intrínseco en el film, que alerta sobre el imparable proceso de aislamiento humano, remueve la conciencia. Ahora bien, nos movemos en el terreno de lo hipotético y quizá la ficción planteada en el film no llegue nunca a ese punto extremo en la realidad. Reitman plantea una propuesta que comparte con Her la preocupación por la incidencia de las nuevas tecnologías pero, en este caso, no necesita irse hacia un futuro probable porque se centra en un claro y diáfano presente.

Men, Women & Children nos introduce en las vidas de una serie de personajes actuales que dan rienda suelta a sus frustraciones más íntimas a través de las redes de mensajería instantánea. Los planos en que todas las personas están pendientes del móvil, sin hablar entre ellas, ya no pueden ser catalogado de ficción. Basta con pasar cinco minutos en el metro, en la cola de un establecimiento, en los parques, etcétera...

La gente camina, cada vez más, mirando hacia abajo, pendientes de su móvil o tablet. La vida parece pasar por delante mientras centramos la atención en las posibilidades de "comunicación virtual" que nos ofrece el dispositivo. La nueva película de Reitman es uno de los títulos más interesantes de la nueva temporada fílmica porque nos presenta un reflejo extremo de nosotros mismos. La identificación puede ser más o menos inmediata pero la conexión con el público está asegurada a poco que el director y su co-guionista hayan hecho un buen trabajo.

La cinta cuenta con un reparto de intérpretes importantes que arropan a la joven pareja protagonista formada por Kaitlyn Dever y Ansel Elgort. Podremos encontrar a Jennifer Garner, Adam Sandler, Emma Thompson, Judy Greer, Dennis Haysbert, JK Simmons, Rosemarie DeWitt, y Dean Norris (Breaking Bad), entre otros. 

Jason Reitman y Erin Cressida Wilson han adaptado la novela homónima de Chad Kultgen, publicada en 2011. Distribuye la película Paramount Pictures y será en el Festival de Toronto, que se celebra durante estos días, donde se exhibirá por primera vez. Su estreno americano está previsto para el 17 de octubre mientras que su llegada a las pantallas españolas se prevee para el 12 de diciembre. Sin lugar a dudas, un título a tener muy en cuenta.


El musical de Eastwood: Jersey Boys

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La historia de cuatro jóvenes de Jersey que, gracias a su tenacidad y talento, consiguieron entrar en la historia de la música bajo el nombre "The Four Seasons", lleva más de nueve años años representándose con éxito en medio mundo. Su adaptación a la gran pantalla llevaba tiempo en el cajón de proyectos de Warner Brothers hasta que fue desencallada por Clint Eastwood. El maestro quería realizar un film musical desde hacía tiempo y Jersey Boys constituía una magnífica oportunidad tras descartar una nueva versión de A Star is Born.

Eastwood se planteó la película como una forma de expandir y abrir la historia de los Jersey Boys. En el montaje teatral, por razones obvias, todo debe ser muy práctico y funcional a nivel escenográfico. La gran pantalla permite situar a los personajes en multitud de espacios reales dotando a la narración de un contexto más rico y realista.

Por supuesto, estamos ante un musical cinematográfico que incorpora las necesarias licencias artísticas, pero es fácil reconocer en la cinta una ambientación que nos recuerda a Uno de los Nuestros (Goodfellas, 1990), A Bronx's Tale (1993), o Sleepers (1996).

La mejor de la película es que tiene frescura, dinamismo, y mucho entretenimiento sobre la base de una maravillosa caracterización de época. Eastwood se adapta al tono ligero del libreto aunque no por ello pierde énfasis en mostrar los momentos difíciles en las vidas de los personajes, particularmente en lo que se refiere al protagonista: el solista Francis Castelluccio, más conocido como Frankie Valli. Esta profundización en el corazón de los personajes es una de las grandes aportaciones del director a la consolidada trama.


Eastwood junto al auténtico Frankie Valli, productor ejecutivo de la película.

Eastwood decidió que era imprescindible la presencia de John Lloyd Young en el papel de Valli. El joven actor acumula una gran carrera sobre los escenarios y ha interpretado a Frankie durante más de dos años entre Broadway y el West End londinense. Se le galardonó con el premio Tony, en 2006, como reconocimiento al brillante trabajo realizado en la obra teatral. Su identificación con el cantante es enorme y esa asunción del papel tan interiorizada se nota en cada una de sus escenas. Su sólida formación, en canto y expresión corporal, ejerce de imán sobre el público. Al igual que ocurría cuando Valli interpretaba las míticas canciones de la banda en los 50 y 60, la audiencia se centra en él y los otros tres miembros disponen de un mayor margen de acción para no desentonar.

Jersey Boys es una pieza coral, un musical que reverdece el encanto de una época marcada por la inocencia y la perversión a partes iguales. No se le puede pedir a la película que sea un retrato absolutamente fidedigno de la sociedad del momento porque no busca eso. Se debe al formato del libreto musical concebido por Rick Elice y Marshall Brickman que, a su vez, está inspirado en las vicisitudes de los Four Seasons. Por consiguiente, la cinta nunca debe perder ese aire desenfadado y distendido.

Eastwood junto a sus Jersey Boys: Erich Bergen (Bob Gaudio), John Lloyd Young (Frankie Valli), Vincent Piazza (Tommy De Vito), y Michael Lomenda (Nick Massi).

El clasicismo que caracteriza el estilo fílmico de Eastwood resulta idóneo para esta propuesta. Su aportación, por consiguiente, al género musical del siglo XXI me resulta plenamente satisfactoria. Incluso hay espacio para pequeñas notas de genialidad en la escena que concluye con la grabación del clásico "Can't Take My Eyes Off You". La ruptura de la cuarta pared también está perfectamente insertada y, además de ser un guiño al lenguaje teatral, también es la mejor manera para explicar una historia en la que abundan los puntos de vista diferentes y, en ocasiones, opuestos. En cuanto a la secuencia de los títulos de crédito finales, realizada en el backlot de Warner Brothers, hay que descubrirse por su elegancia y concisión. Una pequeña joya que incluso los que abominan el género musical deberían reconocer.

Considero que esta cinta no es merecedora de las críticas destructivas que está sufriendo por parte de ciertos opinadores endiosados. Se trata de un film honrado y disfrutable. Consigue todo aquello que Eastwood buscaba cuando decidió dirigirlo.

Maestros de la luz: Conrad L. Hall (1926-2003)

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"Cinematography is just the language of storytelling; it's not academics, it's not literature, it's just pictures. Of course, it's a very complex language. The piano has only 88 keys, but just think about what they can do. Likewise, the few things that cinematographers have to work with can create nuances in the story that are infinite and just as complex as music."

Con estas sabias palabras, Conrad L. Hall definía el oficio que tanto le apasionaba y al cual se dedicó durante casi cincuenta años. 

Conrad Lafcadio Hall, también conocido comoConnie, nació en Papeete (Tahití) puesto que su padre, el escritor James Norman Hall, había fijado allí su residencia mientras investigaba sobre los hechos del motín de la Bounty. De esa detallada investigación surgió una novela, co-escrita con Charles Nordhoff, que sería la base para sucesivas adaptaciones cinematográficas.

Regresó a Estados Unidos a la edad de ocho años y prosiguió con sus estudios hasta llegar a la University of Southern California (USC) donde se matriculó en periodismo. Pero pronto sus instintos le guiaron hacia otro tipo de formación. Se sentía atraído por la narrativa audiovisual y el programa académico de cinematografía en la USC destacaba sobremanera. Decidió, pues, cambiar su destino y acabó graduándose en 1949. 

Con dos de sus compañeros creó una productora, Canyon Films, bajo la cual desarrollaron varios cortometrajes y un largo de serie B. Pero más allá de algunas becas no consiguieron demasiada repercusión por lo que decidieron disolver la empresa en 1957. El ingente mundo de la televisión fue el medio en el que Hall se volcó en los siguientes años para poder ganarse la vida. Al igual que ocurrió con los directores (Lumet, Peckinpah, Frankenheimer...), la televisión fue la cantera de la que surgieron grandes profesionales destinados a ofrecer renovación y nuevas ideas al mundo del cine.

Hall empezó a trabajar como operador de cámara pero fue derivando cada vez más hacia la dirección de fotografía. En televisión destacaron sus trabajos en Stoney Burke (1963) y The Outer Limits (1963-1964).

Deseoso de seguir contribuyendo a la narración de historias a través del enfoque y la iluminación, Hall desembarcó en el cine con Morituri (1965). Dirigida por el austriaco Bernhard Wicki, la película contaba con un reparto encabezado por Marlon Brando y Yul Brynner. Ambientada en la India durante la Segunda Guerra Mundial, el film no convenció al gran público pero no detuvo la progresión de Connie.


En los años siguientes fue el DOP en Harper (1966), Los Profesionales (The Professionals, 1966), La Leyenda del Indomable (Cool Hand Luke, 1967), A Sangre Fría (In Cold Blood, 1967), Infierno en el Pacífico (Hell on the Pacific, 1968), Dos Hombres y un Destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), El Valle del Fugitivo (Tell Them Willie Boy is Here, 1969), Con los Ojos Cerrados (The Happy Ending, 1969), Fat City (1972), Como Plaga de Langosta (The Day of the Locust, 1975), y Marathon Man (1976), entre otras.

Compartía con otros colegas de generación, como Gordon Willis, el interés por una fotografía más natural o impresionista en contraposición a la iluminación artificial, característica del Hollywood clásico. Así fue como, tanto en blanco y negro como en color, su trabajo siempre vino marcado por la nueva estética de contrastes y matices de luz que marcó al cine de finales de los 60 y 70.

Pero cada película debía suponer un reto. Llevaba dentro de sí un artista inconformista que buscaba historias humanas que pudieran conmoverle hasta el punto de querer iluminarlas. Quizá por todo ello dejó de escuchar ofertas y, tras su doble colaboración con John Schlesinger, se apartó del negocio. Decidió asociarse con el también DOP, Haskell Wexler, para crear una compañía de producción de anuncios comerciales mientras se volcaba en un proyecto largamente ambicionado: adaptar y dirigir la novela "The Wild Palms", del premio Nobel de literatura y dos veces ganador del Pulitzer, William Faulkner.

The Wild Palms nunca llegó a producirse aunque Hall lo siguió intentando en las décadas siguientes. Ante un panorama que tampoco le convencía, regresó al cine con el thrillerEl Caso de la Viuda Negra (Black Widow, 1987) y, a partir de entonces, inició una segunda etapa creativa muy fructífera llena de colaboraciones en películas bastante reconocibles: Conexión Tequila (Tequila Sunrise, 1988), Acción Judicial (Class Action, 1991), Jennifer 8 (1992), En Busca de Bobby Fischer (Searching for Bobby Fischer, 1993), Un Asunto de Amor (Love Affair, 1994), Sin Límites (Without Limits, 1998), A Civil Action (1998), American Beauty (1999), y Camino a la Perdición (Road to Perdition, 2003).

Si en su primera etapa había forjado buenas alianzas con Richard Brooks y John Schlesinger, en esta ocasión conectó especialmente con los guionistas y directores Steven Zaillian y Robert Towne. Y, casi al final de su carrera, estableció una brillante relación creativa con Sam Mendes.

Mendes era un joven director teatral inglés que acababa de reanimar el musical Cabaret con una nueva e interesante puesta en escena. Sus éxitos en Londres y Nueva York habían impresionado a Steven Spielberg quien le animó a aceptar la oferta que los productores de American Beauty tenían pensado ofrecerle.

Acreditando un gran talento pero carente de experiencia, Mendes empezó la pre-producción considerando que Conrad Hall era un hombre demasiado mayor y experto para aceptar el puesto de DOP. Su elección se decantaba hacia Frederick Elmes (Blue Velvet) pero éste declinó la propuesta porque no le gustó el guión de Alan Ball. En ese momento, Mendes combinaba la pre-producción de American Beauty con la dirección de la obra The Blue Room, protagonizada por Nicole Kidman. Fue entonces cuando Tom Cruise le recomendó de nuevo a Hall puesto que había quedado impresionado con la labor del veterano en una película que él había producido: Sin Límites.

Así pues, Connie desembarcó en una película para la que defendía una composición iluminativa más bien clásica. Una imagen que debía contrastar con los graves acontecimientos que surcan el poderoso argumento para hacer entrar a la audiencia en el tono del film. Las charlas con Mendes fueron intensas pero hubo conexión desde el principio y el director británico vio claro que la propuesta de Hall era idónea para la cinta.


Sobre Mendes, el DOP dijo lo siguiente:

"This was Sam Mendes's first film, but it never felt like his first film. He's actually a kind of control freak. I mean that in a good way. It's one thing to be directing. It's another to be directing and to have a vision and communicate that. Sam has vision. I helped contribute to that vision and to that wonderful screenplay."

Con semejante entendimiento, no resultó una sorpresa que Hall se encargara de la fotografía en el siguiente film del director: Camino a la Perdición. Esta adaptación de la novela gráfica gangsteril de Max Allan Collins requería de un maestro en la iluminación para recrear esas escenas de gran opacidad e incluso de contraluz. Fue el último trabajo de Connie pues murió pocos meses después del estreno.

Mendes definió de esta manera su trabajo en Road to Perdition:

"With 'Road to Perdition', you could virtually take every frame of his work and blow it up and hang it over your fireplace. It was like Rembrandt at work." 

Así lo recuerdan muchos de los profesionales del cine que le han sobrevivido: el Rembrandt del séptimo arte. 

Durante su carrera acumuló diez nominaciones al Oscar y tres estatuillas. La obtenida con Road to Perdition ya no pudo ser recogida por él. Fue su hijo, también director de fotografía y depositario de su arte, el que la recogió. Como siempre en estos casos, las películas son su legado inmortal y seguirán siendo analizadas durante las próximas décadas.

Títulos referencia para el invierno 2014-2015: Corazones de Acero (Fury)

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Transcurre el mes de abril de 1945. Los aliados están cercando Alemania desde todas las posiciones pero los nazis aún resisten. El final del conflicto se acerca y los soldados son conscientes de ello. Sin embargo, la ardiente necesidad de finalizar con todo ese horror se contrapone a un día a día en que los combates continúan, aumentando la desesperación en los dos bandos.

En este contexto, los regimientos acorazados juegan un papel trascendental. Y más tras la ruptura del frente de las Ardenas gracias a la ofensiva de los tanques de Patton. Dentro de las iniciativas que toma el alto mando aliado también se incluyen misiones más limitadas que pueden ser importantes para el curso de la guerra.

Este es el caso de la unidad que dirige el veterano sargento, Don "Wardaddy" Collier (Brad Pitt). Wardaddy comanda un tanque Sherman, apodado Fury, y a sus órdenes están el cabo Trini "Gordo" Garcia (Michael Peña), y los soldados Boyd "Bible" Swan (Shia LaBeouf), Norman "Cobb" Ellison (Logan Lerman), y Grady Travis (Jon Bernthal). Las órdenes recibidas indican que deben internarse en territorio enemigo para cumplir una misión de especial relevancia en los últimos compases de la guerra. Como reza el eslogan de la película, "War Never Ends Quietly", y eso es precisamente lo que podemos esperar de uno de los films más interesantes de la próxima temporada. 


David Ayer es conocido por los contundentes dramas criminales, ambientados en la ciudad de Los Angeles, que ha creado como guionista (Training Day, Dark Blue, Vidas al Límite, Sin Tregua). La dureza y la violencia explícita son señas de identidad inexcusables a lo largo de su filmografía como libretista y director. Después de trabajar con Arnold Schwarzenegger en la endeble Sabotage, vio cumplido su objetivo de llevar a la gran pantalla su primer guión de época. Sony Pictures compró los derechos de distribución a Universal y puso la maquinaria en marcha para hacer de Fury uno de los títulos estrella de la major en el tramo final de 2014.  

Esperemos que Fury sea lo que no fue Malditos Bastardos (Inglorious Basterds, 2009). Su trailer transmite fiereza, contundencia y realismo bélico. Todo ello podemos esperarlo en un realizador como Ayer pero la clave reside en saber si el argumento será capaz de atrapar al público de la forma en que lo consiguieron películas con intenciones post-clasicistas como Doce del Patíbulo (The Dirty Dozen, 1967), El Desafío de la Águilas (Where Eagles Dare, 1968) o Los Violentos de Kelly (Kelly's Heroes, 1970).

La película se estrena en Estados Unidos el 17 de octubre pero no llegará a las pantallas españolas hasta el 16 de enero.


Títulos referencia para el otoño 2014: The Homesman

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Tommy Lee Jones regresa a la dirección con un western independiente, de bajo presupuesto, pero altas pretensiones artísticas: The Homesman. Basada en la novela homónima de Glendon Swarthout, la película nos lleva a la Nebraska de 1855. Una tierra de frontera, dura y agreste, en la que una joven piadosa trata de salir adelante en el seno de una pequeña comunidad. Su vida sencilla dará un vuelco cuando la iglesia a la que pertenece le encomienda la labor de conducir a tres mujeres, declaradas oficialmente como enajenadas mentales, hacia su lugar de origen: Iowa.

Al iniciar el camino, Mary Bee Cuddy (Hilary Swank) salva la vida de un minero furtivo llamado George Briggs (Tommy Lee Jones) y le convence para que la ayude en su peligrosa travesía. A partir de entonces, ambos deberán enfrentarse al enorme reto que supone afrontar un viaje por parajes indómitos, plagados de tribus indias, y de forajidos que esperan al acecho su oportunidad. 

Incluida en la sección oficial del último Festival de Cannes, The Homesman es un film en el que Tommy Lee Jones se ha implicado al máximo. Además de dirigir, es co-autor del guión junto a Kieran Fitzgerald y Wesley Oliver, y también produce la cinta acompañado por Luc Besson, entre otros. Un holding de productoras, a los dos lados del Atlántico, han apostado por The Homesman. El presupuesto es muy bajo si consideramos los estándares actuales: 16 millones de dólares. Esto nos da una idea de la voluntad de implicación y sacrificio de un equipo estelar encabezado por la doble ganadora del Oscar, Hilary Swank. Veremos a otros grandes intérpretes como Miranda Otto, William Fichtner, James Spader, Tim Blake Nelson, John Lithgow, e incluso la aparición especial de Meryl Streep. Los técnicos tampoco son de segundo nivel puesto que la dirección de fotografía corresponde a Rodrigo Prieto (DOP habitual de González Iñárritu, Oliver Stone, Ang Lee, etcétera) y la banda sonora ha sido compuesta por Marco Beltrami (3:10 to Yuma).

Su estreno americano está previsto para el 7 de noviembre.

La bestia urbana empieza a rugir: valoración de "Gotham"

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El capítulo piloto de "Gotham" cumple con la formulación básica del inicio de una serie procedimental. Presenta personajes y esboza algunas situaciones que se desarrollaran más adelante junto a otras que irán apareciendo en futuros capítulos. Se trata de un primer capítulo breve, no tiene minutaje extra por ser el comienzo, y creo fervientemente que, en este escaso tiempo, Bruno Heller y Danny Cannon han construido un episodio sólido que funciona como declaración de principios.

El reto para los creadores es mantener y aumentar el interés del público por una propuesta que cuenta con una ventaja importante: el seguimiento acérrimo de los fans del subgénero de superhéroes y del universo DC en particular. Heller y Cannon son conscientes de ello y saben que ese núcleo de espectadores será estable a lo largo de la temporada. Por todo ello, se percibe una clara intención de conquistar a otro tipo de público más generalista. Y este argumento de origen es ideal para conseguirlo.  

No hay que engañarse. Como serie procedimental de una cadena generalista, "Gotham" es prisionera del formato. Al igual que ocurre en Arrow, el montaje del episodio responde a las clásicas paradas, in crescendo dramático, para coincidir con los anuncios publicitarios. Eso le puede restar, en ocasiones, fuerza en su apuesta por un tono serio y contundente que, sin embargo, se ve salpicado por las interrupciones en momentos de tensión. Pero más allá de este imposición formal, tengo una opinión favorable sobre los preceptos y objetivos del show

En primer lugar, dispone de una puesta en escena muy lograda. La representación de la ciudad nos recuerda a los mejores cómics del murciélago: es dura, oscura, poco reciclada en la era post-industrial, y aporta una atmósfera opresiva, tétrica, que incluso recuerda a la estampa de la "ciudad sin nombre" de Seven (1995).

Bruno Heller, entre cuyos éxitos figuran Roma (HBO) y El Mentalista (CBS), ha apostado por un tono de relato criminal con tintes neo-noir. Y eso es un acierto total. No solo se respeta el ambiente oscuro que debería presidir un proyecto de este tipo sino que esa penumbra inunda a todos los personajes y situaciones; no es simplemente un contexto general. Hay que alabar, por tanto, el nivel de contundencia y violencia que la sitúa en la línea de la colección Gotham Central.

En este ambiente de penumbra, poblado por personajes necios y corruptos, es importante la figura de Jim Gordon. En esta precuela, empezamos a verle como detective de homicidios de la GCPD. No hace mucho que ha vuelto a la ciudad. Sabemos que tiene experiencia militar y ha combatido en situaciones de guerra. Los valores que son intrínsecos en él (honorabilidad, integridad, incorruptibilidad, justicia con manos limpias) parecen estar fuera de lugar en el entorno que le ha tocado vivir. Y, en cuanto a la narrativa, esa "unidimensionalidad" que muchos critican, es absolutamente imprescindible para que el espectador tenga un valor seguro al que agarrarse. En este sentido, la interpretación de Ben McKenzie es uno de los grandes aciertos de la serie. Su sobriedad y expeditividad son valores que aportan confianza. El Gordon de "Gotham" vendría a ser una mezcla entre el boy scout clásico y Frank Serpico.

También brillante resulta la presencia de Donal Logue como Harvey Bullock. Un contrapeso al personaje de Gordon que destaca exactamente por lo contrario. Bullock es un veterano superviviente del ritmo que marca la ciudad. Sabe impartir justicia pero se ha adaptado al entorno y se mueve en una escala de grises, anteponiendo el realismo a los ideales que tuvo en sus inicios. La relación entre ambos supera la "buddy-movie" tradicional porque no se prevee entre ellos una conexión especial sino una colaboración profesional, surcada siempre por la duda y el recelo.

Disponiendo del rico universo DC relacionado con Batman, Bruno Heller y su equipo de guionistas disponen de un campo abierto para experimentar. Ya hemos conocido a algunos de los personajes clave en el futuro y, por el momento, destaca poderosamente Robin Lord Taylor en su recreación de Oswald Cobblepot. Habrá que seguir con atención sus movimientos pero, en principio, es un intérprete que parece capaz de dotar al personaje de un gran abanico de matices. El único personaje creado originalmente para la serie es "Fish" Mooney(Jada Pinkett-Smith). Esto ofrece una serie de libertades creativas que será interesante explorar. Pinkett está capacitada para ofrecer grandes momentos dramáticos puesto que irradia poder y crueldad a partes iguales. Sabemos que está a las órdenes de Carmine Falcone, ferviente defensor de una máxima: "sin ley y orden no puede existir el crimen organizado". John Doman cumple a la perfección en la caracterización de un capo veterano al que muchos quieren destronar por considerarlo anticuado. Pero ¿tendrán sus rivales la capacidad para derrocar a alguien cuya experiencia le sitúa siempre dos pasos por delante?

La ciudad de Gotham no ampara a nadie. El peligro acecha en cada esquina y en pocas personas puedes confiar. Ni siquiera las élites de la ciudad pueden estar seguras tras el magnicidio de Thomas y Martha Wayne. Su muerte a manos de un asesino solitario deja huérfano a un niño de doce años que irremisiblemente ha visto su vida truncada. Haber presenciado un acto de esta crueldad, tan directamente, ha dejado dentro de él la semilla de la tragedia, la tristeza, y la sensación de indefensión. Una semilla que irá germinando en su interior impulsándolo más allá de la simple venganza. En este sentido, hay que valorar la interpretación del joven David Mazouz. Es, sin lugar a dudas, el niño que mejor ha interpretado a Bruce Wayne de cuantos hemos visto hasta ahora en las pantallas. Y lo mejor es lo que promete, de cara al futuro, cuando se siga profundizando en su psique torturada.

Como decía antes, "Gotham" tiene un reto potente y mucho que cumplir para no decepcionar al público. Es de esperar que los elementos más interesantes se irán desgranando progresivamente para mantener la tensión. Hay precedentes de todo tipo en este tipo de proyectos. Los más exitosos los representan Smallville y Arrow. Pero "Gotham" ha arrancado más fuerte que la longeva serie sobre los inicios de Kal-El y la galería de personajes es más atrayente que la de Arrow. Esperemos que las piezas se junten convenientemente y al final de temporada podamos redactar una valoración positiva.

Star Wars: Manual de Supervivencia (Fran Marí & Néstor Company)

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Un nuevo proyecto está a punto de ver la luz. La iniciativa creativa de Fran Marí se ha vuelto a traducir en un ilusionante e interesante trabajo en el que tengo el privilegio de participar activamente. Se trata de un Manual de Supervivencia de Star Wars. Ante el estreno de la nueva película el 18 de diciembre de 2015, nos hemos propuesto repasar los elementos más importantes de la saga warie hasta la fecha. Eso implica que iremos publicando artículos durante el próximo año que servirán para introducir a los espectadores neófitos en el universo de Star Wars. Esperamos que nuestro trabajo pueda ser un buen anticipo al estreno del nuevo film de la franquicia, aún sin título, que está dirigiendo JJ Abrams.

Os invitamos a disfrutar de aquellas historias y personajes de una galaxia muy, muy lejana. Os dejo con el vídeo de presentación.


Títulos referencia para el invierno 2014-2015: Inherent Vice

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En el Los Ángeles colorista y psicodélico de 1970, Larry "Doc" Sportello (Joaquin Phoenix) sobrevive como detective privado entre colocón y colocón. Su particular forma de vida, perfectamente integrada con las costumbres de la sociedad bohemia y contestataria de la época, recibe un choque de realidad cuando su ex-pareja requiere sus servicios para que descubra el paradero del actual amante: un magnate inmobiliario llamado Mickey Wolfmann (a quien da vida Eric Roberts) que, tras una buena dosis de ácido, pareció verlo todo con más claridad y decidió repartir las ganancias entre los perjudicados por sus operaciones de expolio. Sportello deberá implicarse a fondo en un caso que le viene muy grande.

Paul Thomas Anderson escogió Inherent Vice, como su siguiente proyecto, cuando leyó la novela homónima, escrita por Thomas Pynchon, y publicada originalmente en 2009. El retrato de la sociedad angelina de la época y el marco temporal que explora la psicodelia hippie del momento, fueron factores que le atrajeron inmediatamente. Con este material, podía crear una cinta que fuera el reverso oscuro y cómico del Harper que dirigió Jack Smight y protagonizó Paul Newman en 1966. 

Joaquin Phoenix caracterizado como "Doc" Sportello

Después de la buena experiencia en The Master, repite con Joaquin Phoenix en el papel principal. Además, algo característico en Anderson son sus repartos corales e Inherent Vice no será una excepción pues veremos a Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, Jena Malone, Martin Short, Eric Roberts, Serena Scott Thomas, y Michael K. Williams (más conocido por haber sido Omar Little en The Wire y "Chalky" White en Boardwalk Empire).

Warner Brothers asume la distribución de una película que llegará a Estados Unidos a finales de este año y verá la luz, en las pantallas españolas, durante el próximo mes de enero. Después de haber trabajado para otros estudios, Paul Thomas Anderson regresa a la major con la que estuvo asociado en sus inicios a través de la filial New Line

No habrá que perder de vista una película que promete ser uno de los títulos con múltiples nominaciones en la próxima gala de los Oscar. El director es garantía de calidad extrema pues está acreditado como uno de los mejores talentos creativos del panorama cinematográfico actual.



Títulos referencia para el otoño 2014: Foxcatcher

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26 de enero de 1996. El multimillonario filántropo John Eleuthère Du Pont asesina al campeón olímpico de wrestlingDavid Schultz. La luctuosa sorpresa inicial se tornó en crónica bizarra cuando la investigación reveló que Du Pont había cometido el crimen sin razón aparente. Los péritos psiquiátricos dictaminaron que sufría esquizofrenia paranoide, lo que le convertía en un peligro activo que podía haber estallado en cualquier momento.

Pero viajemos en el tiempo y desplacémonos hasta unos años antes. Heredero y depositario de una de las más grandes fortunas de los Estados Unidos, John Du Pont siempre se había dedicado al mecenazgo y patrocinio de todo tipo de actividades culturales y científicas. Se le consideraba un gran benefactor de causas nobles y, a partir de un cierto momento, decidió centrar su actividad en el mundo del deporte. Tras la muerte de su madre en 1988, decidió convertir la propiedad familiar de Newton Square (Delaware) en un centro de alto rendimiento para luchadores amateurs. Convenció a un campeón olímpico y mundial, David Schultz, para que se trasladara al complejo y desarrollara su actividad como entrenador allí. Bajo su impulso financiero, un gran número de atletas llegaron para vivir y entrenarse en una especie de ciudad deportiva para luchadores, triatletas y pentatletas.

El "Team Foxcatcher" empezó a conseguir notables logros deportivos y la faceta filantrópica de Du Pont siguió creciendo. Schultz y su hermano Mark eran miembros destacados de ese grupo de élite y la nueva película, que se estrena el próximo 14 de noviembre, explora una época en que las tensiones competitivas y la convivencia con la peculiar personalidad de Du Pont dejaron momentos reseñables.

Foxcatcher es la tercera película del director Bennett Miller tras Capote (2005) y Moneyball (2011). Considerado como uno de los realizadores americanos más prometedores del panorama actual, Miller lleva trabajando en este proyecto desde 2006. No fue hasta 2012 cuando la maquinaria pudo ponerse definitivamente en marcha con el apoyo de Sony Pictures.
El guión es obra de E. Max Frye (Band of Brothers) y Dan Futterman (también actor y responsable del libreto de Capote). En cuanto al reparto se habla de nominaciones al Oscar más que probables para Steve Carell (dando vida a John Du Pont) y Channing Tatum (Mark Schultz). También veremos al omnipresente Mark Ruffalo en el papel de David Schultz, además de Vanessa Redgrave, Sienna Miller y Anthony Michael Hall.

La película formó parte de la sección competitiva del Festival de Cannes. El jurado distinguió a Bennett Miller con el premio al mejor director.



Títulos referencia para el invierno 2014-2015: American Sniper

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Clint Eastwood es un cineasta de raza, un valor seguro para la industria del cine. Dotado de una energía fuera de lo común en alguien de su edad, continúa teniendo un impulso creativo imparable. Película tras película, sigue demostrando su interés por hacer del cine un vehículo personal de expresión. Inquieto y perseverante, trata de explorar diferentes géneros y temáticas con cada una de sus cintas.

Este es el caso de su nuevo trabajo detrás de la cámara después de Jersey Boys. Se trata de American Sniper, la biografía del Navy SealChristopher Kyle. Kyle es el francotirador con más muertes confirmadas en toda la historia militar estadounidense.

Durante cuatro periodos de servicio en Irak, Kyle llegó a las 160 muertes confirmadas en misiones de apoyo al despliegue de tropas de tierra. La insurgencia iraquí le llamaba el "Demonio de Ramadi" y pusieron precio a su cabeza. Fue herido en dos ocasiones y sufrió varios ataques directos por parte de los combatientes locales. En 2009, finalizó su servicio activo y regresó a Texas.

En 2012, se estrenó como escritor al publicar la autobiografía "American Sniper: the autobiography of the most lethal sniper in U.S. military history". Convertido en un fenómeno superventas, Kyle disfrutó de un breve éxito puesto que el 2 de febrero de 2013 fue abatido en el condado de Erath (Texas) por un ex-marine, Eddie Ray Routh, que estaba aquejado de un desorden por estrés post-traumático.

Esta historia era material cinematográfico de primer nivel. Bradley Cooper se interesó especialmente y convenció a Warner Brothers para que adquirieran los derechos de adaptación. Cooper se quedó con el rol de co-productor e iba a contar, en un principio, con David O. Russell como director. Pero el interés de Steven Spielberg trastocó los planes hasta la posterior desvinculación en favor de su amigo Eastwood.

El desembarco de Eastwood tranquilizó a Warner Brothers y garantizó la realización de la película con la llegada de todo su equipo habitual en Malpaso. La contundencia del guión escrito por Jason Dean Hall halló la máxima comprensión por parte del director y se puso manos a la obra para crear una cinta dura y amarga.

Bradley Cooper estará secundado por Sienna Miller, Luke Grimes, Kyle Gallner, Jake McDorman y Max Charles. El film se estrena limitadamente el día de Navidad en Estados Unidos para asegurar su presencia en la temporada de premios. Atendiendo a su primer teaser, estamos ante una cinta que no va a estar exenta de polémica. El film llegará a las pantallas españolas en febrero de 2015. 

Exposición "Hollywood Costume" en Los Angeles

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Entre el 2 de octubre y el 2 de marzo se exhibe en Los Angeles una gran exposición titulada "Hollywood Costume". Con más de 150 piezas de vestuario originales, la exposición rinde homenaje a la suma importancia de la indumentaria en la historia del cine.

El evento es el resultado de una iniciativa conjunta del Victoria and Albert Museum de Londres y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences de Hollywood. La colección está alojada en el Wilshire May Company building, situado en la confluencia de Wilshire Blvd. y Fairfax Avenue. Este será el lugar que, a partir de 2017, albergará el Academy Museum of Motion Pictures.

Deborah Nadoolman (costume designer de Raiders of the Lost Ark) es la comisaria de esta exposición que reúne vestuario de 61 películas ganadoras del Oscar al mejor film. Hay 22 cintas que han conseguido el galardón en esta especialidad. Prácticamente todas las grandes etapas del cine estadounidense están representadas en la exhibición. Las creaciones de diseñadoras del Hollywood clásico como Mary Wills, Helen Rose o Edith Head se combinan con los trabajos de Lindy Hemming, James Acheson, Sandy Powell,Penny Rose o Jeffrey Kurland, por citar solo algunos nombres.

A la espera de que esta sensacional muestra de talento pueda llegar a Europa, os recomiendo encarecidamente que visionéis el siguiente trailer y accedáis al web oficial. Las imágenes van más allá de cualquier palabra.

 



Star Wars. Organizaciones: Alianza Rebelde

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Resulta curioso que el nombre de “Alianza Rebelde” sea el término despectivo con el que el Imperio “bautizó” a los únicos que se opusieron directamente a su dominio inmisericorde de la galaxia. Este es el nombre que se popularizó en las películas y el que siempre hemos utilizado los fans y seguidores de la saga. Pero hay que dejar constancia de la denominación oficial: Alianza para la Restauración de la República. Un nombre rimbombante y a todas luces excesivo. Al conocerlo comprendemos el porqué de la abreviación…

Con el inicio de las Guerras Clon, Palpatine empezó a acumular poderes valiéndose del estado de emergencia que representaba el conflicto. Este proceso y la disolución progresiva de la estructura democrática de la República, provocó que un buen número de senadores empezara a mostrar su disconformidad y oposición. En esa primera época, los líderes de este movimiento eran Padme Amidala (Naboo), Bail Organa (Alderaan), Mon Mothma (Bormea), y Fang Zar (Sern). Estos Senadores fueron capaces de movilizar a un colosal número de parlamentarios entorno a la Declaración de los 2000. En dicho documento, los Senadores instaban al Canciller para que devolviera atribuciones de forma inmediata y que no se valiera del conflicto bélico para aumentar su capacidad ejecutiva. Pero de nada sirvió porque las palabras de entendimiento de Palpatine se convirtieron en imposición cuando, al finalizar la contienda, se autoproclamó Emperador y empezó el desmantelamiento de todo aquello que le precedió.

Empezaron entonces los años oscuros. Las opiniones públicas que disentían del régimen eran rápidamente reprimidas. Sin embargo, un discretísimo núcleo de oposición siguió reuniéndose de forma clandestina. En sus inicios, solo trataba de tomar el pulso de los diferentes sistemas en relación al nuevo dominio opresor del Emperador. Sobrevivir era, en aquellos tiempos, el objetivo principal.

Las acciones individuales, que emprendían los sectores disconformes, siempre acababan en fracaso ante el formidable potencial de la Armada Imperial. Era necesaria una mayor fuerza de ataque y para ello se necesitaba reunir, bajo un mando único, a los sistemas y sectores opositores. Esto no fue posible hasta dos años antes de los acontecimientos que nos presenta Star Wars. Episodio IV: Una Nueva Esperanza.


Fue en Corellia donde el Senador Garm Bel Iblis reunió a los opositores para formalizar una sólida estructura que pudiera iniciar el combate frontal contra las tropas Imperiales. Mon Mothma y Bail Organa estuvieron presentes. Fue este triunvirato el que redactó el Tratado Corelliano. Se trataba de un documento que fundaba la Alianza para la Restauración de la República y definía una estructura jerárquica política y militar. Garm Bel Iblis se comprometió a aportar la potente armada Corelliana mientras que Mon Mothma incorporaría a la Alianza el personal cualificado y las numerosas tropas de tierra de su sistema. Bail Organa, por su parte, fue el “productor” de esta iniciativa al ponerse a la cabeza de la financiación económica. Los grandes fondos monetarios de Alderaan eran conocidos en toda la galaxia.

Mon Mothma fue elegida Jefa de Estado de la Alianza mientras que el mando militar fue compartido hasta que la incorporación del sistema Mon Calamari y su poderosa flota, aupó al Almirante Ackbar como jefe militar supremo. Por primera vez, se creaba una institución con una estructura sólida, que iba a coordinar esfuerzos sobre una base participativa en la que un Consejo Asesor velaría por los intereses de todos los sectores implicados. La Guerra Civil estaba servida. Por primera vez, la Armada Imperial iba a tener enfrente a un ejército, inferior en número, pero bien estructurado y pertrechado. La voluntad de cambio inspiraría a todos aquellos que decidieran tomar las armas contra el Emperador.

La victoria en la Batalla de Yavin, con la destrucción de la primera Estrella de la Muerte y la defenestración del Gobernador Tarkin, actuó como reclamo para que muchos más sistemas se unieran a la Rebelión. Por desgracia, los mártires de Alderaan, con Bail Organa a la cabeza, habían caído antes como ejemplo de la capacidad destructiva de la monstruosa estación de combate. 
Con el tiempo, gente de todas las razas y procedencias, incluso con historiales poco loables, se unieron a la Alianza. Algunos de ellos llegaron a ocupar puestos de gran relevancia. Solo hace falta recordar un par de nombres que a todos os sonaran: Han Solo y Lando Calrissian.
La galaxia vivió cuatro años más de sangrienta contienda hasta que, en la luna selvática de Endor, se fraguó la victoria definitiva que puso fin al reinado del mal. La Alianza Rebelde se convirtió en la base de la Nueva República mientras, poco a poco, regresaron los valores de tolerancia y democracia para garantizar una época de paz y estabilidad.

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El Cine de Hollywood.

Star Wars. Personajes: Wedge Antilles y los pilotos rebeldes. Por Fran Marí

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“Soy Wedge Antilles. Sobreviví a la Batalla de Yavin. Sobreviví a la Batalla de Hoth... Hace tan solo un par de semanas hice estallar la Estrella de la Muerte durante la Batalla de Endor. ¿Cual es la razón de que todavía esté respirando cuando muchos otros excelentes pilotos no? Puede ser porque sea mejor. O simplemente porque soy afortunado.”

Así se describe el propio Wedge en un cómic del universo expandido, y, en mi opinión, no hay mejores palabras para hacerlo. Este corelliano, de joven vivió la desgracia de perder a sus padres y a su primera amor a manos del imperio, algo que lo llevó a odiarlo y unirse a la rebelión en cuanto esta hizo un llamamiento. A partir de entonces su suerte cambió, ya que a pesar de formar parte de las misiones más arriesgadas, como la destrucción de un hangar de cazas TIE, el rescate de pilotos de mano del imperio o la destrucción de dos Estrellas de la Muerte, siempre conseguía salir con vida de ellas, convirtiéndose en el unicornio blanco de los secundarios de la ciencia ficción.
Podríamos e, incluso, deberíamos hablar de la biografía ficticia de este personaje, pero lo más importante de Wedge es su capacidad de supervivencia, algo que lo convierte en un elemento especial, ya que como cualquier otro secundario de cualquier saga de ciencia ficción su supervivencia debería ser más bien escasa, pero en este caso, este modesto piloto de caza rebelde ha conseguido lo imposible, pasar de simple secundario prescindible a todo un símbolo para la saga de Star Wars.
Existe una terminología en el género de la ciencia ficción, “los de rojo”, “los camiseta roja” o “los de uniforme rojo”, que hace referencia a los extras de Star Trek que siempre iban vestidos con el uniforme rojo y cuyo único fin era morir a los pocos segundos de ser presentados. Pues bien, en el Universo Star Wars este tipo de personaje es fácilmente comparable a los pilotos de caza, pero Wedge, cuya importancia en la trama podría haber sido llevada a cabo por cualquier otro personaje o personajes, es un “uniforme rojo” que sobrevive a todo lo que le echen siendo un caso excepcional en los anales de la ciencia ficción.

Además de Wedge, en la flota rebelde hay un gran número de pilotos dispuestos a dar sus vidas por la libertad, y, en la mayoría de los casos, lo hacen. En su mayoría son desertores de las fuerzas imperiales y de las academias militares, aunque muchos son jóvenes voluntarios e idealistas con escasa experiencia de combate. A pesar de su buena voluntad, su esperanza de vida es escasa. De cada diez pilotos de los que conocemos sus nombres, sólo dos sobreviven y uno es siempre Wedge. ¿Quién no recuerda a Porkins, el simpático y rechoncho piloto que no quiso eyectarse? ¿O a Biggs, el amigo de toda la vida de Luke, cuyo reencuentro dura apenas unas horas, y que nadie recuerda después de que caiga en combate? ¿O a Dack, el idealista co-piloto de Luke en la batalla de Hoth, que sólo aparece para morir? La lista de bajas entre los pilotos rebeldes es larga, muy larga, además pocas veces son recordados, por lo que nos hace pensar que la Alianza Rebelde los considera simple y llanamente carne de cañón. Personalmente, los pilotos rebeldes me recuerdan a los gladiadores de la Antigua Roma, ya que van a la batalla a sabiendas de que es poco probable que sobrevivan, tan solo les faltaría que su lema fuese “Ave Flota Imperial, los que van a morir te saludan”.

Para terminar con Wedge, tenemos que mencionar que el actor que le da vida, Denis Lawson, es, en la vida real, el tío de de Ewan McGregor, que, entre motivos, aceptó el papel de Obi-Wan Kenobi por él. Respecto al actor que le dio vida existe una controversia, conocida como la del “Falso Wedge”. Durante la reunión de pilotos anterior al ataque a la primera Estrella de la Muerte en el Episodio IV, un piloto sin nombre intercambia unas palabras con Luke Skywalker, en el guión técnico y en la novelización de la película este personaje es identificado como Wedge, pero en la propia película es interpretado por otro actor, algo que hizo saltar la chispa entre los fans que querían saber quién era ese “Falso Wedge”. Al final resultó que el actor escogido para aquella escena fue Colin Higgins, con la intención de no abusar del personaje de Wedge, que, junto a Biggs, monopolizaba los diálogos de los pilotos secundarios.

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El Cine de Hollywood.

Greenwich, escenario de cine

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El distrito londinense de Greenwich es universalmente conocido por ser el lugar donde, en 1851, se estableció el Meridiano 0 de la era moderna. Pero más allá del Royal Observatory (donde un láser proyecta el punto exacto de la división cartográfica) se pueden encontrar otros enclaves cargados de historia. El Palace of Placentia, construido en 1443, fue residencia y sitio de nacimiento de varios reyes de Inglaterra, entre ellos Enrique VIII y sus dos hijas: María I e Isabel I. Caído en desgracia durante la Guerra Civil (1642-1651), los últimos restos del Palacio de Greenwich fueron demolidos en 1694. En su emplazamiento se erigió un hospital. El gran arquitecto Christopher Wren se encargó de su ampliación para convertirlo en una institución de referencia que albergaría al gran numero de militares heridos en conflictos bélicos. La mayor parte de lo que vemos hoy es el resultado del esmerado trabajo del arquitecto responsable de Saint Paul's Cathedral.

Cuatro años después del cierre del hospital de Greenwich (1869), el palacio se convirtió en centro de entrenamiento para los cadetes de la Marina Real. Así fue como pasó a denominarse Old Royal Naval College. Esto fue así hasta 1998 cuando una nueva Fundación se hizo cargo de la propiedad convirtiéndola en centro cultural y atracción turística. La Greenwich University y el Trinity College of Music también radican sus sedes allí.

En el cine, este maravilloso enclave ha jugado un importante papel en producciones recientes. Su aspecto señorial y las grandes dimensiones que posee, unido a la lejanía del centro de Londres, han permitido enmarcar producciones de época cuyo enorme despliegue se ha realizado sin tener que hacer cortes de tráfico. Así ha sido en películas como Lara Croft: Tomb Raider (2001), El Regreso de la Momia (The Mummy Returns, 2001), Sherlock Holmes (2009) y su secuela, Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, 2011) y Los Miserables (Les Misérables, 2012), donde se rodó la escena del funeral de Lamarque.

Pero yo quiero destacar dos cintas en concreto. En la primera, la presencia de la localización es breve pero trascendental. Me refiero a la conclusión de El Caballero Oscuro: la Leyenda Renace (The Dark Knight Rises, 2012). Gotham parece iniciar una nueva etapa sin Batman y, entre otras cosas muy importantes, vemos como Alfred Pennyworth (Michael Caine) está en su cafetería favorita de Florencia. Tras pasar un rato, se prepara para pagar la cuenta y, en ese momento, divisa algo que le produce una gran felicidad. 




Hace más de dos años que se estrenó la película y creo que ya no podemos destripar el argumento a nadie. Los spoilers deben tener fecha de finalización. Así que dejemos que las fotos se expliquen. En cualquier caso, la escena no se rodó en Florencia sino en la columnata del Old Royal Naval College

La segunda presencia es más extensa y se produce en Thor. El Mundo Oscuro (Thor: The Dark World, 2013). En Greenwich se sitúa un punto de convergencia entre universos que aprovecha Malekith (Christopher Eccleston) para desplegar a sus tropas. Planea liberar la sustancia mística del Aether para inundar de oscuridad el cosmos y restablecer el dominio de los elfos oscuros. Thor (Chris Hemsworth) se enfrentará a él y librará el combate en varios mundos. Las imágenes nos muestran alguno de esos momentos. 





A continuación os presento las fotos tomadas, sobre el terreno, por Silviaez y Clinisbud. Gracias de nuevo!


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Bugsy Siegel y su adicción a Hollywood (I)

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Benjamin "Bugsy" Siegel (1906-1947) es, por derecho propio, uno de los mafiosos más estrechamente conectados con el mundo de Hollywood. En la larga historia de "acordes y desacuerdos" entre la meca del cine y el crimen organizado, el nombre de Siegel es uno de los primeros que salen a la luz. 

Siegel se había forjado, delictivamente hablando, en el seno del Sindicato del Crimen neoyorkino que habían construido Charlie "Lucky" Luciano y Meyer Lansky. Había crecido junto al primero y se consideraba hermano pequeño del segundo. Desde sus inicios en el mundo del Hampa, Siegel fue un leal ejecutor. Permaneció fiel a sus amigos mientras estos ascendían y sobrevivían dentro de las organizaciones de Arnold Rothstein, Joe Masseria y Salvatore Maranzano

Pero con el asesinato de Maranzano en 1931, el ascenso a la cumbre de Luciano y Lansky fue un hecho consumado. Siegel continuó progresando en el nuevo entorno y se convirtió en un efectivo miembro del "círculo interno" que debía regir el nuevo Sindicato del Crimen.

En 1935, los cada vez mayores contactos entre los clanes de Nueva York y Chicago, se tradujeron en la apertura de nuevos acuerdos para gestionar el tráfico de drogas, el juego y la prostitución en el área de Los Angeles. Hasta entonces, la red del crimen organizado en L.A. apenas existía. Se consideraba una ciudad abierta, donde cualquiera podía operar siempre que no metiera las narices en los negocios de otro. Solo sobresalía un hombre, Jack Dragna, y éste no estaba dispuesto a aceptar imposiciones de fuera. 

Cuando Siegel conoció a Dragna sintió un deseo irrefrenable de liquidarle. Haciendo gala de su impulsividad manifiesta, tuvo que ser frenado por Lansky que, como era habitual, diseñó una nueva estrategia para entrar en los negocios turbios de la ciudad. De vuelta en Nueva York, informaron que la prostitución y las apuestas eran un negocio muy fructífero en Los Angeles. Y, además, el sindicato de extras estaba disponible para ser manipulado. Controlarlos supondría atenazar a las majors de Hollywood y esa era un botín demasiado jugoso para ser desechado. La decisión de Nueva York fue enviar a Siegel a L.A. indefinidamente.

Siegel estaba casado pero sus aventuras sentimentales eran constantes. En esa época mantenía una relación con Ketti Gallian, una joven francesa que acababa de obtener un contrato con la 20th Century Fox. Tras instalarse en una mansión de McCarthy Drive (Beverly Hills) que costó 250.000 dólares de la época, reconectó con su viejo amigo George Raft, a la sazón una de las grandes estrellas de cine del momento. A partir de entonces, empezó a generar actividad ilícita creando más de quince garitos de juego en el área metropolitana. La conexión con el mundo de Hollywood, a través de Raft, se tradujo en la presencia habitual de gente como Al Jolson o Michael Todd en los antros de Siegel


Lansky había conseguido que Dragna y su lugarteniente, Mickey Cohen, se incorporaran a la estructura del Sindicato. Eso garantizó libertad de acción para Bugsy. Y se tradujo en la creación de una agencia de noticias para hipódromos que cubría tres estados: California, Nevada y Arizona. En esa época, los corredores de apuestas tenían que suscribirse a una agencia que se encargaba de proporcionar los nombres de los ganadores, las probabilidades de ganar la apuesta, y detalles sobre los jinetes. Los resultados de las carreras se demoraban hasta que se declaraban oficiales. Esta demora se ampliaba cuando se trataba de finales ajustados que debían resolverse a través de foto fija. Esa dilación permitía un margen que los jugadores podían aprovechar para sacar ventaja ya que conocían el resultado antes que los corredores. La agencia de noticias de Siegel, la TransAmerica, le hacía ganar 25.000 dólares mensuales.

Un inciso antes de proseguir. ¿Recordáis el falso garito que monta Henry Gondorff (Paul Newman) en El Golpe (The Sting, 1973)? Allí se ve como interceptan el flujo de noticias de una de las agencias para utilizar la dilación en su beneficio y hacer caer a Doyle Lonnegan (Robert Shaw).

Pero si alguien quería hacer fortuna en la ciudad tenía que centrarse en la incipiente industria del cine. En la década de los 30, los estudios producían 400 películas al año que eran vistas por cincuenta millones de estadounidenses cada semana en las casi quince mil salas repartidas por todo el país. Los ingresos netos por la venta de entradas ascendían a 700 millones de dólares anuales. Algo así era el paraíso de cualquier gángster y Siegel estaba en el lugar y momento idóneos. 

Bugsy se hizo con el control del sindicato de extras gracias a otro viejo amigo del barrio: Allen Smehoff, más conocido como Al Smiley. Todo aquel que deseaba ser extra tenía que afiliarse al sindicato y los estudios solo podían contratar a los que estuvieran apuntados. Eso permitía a Siegel embolsarse un porcentaje de las cuotas del sindicato y de los salarios de los extras. Pero quería más y amenazó con la convocatoria de una huelga para extorsionar a los productores con miles de dólares en "préstamos". Los estudios se intimidaron ante la posibilidad de una huelga salvaje y pagaron para salvar una maquinaria que no podía parar por ausencia de figurantes. Con el tiempo, este "negocio" le generó a Bugsy unas ganancias de 400.000 dólares al año. 

Pero los problemas empezaron a surgir cuando el Fiscal del Distrito, Burton Fitts, citó a Siegel para interrogarle acerca de un doble homicidio en el que podía estar implicado uno de sus ayudantes en el fraude de los extras. Bugsy huyó a Nevada para evitar la citación y, poco después, el fiscal perdió su puesto en las elecciones. La investigación quedó definitivamente aparcada al salir a la luz que la MGM había sufragado buena parte de la campaña de reelección de Fitts.

A finales de los treinta era indudable que Benny Siegel formaba parte de la élite social de Los Angeles. Se registró en el prestigioso Hillcrest Country Club y alternaba regularmente con la comunidad hollywoodiense en restaurantes como el Brown Derby, el Ciro's y el Romanoff's. En ocasiones, se le veía acompañado por jóvenes promesas del momento como eran Lana Turner y Ava Gardner. Conociendo la pasión que el juego ejerce sobre las personas, empezó a organizar partidas privadas de dados en las casas de Jack Warner y Louis B. Mayer. Además, jugaba habitualmente al póquer con Cary Grant, Clark Gable y Gary Cooper. Hedda Hopper, la célebre cronista de sociedad, solía decir: "a los criminales, al igual que a las señoras de moral dudosa, les encanta mezclarse con famosos."

Continuaremos con las andanzas de Benny en un próximo artículo.

Star Wars. Conceptos básicos: Los Jedi. Por Fran Marí

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“Durante más de mil generaciones los caballeros jedi fueron los guardianes de la paz y la justicia en la Antigua República. Antes de estos tenebrosos tiempos. Antes del Imperio.”

Una vez más, la sabiduría del maestro Kenobi es la que nos aporta la definición más clara y sencilla de un elemento tan importante para el universo Star Wars como y quienes son los caballeros Jedi. Como bien dice Obi-Wan, los jedis fueron los garantes de la paz desde tiempos inmemoriales en la Antigua República, incluso en los tiempos oscuros del Imperio Galáctico, los supervivientes de la Gran Purga, siguieron defendiendo los ideales de libertad y democracia que parecían perdidos con el ascenso de Darth Sidious al poder.

En un principio, los jedis eran una orden contemplativa de estudio filosófico de la Fuerza, pero su devoción por la paz los llevó a enfrentarse a la realidad de la Galaxia, en la que la paz pocas veces prevalecía por encima de la guerra y el enfrentamiento. Utilizando sus conocimientos se convirtieron en defensores de la paz, en guerreros que sabía utilizar el enfrentamiento físico, pero solo cuando era necesario. Al principio eran menos numerosos que los Sith, pero con el tiempo y la caída de los seguidores del lado oscuro, los jedi se convirtieron en una orden de grandes dimensiones, se trasladaron a la capital de la Galaxia, Coruscant, y se convirtieron en un poder más de esta.

En los tiempos de mayor esplendor, la Orden Jedi estaba regida por el Alto Consejo Jedi que, a pesar de ser el órgano directivo de la orden, no imponía sus decisiones, del mismo modo que los caballeros ajenos al consejo no tenían la obligación de aplicarlas, como, por ejemplo, Qui-Gon Jinn, cuyas ideas y concepción de la Fuerza se distanciaba de las del consejo.
Puede que en teoría no tuvieran poder político, pero a efectos prácticos, su influencia en el devenir de la Galaxia era más que notable. Por ello es fácil entender porque los Sith fijaron el dominio de la Galaxia como su objetivo, ya que de este modo podrían derrotar a sus eternos enemigos.

A pesar de los esfuerzos por mantener el equilibrio en la Galaxia, la orden jedi fue destruida en dos ocasiones, primero por Darth Revan, y cuatro mil años después por Darth Sidious. Será este último el que conseguirá hacerla desaparecer casi por completo, al realizar un ataque des del interior del gobierno de la Galaxia. Durante las Guerras Clon, el canciller Palpatine ordenará ejecutar la Orden 66, según la cuál los soldados clon deberían acabar con la vida de sus generales jedi, ya que estos, supuestamente, habían orquestado un golpe de estado contra la República y un intento de asesinato contra su persona. A partir de ese momento y con la ayuda de su nuevo discípulo, Darth Vader, Palpatine se dedicará a “limpiar” la Galaxia de jedis, haciéndolos cazar cada vez que encontrara alguno, llevando a cabo la que se conoció como la Gran Purga.

El camino del jedi era largo, antes de cumplir un año, si cualquier niño de la galaxia tenía sensibilidad con la Fuerza, era inmediatamente adoptado por el Templo Jedi, que lo criaba junto a otros jóvenes aprendices. Cuando habían recibido las enseñanzas básicas y tenían la edad suficiente, los caballeros y maestros jedi escogían entre ellos a sus futuros padawans que, a partir de aquel momento, les acompañarían en todas las misiones que realizaran. Cuando llegaba el momento y el joven padawan había superado las pruebas necesarias, este asolia el rango de caballero, para, más adelante, convertirse en maestro. Aún así, la vida de los jedis no termina cuando su cuerpo muere, al contrario, el lado luminoso de la Fuerza permite a sus más sabios conocedores unirse a ella, para convertirse en seres inmortales portadores de luz y sabiduría.

Durante toda la vida, cualquier miembro de la orden debía respetar los tres pilares de la filosofía jedi: la Fuerza, el conocimiento y la autodisciplina, pero no todos lo hicieron. En las salas del archivo del templo se muestran veinte bustos, representando a los Veinte Perdidos. Veinte maestros y caballeros jedi que decidieron abandonar la orden por su propia voluntad, como el Conde Dooku, y muchos, como este, no dudaron en abrazar el lado oscuro de la Fuerza. A pesar de llamarse los Veinte Perdidos, en realidad son veintiuno, ya que también se podría incluir a Anakin Skywalker.

Tras la caída de Palpatine y del Imperio, Luke Skywalker, siguiendo las enseñanzas de Obi-Wan Kenobi y de Yoda, fundó la Nueva Orden Jedi. En esta nueva orden, a pesar de respetar las creencias y concepciones de la antigua, se modificaron ciertos modos de vida que habían perdurado desde miles de años antes. Por ejemplo, se dejó de la lado la concepción monástica de la orden, y se permitió a sus miembros tener relaciones personales, algo que había estado completamente prohibido en tiempos de Mace Windu y Qui-Gon Jinn. Skywalker quiso dar mayor humanidad a una orden que se había quedado anclada en el pasado y que apenas había evolucionado desde su fundación, una debilidad que facilitó su destrucción a manos de Darth Sidious.

Fuera de las películas, las series de animación, los libros y los cómics, los jedi se han convertido en algo más que un elemento de la cultura popular, llegando incluso a traspasar la barrera de la ficción. En los últimos censos de países como Australia o Reino Unido, casi un 1% de la población afirma que su religión es la jedi. Este hecho, que podría considerarse una curiosidad o una frikada de dimensiones extraordinarias, nos permite ver claramente como la obra de Lucas va más allá de lo que cualquier película podría llegar.

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El Cine de Hollywood.
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