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Las Dos Caras de Enero

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Basada en la novela homónima de la escritora estadounidense Patricia Highsmith, Las Dos Caras de Enero nos narra la historia del encuentro fortuito, en la Grecia del verano de 1962, de un matrimonio de clase alta, Chester McFarland y la joven Colette (interpretados por Viggo Mortensen y Kirsten Dunst), y un joven norteamericano que trabaja como guía turístico, Rydal Keener (interpretado por Oscar Isaac).
Con este sórdido thriller negro, Hossein Amini (nacido en Irán y criado en el Reino Unido) debuta ante las cámaras después de una trayectoria notable como guionista.  Su ritmo constante y a la vez lleno de giros inesperados hacen mantener la atención del espectador en todo momento, con secuencias muy bien entrelazadas y un excelente retrato de la condición humana independientemente de su clase social. Asimismo, su retrato de la sociedad griega, pletórico en cuanto a Mediterraneidad, nos recuerda a la Italia de El Talento de Mr. Ripley (basada en otro de los éxitos de la famosa escritora). También los personajes que intervienen en ella son producto de una gran visión y de una perfecta puesta en escena cuyo resultado final es un fiel testimonio de la época y sociedad helénica.
La historia arranca cuando Rydal se encuentra fortuitamente con McFarland y Colette en una terraza de Atenas durante las vacaciones glamurosas por Europa de estos últimos. Su encanto personal y su donaire desinhibido hacen de Rydal el perfecto seductor de jovencitas ricas que quedan encandiladas tras sus palabras y atenciones personales, aspecto que aprovecha para timarlas a su vez. Atrapado por el recuerdo de su recientemente fallecido padre (con el que mantenía una mala relación) y fascinado por la seguridad paternal y poder que desprende McFarland y por la atracción cada vez más evidente que tiene hacia su joven esposa, acepta una invitación a cenar con la rica pareja que supone, sin que lo sepa ninguno de ellos, el principio del fin de sus idílicas vidas.

McFarland, un turbio hombre de negocios, es acorralado en la habitación del lujoso hotel donde se hospeda con su esposa, por un detective privado enviado por clientes millonarios a los que ha estafado. Este encuentro fatídico acaba con la muerte accidental del segundo tras una batalla por hacerse con el control de la pistola con la que amenaza a McFarland. Éste, asustado, pretende deshacerse del cuerpo llevándolo a la habitación del difunto y hacerlo pasar por muerte accidental pero en el pasillo es sorprendido por otros huéspedes y por el propio Rydal, quien había vuelto al hotel para devolverle a Colette la pulsera que se había dejado olvidada en el taxi después de la velada.
Es a partir de entonces, al verse sorprendido por testigos inesperados, cuando inicia una secuencia de hechos cada vez más descontrolados al empezar una huida desesperada por la costa griega que no hará sino empeorar cada vez más los posibles desenlaces, encadenando irremediablemente una mala decisión tras otra.
En esta huida, McFarland contará con la ayuda de Rydal (hábil conocedor del idioma griego y de sus tierras y costumbres) y con el seguimiento incondicional de su joven esposa, a la que arrastrará sin pretenderlo a un fin trágico e inesperado por todos.
Con un enfrentamiento creciente entre ambos, Rydal y McFarland intentarán (llegados a un punto sin retorno y cada vez más cercados por la policía) encontrar la solución que los libere a cada uno por separado de la situación terrible de malentendidos y malas decisiones tomadas en puntos concretos de su historia en común, aún a costa de perjudicar al otro irremisiblemente ante la ley.

Esta película ordenada, sutil, y con clase no abandona en ningún momento la carga ambiental y la tensión de thriller psicológico característicos de Highsmith. El Sol del Mediterráneo, los trajes vaporosos y de tejidos finos y colores claros, el ambiente festivo de la gente de vacaciones, las terrazas y los refrescos, los turistas, los mercadillos, los sombreros y trajes de ellos, los vestidos y los zapatos de tacón  de ellas… todo construye un clima atractivo, elegante y muy interesante.

Viggo Mortensen encarna a la perfección a ese villano característico de este tipo de puestas en escena, seguro de sí mismo, con poder para tomar decisiones incuestionables en todo momento y gran conocedor de su superioridad respecto a los demás; seguridad y aplomo que no tardarán en resquebrajarse. Por su parte, Kirsten Dunst interpreta a esa jovencita rica y un tanto ingenua que tan pronto se acostumbra a los lujos que le ofrece su maduro marido sin preguntarse demasiado de dónde procede tal riqueza, convirtiéndose de esta manera en la víctima más indefensa de los tres protagonistas. Y Oscar Isaac ofrece una interpretación excelente, muy bien hilvanada y llevada a término, sin ninguna fisura en su personaje. Es un actor que está despuntando muy fuerte y trabajos como éste hacen evidente el por qué.
Personalmente, es una de las mejores películas de época que he visto últimamente y me parece una pequeña joya dentro del mundo del celuloide que tan poco aprovecha este tipo de tramas tan sutiles.

Pero, por poner una objeción, el final casi desluce la historia tan bien elaborada y rodada en todo momento por Amini. Su fácil deducción hace que el espectador no esté conforme con esa escena final que, siguiendo el ritmo general de la película y su interesante construcción de escenas que nos llevan las unas a las otras sin cansancio y con gran curiosidad, desencaja con la historia que nos cuentan. Si de hechos fatídicos se trata su trama, fatídico también debería haber sido su desenlace, como si una gran broma de mal gusto se hubiera cebado con sus personajes.

Su punto final moral, ético, como si de una moraleja se tratara, desentona con la brillante historia turbia y trágica desarrollada hasta el momento.
Es el único “pero” que le encuentro. Por lo demás, soberbia.

Títulos referencia para el otoño 2014: Magic in the Moonlight

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La cita anual con Woody Allen nos transporta a la Riviera Francesa de los años 20 para presentarnos una comedia romántica, con ciertos ingredientes de misterio, que está protagonizada por Emma Stone y Colin Firth. 

Soy de la opinión que algunos de los mejores trabajos de Allen, en los últimos tiempos, han sido aquellos que han centrado su argumento en épocas anteriores. Tras el drama paroxístico que supuso Blue Jasmine, el realizador neoyorkino regresa al terreno de la comedia de época y lo amplifica con elementos de magia, esoterismo, lirismo, y poesía visual. 

En esta ocasión, presenciaremos las vicisitudes de Stanley (Colin Firth), un ilusionista que, disfrazado y caracterizado como oriental, deleita a los crédulos espectadores londinenses una noche tras otra. Debido a esta habilidad para la manipulación es contratado para desenmascarar a una joven espiritista (Emma Stone) que ha conseguido embaucar a una rica familia asentada en la Riviera Francesa. 

Estamos ante una propuesta vodevilesca que, sin lugar a dudas, puede actuar de contrapeso a las grandes producciones que inundarán la cartelera en el mes de diciembre. Completan el reparto Hamish Linklater, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, Eileen Atkins, y Simon McBurney.

Títulos referencia para el otoño 2014: Child 44

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En la antigua URSS estalinista la propaganda oficial difundía un mensaje claro entre la población: los ciudadanos de la Unión Soviética vivían en la mejor sociedad posible. El Estado era el garante de todos los servicios y tutelaba con rigor los destinos del país y sus habitantes para que ninguno de ellos quedara desasistido. El dirigismo y la ausencia de libertad habían hecho mella en el pueblo soviético y muchos miembros de los cuerpos y fuerzas de seguridad eran auténticos devotos del sistema. Este es el caso de Leo Demidov (Tom Hardy), un miembro del MGB (órgano predecesor de la KGB) a quien se le encarga investigar una serie de asesinatos de niños. 

Conforme avanza en la investigación, Demidov va encontrando conexiones con las altas esferas del Partido Comunista mientras el sueño de una "sociedad utópica libre de crímenes" se disuelve entre la sangre que el asesino va dejando a su paso. 

Child 44 es la adaptación de la novela homónima de Tom Rob Smith, publicada en 2008. En ella, el escritor británico utilizó el género del thriller para desgranar los elementos de corrupción del Estado Soviético y también la realidad de la acción política en el periodo de Josef Stalin. El sistema educativo doctrinario, el mal estado de los orfanatos y los servicios de ayuda social, la impunidad de la policía secreta, la represión de la homosexualidad... son elementos que el autor incorporó a una trama que fue unánimemente considerada como brillante y magistral. En cuanto al tema de los asesinatos, Smith se inspiró en los crímenes de Andrei Chikatilo, más conocido como el carnicero de Rostov, quien, entre 1978 y 1990, cometió más de 50 asesinatos de mujeres y niños. Fue condenado a muerte y ejecutado en 1994.


Desconocemos si la adaptación cinematográfica podrá tocar tantas teclas pero es evidente que, a priori, es uno de los films más interesantes de la nueva temporada. El escritor y prolífico guionista, Richard Price, es el responsable del libreto mientras que la dirección corresponde al sueco Daniel Espinosa, quien realiza su segundo trabajo en Hollywood tras la irregular Safe House (2012). Ridley Scott fue el primero en creer en el proyecto e iba a dirigir la película hasta que la pre-producción de Exodus lo hizo imposible. Finalmente se quedó con el rol de productor a través de su compañía Scott Free Productions.

Además de Tom Hardy veremos también a Noomi Rapace, Gary Oldman, Joel Kinnaman (The Killing, Safe House, Robocop), Vincent Cassel (que sustituyó al inicialmente previsto Philip Seymour Hoffman), Paddy Considine, Jason Clarke, y Dev Patel (Slumdog Millionaire).

Desafortunadamente, aún no disponemos del trailer de la película. Os dejo con una entrevista al propio Tom Rob Smith en la que el autor comenta las vicisitudes de la investigación previa a la escritura de la novela.

Títulos referencia para el invierno 2014-2015: Unbroken

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La epopeya de Louis Silvie Zamperini fue bastante desconocida durante décadas. Pero la proeza que protagonizó ha acabado llamando la atención de los estudios de Hollywood.

Zamperini había nacido en Olean, un pequeño pueblo del interior del estado de Nueva York, en 1917. Hijo de inmigrantes italianos, pronto tuvo que asumir un cambio de vida cuando la familia se trasladó a Torrance (California).

En el high school desarrolló una vocación por el deporte y en concreto por las carreras atléticas. Sus éxitos en el instituto le granjearon una beca en la University of Southern California (USC) donde siguió destacando especialmente en la prueba de la milla. Sus actuaciones posibilitaron que consiguiera una plaza en el equipo olímpico estadounidense para los juegos de Berlín 1936

En el Estadio Olímpico de Berlín, Zamperini quedó octavo en la prueba de los 5000 metros pero su última vuelta fue la más rápida entre todos los participantes. Esa marca parcial impresionó incluso a Adolf Hitler quien insistió en conocerle. 

A su vuelta a Estados Unidos, siguió consiguiendo éxitos y récords en pruebas atléticas universitarias hasta que la entrada del país en la Segunda Guerra Mundial trastocó los planes de todos los jóvenes de la época. Louis se alistó en las Fuerzas Aéreas y fue destinado al escenario del Pacífico como artillero en un B-24 Liberator con base en la isla de Funafuti. 

En abril de 1943, se les encargó la misión de búsqueda de una aeronave que había perdido el contacto con la base. Pero el B-24 tuvo problemas mecánicos durante el vuelo y acabó cayendo al océano en una posición desolada a 850 millas náuticas al Oeste de la isla de Oahu (Hawaii). Ocho de los 11 tripulantes murieron instantáneamente en el choque contra el agua. Los tres supervivientes fueron Zamperini, Russell Allen Phillips, y Francis McNamara

A partir de entonces, los náufragos iniciaron su lucha por sobrevivir en unas condiciones extremas. En la balsa de salvamento disponían de muy pocas raciones de comida y no había agua embotellada. Se las ingeniaron para recoger agua de lluvia y pescaron todo lo que pudieron. Incluso cazaron dos albatros. Por si no era suficiente, en varias ocasiones fueron atacados por bombarderos japoneses. Además, los tiburones siempre les rondaban y las fuertes tormentas casi acaban con sus esperanzas. Francis McNamara no pudo resistir esas durísimas condiciones y murió cuando llevaban 33 días en el mar.

Abandonados a su suerte, los otros dos náufragos pensaron que sufrirían el mismo destino pero quizá lo que les sobrevendría sería peor. Tras 47 días a la deriva, Zamperini y Phillips tocaron tierra en las Islas Marshall. Poco después de llegar a tierra, fueron detenidos inmediatamente por la fuerzas niponas. Empezó entonces un calvario de torturas, castigos físicos, y vejaciones que duró hasta el fin de la guerra. 

Zamperini estuvo recluido en el campo de prisioneros de Ofuna (cerca de Yokohama) y allí fue el blanco de las iras del guardián Mutsuhiro Watanabe, conocido por su enorme crueldad en el trato con los prisioneros de guerra. Cuando el conflicto bélico finalizó, Louis regresó a Estados Unidos y formó una familia gozando de una vida larga y próspera que concluyó el pasado día 2 de julio con su fallecimiento a los 97 años de edad. 

En 2010, su testimonio fue recogido por Laura Hillenbrand en el libro Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience, and Redemption. Universal Pictures se hizo con los derechos de adaptación en 2011 y empezó a trabajar en un guión del que se encargaron inicialmente William Nicholson (Gladiator) y Richard LaGravenese (Los Puentes de Madison). En esas primeras fases de pre-producción el director vinculado al proyecto era Francis Lawrence (Soy Leyenda, Los Juegos del Hambre: En Llamas). 


Sin embargo, el estudio no acababa de estar convencido del material que se estaba elaborando y decidió hacer un cambio de rumbo cuando Angelina Jolie se interesó por el proyecto. Recordemos que la popular actriz había debutado en la dirección con In the Land of Blood and Honey (2011). Los reconocimientos hacia su película no fueron particularmente buenos pero Angelina seguía teniendo interés en la dirección y vio en Unbroken la posibilidad de resarcirse. 

Esta epopeya humana necesitaba, según su criterio, un escalón más de profundidad dramática y, atendiendo a su petición, Universal contrató a los hermanos Coen para que escribieran una nueva versión del libreto. Con la satisfacción del deber cumplido, Jolie puso en marcha el rodaje el 21 de octubre de 2013 en localizaciones australianas. 

Con un reparto de actores jóvenes muy prometedores, la directora dispuso del británico Jack O'Connell para el papel de Louis Zamperini. El cantante japonés Miyavi debutará en el cine interpretando al cruel Watanabe. Jai Courtney, Garret Hedlund, Domnhall Gleason, y Finn Wittrock completan el cast de Unbroken.

El presupuesto del film es de 65 millones de dólares y el equipo técnico es de grandísimo nivel. Jolie ha contado con los servicios de Roger Deakins en la dirección de fotografía. La música ha sido compuesta por Alexandre Desplat y el montaje lo ha asumido otro crack: Tim Squyres, colaborador habitual de Ang Lee.

La película se estrena el día de Navidad y viendo su trailer queda claro que nos encontramos ante una cita ineludible para los amantes del séptimo arte. 
  

Títulos referencia para el invierno 2014-2015: Inherent Vice

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En el Los Ángeles colorista y psicodélico de 1970, Larry "Doc" Sportello (Joaquin Phoenix) sobrevive como detective privado entre colocón y colocón. Su particular forma de vida, perfectamente integrada con las costumbres de la sociedad bohemia y contestataria de la época, recibe un choque de realidad cuando su ex-pareja requiere sus servicios para que descubra el paradero del actual amante: un magnate inmobiliario llamado Mickey Wolfmann (a quien da vida Eric Roberts) que, tras una buena dosis de ácido, pareció verlo todo con más claridad y decidió repartir las ganancias entre los perjudicados por sus operaciones de expolio. Sportello deberá implicarse a fondo en un caso que le viene muy grande.

Paul Thomas Anderson escogió Inherent Vice, como su siguiente proyecto, cuando leyó la novela homónima, escrita por Thomas Pynchon, y publicada originalmente en 2009. El retrato de la sociedad angelina de la época y el marco temporal que explora la psicodelia hippie del momento, fueron factores que le atrajeron inmediatamente. Con este material, podía crear una cinta que fuera el reverso oscuro y cómico del Harper que dirigió Jack Smight y protagonizó Paul Newman en 1966. 

Joaquin Phoenix caracterizado como "Doc" Sportello

Después de la buena experiencia en The Master, repite con Joaquin Phoenix en el papel principal. Además, algo característico en Anderson son sus repartos corales e Inherent Vice no será una excepción pues veremos a Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, Jena Malone, Martin Short, Eric Roberts, Serena Scott Thomas, y Michael K. Williams (más conocido por haber sido Omar Little en The Wire y "Chalky" White en Boardwalk Empire).

Warner Brothers asume la distribución de una película que llegará a Estados Unidos a finales de este año y verá la luz, en las pantallas españolas, durante el próximo mes de enero. Después de haber trabajado para otros estudios, Paul Thomas Anderson regresa a la major con la que estuvo asociado en sus inicios a través de la filial New Line

No habrá que perder de vista una película que promete ser uno de los títulos con múltiples nominaciones en la próxima gala de los Oscar. El director es garantía de calidad extrema pues está acreditado como uno de los mejores talentos creativos del panorama cinematográfico actual.

SDCC 2014: Mad Max Fury Road, Avengers: Age of Ultron, Ant-Man, Batfleck

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La San Diego Comic Con ha abierto sus puertas. El mayor acontecimiento mundial en cuanto a novedades de cómic, ciencia ficción, y fantasía presenta este año un nuevo récord de visitantes registrados. Mientras esperamos con ansia revelaciones importantes sobre proyectos de futuro, ya podemos ver algunas fotos de la gran sala de exposiciones y material promocional que los estudios han lanzado para la ocasión.


Mad Max Fury Road, de George Miller.
Con Tom Hardy, Charlize Theron, Rosie Huntington-Whiteley, Nicholas Hoult, Nathan Jones, y Zoe Kravitz.




Concept Art posters - Avengers: Age of Ultron, de Joss Whedon.
Con Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Samuel L. Jackson, Elizabeth Olsen, Aaron Taylor-Johnson, Thomas Kretschmann, Paul Bettany, y James Spader prestando su voz a Ultrón.







Concept art poster- Ant-Man
Dirige Peyton Reed con un reparto formado por Michael Douglas, Paul Rudd, Evangeline Lilly, Patrick Wilson, y Michael Peña.




Y, finalmente, primer vistazo a la capa y máscara de Batman en la esperada Batman v Superman: Dawn of Justice.



Fuente de las imágenes: Slashfilm y SuperheroHype

SDCC 2014: nueva imagen de Ben Affleck enfundado en la máscara de Batman

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DC y Warner Brothers amparan los actos de celebración de los 75 años de existencia de Batman. Durante estos días de Comic Con, se han preparado exposiciones y charlas que glosan la trayectoria del caballero oscuro.

No podía faltar la más reciente de las propuestas y, después de ver la capa y la máscara, se ha distribuido una imagen de Ben Affleck enfundado en la máscara del murciélago. El tono amenazador e incluso descuidado (lleva una más que aparente barba) vuelve a llamar la atención. ¿Estamos ante un Batman que regresa a la actividad después de un tiempo?. Y si es así, ¿qué o quién le ha incitado a volver a escena?

SDCC 2014: McConaughey y Nolan charlan sobre "Interstellar"

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En posts anteriores ya hemos constatado la importancia de Interstellar como título de referencia. Es el que más expectación genera de cara a finales de este año. La Comic Con de San Diego es el acontecimiento de previews más importante del momento y Paramount Pictures no podía presentarse a esta gran plataforma sin su producción estrella. Esta presencia no había sido anunciada previamente constituyendo una de aquellas sorpresas que engrandecen esta espléndida convención.

Fue Matthew McConaughey el que sorprendió a los más de 6000 asistentes que abarrotaban el Hall H para ver las novedades de Paramount. Tras recibir la ovación del público, empezó a hablar de sensaciones personales sobre la película y el estilo de Nolan a la hora de dirigir pero reconoció que no podía revelar más detalles del film en particular. Poco después, llegó el momento de la entrada en escena de Christopher Nolan. Para ambos supuso el debut en la San Diego Comic Con. Posteriormente, se proyectó un nuevo trailer de la película que podremos ver dentro de unos días. 

McConaughey afirmó lo siguiente:

“I got a call from my agent who said Christopher Nolan has a film and he wants to meet. Three hours went by and he didn’t say anything about a new film or me having a role. Then a week later the script came out. I read it and I liked it quite a lot and I was in.

“Cooper is a pilot, an engineer, and a widowed pilot of two children where civilization is just sustaining. There’s food, clean water, but they don’t need any explorers, no new bright ideas. Then something happens and the dream of being a pilot again knocks on his door.” 


Nolan, por su parte, declaró:

“To be an astronaut was the highest ambition. The idea to keep exploring space farther and farther… it (fell) off greatly. We are in a period of incredible technological change, (but it’s about) what’s in your pocket, your living room. I like the idea that we are on the cusp of a brand new era and we are traveling outwards more.”

“For me, in working on the script, there were a lot of very intense conversations with somebody who is much better informed than me. It actually made my head hurt a bit. I actually said to Kip Thorne, ‘Well, I don’t want to understand this stuff too much, because I have to be able to explain it to the audience.’ He’s a very generous collaborator, and somebody who has spent an incredible amount of time thinking about these concepts.”

“I’ve always been a huge fan of science fictiion. I’d grown up being amazed by science fiction of the past, obviously Star Wars and 2001. These are things that made an incredible impression on me. But more than that, I grew up in an era when to be an astronaut was the highest ambition of any child.”

“It’s really about human beings, and what it means to be human, and what our place is in the universe.”

Sobre su primera aparición en la Comic Con, dijo lo siguiente:

“I’ve heard a lot about this really being a place where people are most passionate about movies and popular culture in general, so I thought I’d come see what all the fuss is about, I’m not disappointed and extremely honored to be here.”



SDCC 2014: The Walking Dead y su explosiva quinta temporada

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The Walking Dead invadió ayer el Hall H de la San Diego Comic Con. Además del panel en el que estuvieron presentes muchos de sus protagonistas y creadores, se presentó el espectacular trailer de la nueva temporada que tendrá su premiere el próximo domingo 12 de octubre. Los comentarios previos referentes a que estamos ante la temporada más contundente de la serie, parecen quedar refrendados.



Durante el panel se revelaron algunos detalles interesantes:

- Veremos como se creó Terminus.
- Durante esta temporada empezarán a suceder una serie de acontecimientos que todos los fans del cómic desean. Muchas de los sucesos que los fans esperan ver reflejados ocurrirán en esta season.
- Este año habrá más localizaciones en áreas urbanas y suburbanas.
- Seth Gilliam (visto en The Wire, y Ley & Orden) se incorpora al reparto asumiendo el rol del Padre Gabriel Stokes.
- Se verá a muchos caminantes que se han visto atrapados en el agua. Su piel está aún más reblandecida y explotan al ser golpeados.
- Volveremos a ver lugares que nos resultan familiares.

A continuación el panel de la convención:


SDCC 2014: Juego de Tronos presenta las novedades en el reparto de la nueva temporada

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Panel multitudinario en la cita anual con Game of Thrones en la Comic Con de San Diego. Además del Q&A con intérpretes y creadores, se presentó un gag reel con divertidas tomas falsas durante el rodaje de la cuarta temporada. La filmación de la nueva season tiene previsto empezar en los próximos días con importantes localizaciones en la provincia de Sevilla.





Pero esto no fue todo lo que habían preparado para la ocasión. Se desveló también un video que nos presenta las nuevas incorporaciones al reparto. Aquí lo tenéis:


Contar con un actor del prestigio de Jonathan Pryce no hace más que refrendar la enorme categoría de la producción al seguir consiguiendo que grandes nombres de la interpretación británica se vinculen al épico proyecto.

Pryce asumirá el rol del "Gorrión Supremo", un septón que llega a Desembarco del Rey para luchar en favor de todos los que han sufrido las cruentas guerras de Poniente. Los pobres y pebleyos le seguirán y las protestas inundarán la ciudad.

Uno de los papeles más esperados por el fandom de cara a la nueva temporada era, sin duda, el de Doran Martell. El Príncipe de Dorne y señor de Lanza del Sol será interpretado por el actor, nacido en Sudán, Alexander Siddig. Le hemos visto en Star Trek: Deep Space Nine (donde daba vida al doctor Julian Bashir), 24, Límite Vertical, El Reino de los Cielos, y más recientemente en Da Vinci's Demons.
Veremos con detalle como reacciona Doran a la muerte de su hermano, Oberyn Martell, alias la "Víbora Roja".

El joven Toby Sebastian tendrá el papel de Trystane Martell, hijo y heredero de Doran (en un cambio respecto a los libros). Ha sido comprometido en matrimonio con Myrcella Baratheon para reforzar los lazos con la entronizada familia de Desembarco del Rey.  
Sebastian es un joven actor inglés que ya ha tenido pequeños papeles en tres films.

Como era de esperar, ha habido cambio en la actriz que interpreta a Myrcella Baratheon. La hermana mayor del Rey Tommen, que fue enviada por Tyrion a Dorne para forjar una alianza con los sureños, lleva tiempo viviendo en la corte dorniense y parece haberse adaptado. Los nuevos acontecimientos acaecidos en la capital quizá cambien el estado de situación.
Nell Tyger Free, de 15 años, sustituye en el papel a Aimee Richardson.

DeObia Oparei dará vida a Areo Hotah, el mortal mercenario norvoshi que ocupa el puesto de capitán de la guardia de Dorne
Este actor londinense acumula intervenciones en películas como Alien 3, Dark City, Moulin Rouge, Las Cuatro Plumas, Dredd, y Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas, entre otras.

Enzo Cilenti, por su parte, se hará cargo del papel de Yezzan, un traficante de esclavos cuyo negocio cayó en picado en la cruzada de liberación, liderada por Daenerys Targaryen, en los territorios al Este de Essos.
Cilenti es un intérprete británico, de padres italianos, y está casado con la también actriz Sienna Guillory (Resident Evil). Le hemos podido ver en la serie Roma y también en Next, Nine, Kick-Ass 2, y en la próxima Guardians of the Galaxy.

Y finalmente, se incorporan jóvenes actrices para dar vida a tres de las hijas bastardas de Oberyn Martell. Jessica Henwick será Nymeria Arena, cuya madre era una noble de Essos. A pesar de ser una chica apasionada de la cultura resulta mortal con el látigo. Tras varios papeles en series y películas británicas, le llega la gran oportunidad con Juego de Tronos.

Keisha Castle-Hughes será Obara Arena. Su madre fue una plebeya de Antigua que mantuvo una furtiva relación con Oberyn. Es la hija mayor de la Víbora Roja.
Tras debutar en el cine y ser nominada al Oscar por Whale Rider (2002), la vimos brevemente en Star Wars: Episode III. A continuación ha participado en varios proyectos televisivos y films de poca repercusión. Recientemente, la actriz australiana y su marido se habían trasladado a Los Angeles para buscar mejores oportunidades. Y el casting para Juego de Tronos habrá sido una de ellas.

Rosabell Laurenti Sellers, por su parte, será Tyene Arena, hija de Oberyn y Ellaria (Indira Varma) Otro cambio respecto a los libros pues su madre había sido una septa. En la serie demostrará su ferocidad con las dagas.
Rosabell es una actriz nacida en Santa Monica (California) pero de nacionalidad italiana. Aunque solo tiene 18 años acumula una trayectoria teatral y televisiva importante. 

SDCC 2014: Primera imagen de Wonder Woman y footage de presentación de Batman v Superman, Dawn of Justice

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"Glowing eyes, very mechanical, it’s pouring rain He pulls down a lever on something and we realize it’s the Bat Signal. It has the new Batman logo (reminiscent of the one from Miller’s comic). The camera slowly pans up to reveal the signal projected in the air but right in the middle of it: Superman. He’s illuminated in the sky amongst the pouring rain with his red glowing eyes. Cut back to Batman, staring right back at Superman with his blue glowing eyes and we cut to the logo.

I can’t express to you how awesome the teaser looked. It looked like the Frank Miller comic come to life through the lens of Zack Snyder."


Peter Sciretta. Editor en jefe de Slashfilm.


Todo el mundo sabía que Batman v Superman: Dawn of Justice iba a tener una presencia simbólica y reducida (el rodaje está en sus inicios y el film no se estrena hasta dentro de dos años). Pero ayer, en la Comic Con, Warner Brothers demostró que cuatro minutos pueden aprovecharse muy bien para dejar un recuerdo imborrable entre el público que inundaba el Hall H del San Diego Convention Center.

El moderador del panel de Warner Brothers, Chris Hardwick, presentó a Zack Snyder quien entró en el escenario y habló de lo bien que está yendo el rodaje y de la satisfacción que siente ante la buena marcha del proyecto. Después asumió que el público esparaba ver algún tipo de teaser pero que no había sido posible traer nada. Bueno, no del todo cierto, porque sí que traía bajo el brazo un pequeño reel de presentación. La audiencia entra entonces en delirium tremens mientras las luces se apagan y... (la calidad de imagen es baja pero he pensado que valía la pena incorporarlo):



La sensación que describe Sciretta en sus palabras se justifica tras ver este épico primer avance. Como diría Johan Cruyff:"esto es gallina de piel".

Tras esta proyección, Snyder presentó a Ben Affleck y Henry Cavill. Los gritos de la audiencia se vieron acompañados por la presencia de las imágenes de los dos actores, con sus trajes, en las pantallas laterales de la sala. Pero esto no fue todo ya que también iba a salir Wonder Woman, la actriz israeliana Gal Gadot. Y con ella, la primera imagen de Diana de Themyscira en la película:



Las reacciones a la caracterización del personaje no pueden ser más positivas. Se ha modernizado el diseño y se le ha dado una apariencia dura y agreste preservando la esencia de la estética original pero eliminando los colores chillones. Magnífica Gal Gadot en el personaje y espectaculares las posibilidades de esta guerrera amazona en el futuro universo fílmico de DC.

En cuanto al Batman que vemos y su traje acorazado, comprobamos que las influencias estéticas de la novela gráfica "El Regreso del caballero Oscuro" de Frank Miller impregnan este film. Aunque no va haber concordancia en cuanto al argumento sí que se aprecia un acercamiento visual más oscuro y siniestro. Snyder y sus guionistas se han adaptado bien al cambio de propuesta respecto a Man of Steel.

A continuación, el reducido panel de Batman v Superman: Dawn of Justice, que dejó paso al Q&A de una película de próximo estreno: Jupiter Ascending.

SDCC 2014: Avengers Age of Ultron y Ant-Man en el panel de Marvel Studios

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El panel de Marvel Studios era el más esperado de la convención porque tener juntos al plantel de intérpretes siempre supone una atracción. Viendo solo los primeros instantes ya nos podemos hacer a la idea del simbolismo del evento. Solo hubo dos ausencias destacadas: la de Joss Whedon, debido a una intervención de rodilla, y Scarlett Johansson, en avanzado estado de gestación.

Pero allí estuvieron el "entertainer"Robert Downey Jr., Jeremy Renner, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Cobie Smulders, Samuel L. Jackson, Chris Evans, y las nuevas incorporaciones a la familia de los Vengadores:Elizabeth Olsen (Bruja Escarlata), Aaron Taylor-Johnson (Mercurio), y Paul Bettany (Visión). También estuvo presente James Spader, quien presta su voz a Ultrón. Y, casi al final, apareció Josh Brolin, que interpreta a Thanos a partir de Guardianes de la Galaxia. 


Kevin Feige, máximo responsable de Marvel Studios, ofreció al público un footage de la nueva película aunque, desgraciadamente, tardará en ser difundido a gran escala. La descripción del teaser es la siguiente:

We start on a city scape and the whole team is assembled in Avengers tower. They’re all hanging out. Drinking beer, joking, and Hawkeye tells Thor the whole no-one-can-grab-the hammer thing is “a circus side show.” He disagrees and Stark tries to pick it up. “If I lift it do I get to rule Asgard?” he asks. Yes, Thor says. He fails on a first attempt. “I’ll be right back.” He puts on the Iron Man glove. No dice. He and Rhodie try, both in their Iron Man gloves. Nope. Hawkeye fails. Banner tries and really exerts himself. Everyone gives him a look. Next up is Cap and he budges it which really gets Thor worried. However, having all failed Thor says he has a simple theory “You’re all not worthy.”  Just then a huge screeching sound. “You’re all not worthy.” Enter a brutally broken, almost zombie like metal being. It’s Ultron. “How could you be worthy? You are all killers. You want to protect the world but you don’t want it to change. There’s only one path to peace… your extinction.” Just then a bunch of other robots fly in and we get the Marvel Studios logo.

Ultron continues in voice over with a bunch of other images. “I had a vision … the whole world screaming for mercy.” People running away, escaping. “Everyone tangled in strings.” Banner all sickly looking on a place. “Strinnnngs.” Massive battle scenes, Hawkeye and others helping people evacuate. Banner in the snow, then a random hospital, Scarlet Witch on a bus, Thor smashing a tank. Then Tony Stark “It’s the end,” he says. “The end of the path I started us on.” Widow adds, “Nothing lasts forever.” We then see a screaming Hulk and the massive Hulk Buster armor. Black Widow on the Harley Davidson, Quicksilver running around, Andy Serkis as a human (!?!), more explosions, Iron Man flying by what looks like a prison and shooting some soldiers. Hulk throws a car at the Hulkbuster and then punches him through it. A quick shot of Widow and Hulk almost touching hands.
The whole time, a song has been playing about strings. It’s very eerie and morbid. Finally, we get a fully realized, metallic, 8 foot Ultron. Referencing his statement “There are no strings on me” as his clenching fist turns into the circle around the “A” of “Avengers: Age of Ultron.” The title card.
Then, after that, we see Cap’s shild broken, Tony Stark looking down at it, the camera pulls back and we literally see every member of the team laying on the ground in tatters on what may or not be Thanos’ tomb. They look dead.
Fuente: Slashfilm


La presencia de la Visión en la película suscita mucho interés y más sabiendo que es Paul Bettany quien la interpreta. Bettany había sido la voz, hasta ahora, de Jarvis pero está claro que Joss Whedon ha previsto varios cambios en la nueva entrega. Quizá uno de ellos sea que Tony Stark ha sido capaz de crear un Jarvis holográfico de apariencia humana. Bettany confirmó que los poderes de cambio de densidad, tan característicos de la Visión, se mantienen en el film.
Pocos detalles más fueron revelados. En cuanto al calendario de fechas previstas de estreno en las películas Marvel, Feige solo confirmó la secuela de Guardianes de la Galaxia. Verá la luz el 28 de julio de 2017 y James Gunn seguirá siendo su director y guionista. Nada sobre nuevos proyectos de la casa. Se hablará de Doctor Extraño más adelante.


Por otra parte, también hubo panel de la producción que abrirá la Fase III de Marvel Studios: Ant-Man. El director Peyton Reed, Paul Rudd (Scott Lang), y Michael Douglas (Hank Pym) comparecieron en el Hall H y fueron acompañados por Evangeline Lilly (quien dará vida a la hija de Pym), y Corey Stoll (que será Darren Cross alias Chaqueta Amarilla). El rodaje empieza el próximo 18 de agosto pero hace unas semanas se filmaron unas escenas que fueron proyectadas en la sala. Esta es la descripción:
The clip opens on a science lab. In contrast to the super-sleek ones we’ve seen at, say, Wayne Enterprises or Stark Industries, this one looks older and smaller, almost homey. The camera moves around the room, showing various flasks and vials, a jar with moving ants inside, and Ant-Man’s famous helmet.
Meanwhile, we hear Scott Lang and Hank Pym’s voices over the scene. Lang sounds hesitant: “Dr. Pym, you seem nice, but…” Eventually, he gets to the point: “I’m not a superhero.”
Pym makes it clear he doesn’t hold superheroes in high esteem to begin with. “You’re not an egomaniac,” he agrees. “Superheroes, what a goddamn joke.” Pym continues confidently over Lang’s protests. “I think someone already shrunk your balls,” he says. “It’s a small job.
The video then cuts to a city at night, with flashing lights and tall buildings in the background. We see a tiny figure in the Ant-Man suit, running across a rooftop. It’s Scott, and we can hear him speaking to Hank remotely. It sounds like Scott is on his first adventure, and Hank is instructing him in what to do.
A flying insect flies toward Scott and he tries to get on, but the damn thing won’t budge. Hank tells Scott to just jump, so Scott launches himself off the building… and he’s immediately caught by a flying ant. Scott rides it through a vent, as other insects follow. “Okay. I got this,” Scott says.
Fuente: Slashfilm

El Amanecer del Planeta de los Simios

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El estreno de El Origen del Planeta de los Simios (Rise of the Planet of the Apes) en 2011 convenció, hasta a los más escépticos, de la evidencia que el reinicio de la mítica franquicia se asentaba sobre pilares consistentes. El film trazó un camino sólido que armó una saga capaz de atraer a todo tipo de público.

El guión de Rick Jaffa y Amanda Silver presentó un origen reajustado y contemporáneo a los hechos que estamos viviendo. Además del potente mensaje naturalista, la aplicación de la tecnología "motion-capture" y la soberbia presencia del mejor actor del mundo en estas lides, Andy Serkis, garantizó un éxito que auguraba una pronta secuela.

Con la llegada de Dawn of the Planet of the Apes, la ruta trazada en un principio se ha fortalecido aún más. Esta secuela supera ampliamente a su predecesora en tono, guión, contundencia, y trascendencia. Pero vayamos por partes.

Ocho años después de la rebelión en San Francisco (nos situamos en un hipotético 2026), César (Andy Serkis) y el resto de los simios evolucionados que le siguieron, han formado una estructurada comunidad en los Muir Woods. Mientras la humanidad perece bajo los efectos del virus ALZ-113 y las sociedades colapsan, los simios dan la bienvenida a una nueva generación que algún día tomará el liderazgo de un colectivo en expansión.


Pero no todos los humanos han desaparecido. Una pequeña parte de la población mundial ha demostrado ser inmune al virus aunque la caída del suministro eléctrico y la paralización del tejido industrial y comunicativo, impide que haya conexión entre las diferentes colonias. En San Francisco, el grupo de humanos está liderado por Dreyfus (Gary Oldman), un ex-militar que, tras perder a toda su familia, mantiene el sueño de que la especie pueda perdurar en el planeta. Su hombre de mayor confianza es Malcolm (Jason Clarke) quien está convencido que se puede volver a poner en marcha una antigua central hidroeléctrica que abastezca de nuevo a la ciudad y permita que se pueda entrar en contacto con otras colectividades que han sobrevivido. Pero internarse en los Muir Woods conlleva riesgos y muy pronto la tranquilidad de la que disfrutan César y sus congéneres se verá perturbada para siempre.

La premisa argumental no parece de entrada demasiado sorprendente pero lo importante en este caso es como Rick Jaffa, Amanda Silver, y Mark Bomback (autor de una reescritura de guión) han conseguido que esta lucha por la supervivencia entre dos especies consiga llegar al espectador con fuerza huyendo de la autocomplacencia y asumiendo riesgos. La entrada de Matt Reeves (sustituyendo a Rupert Wyatt) como director encaja en este montante al plantear un giro en la puesta en escena y en la ambición visual de la película. El aumento de escala es espectacular y con ello Reeves nos regala escenas magistrales.


Este Amanecer supera a su predecesora porque, sintiéndose más liberada de estereotipos vinculados al origen de una saga, extiende su propuesta y se libera del mensaje naturalista-ecologista para colocarnos ante un dilema más existencial y menos políticamente correcto. La cinta nos habla del hecho que la conciliación entre colectividades siempre está en peligro por los elementos radicales presentes en AMBOS lados. Ese es el terreno de juego en el que Matt Reeves arma el film y resulta fácil extrapolarlo con los conflictos que asolan nuestro mundo actual y que, en muchas ocasiones, dependen de acontecimientos violentos que buscan dinamitar acuerdos globales que se establecen a un nivel superior. Creo que el éxito de Amanecer se sustenta en que huye del maniqueísmo para mostrarnos que la semilla del mal y la discordia se oculta en los dos bandos enfrentados. Siempre es importante que una película, con vocación de blockbuster, mantenga una apuesta en favor de la complejidad narrativa y no recurra a los discursos habituales que vemos demasiadas veces en pantalla y que la nueva entrega de Transformers se encarga de perpetuar.

Hay que comprender las posiciones de unos y otros para poder valorar. Y en este sentido Matt Reeves se encarga de que el visionado de la película nos dote de los elementos necesarios para que, más allá del bien y el mal primigenio, podamos abrir una escala de grises. 

Por otra parte, esta secuela resalta también en la manifestación de la fiereza de los simios. Desde la magnética escena inicial y el resto de la introducción, donde somos testigos de la forma de vida de los simios en libertad, ya comprobamos que estamos ante una película más ambiciosa y trascendente. Dar espacio a César y los suyos para que muestren su día a día es un acierto total. Una lección de etología cercana ya a la antropología porque estos simios avanzan, a pasos agigantados, hacia un estado de evolución constante.

Si, además, tenemos en cuenta la contundencia en los momentos cumbre, la dimensión de los personajes simios, y la espléndida planificación de las escenas de combate urbano, nos encontramos con un film que otorga mayor vigor a la franquicia y nos prepara para un enfrentamiento épico que, a buen seguro, tendrá lugar en la ya anunciada tercera entrega.

Tercer trailer de Interstellar

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Por si quedaban dudas acerca de la película que genera más expectación de la nueva temporada. Emotividad, drama humano, efectos digitales de visualización del espacio exterior, misión épica... este film tiene de todo y como se suele decir en Hollywood: "In Nolan We Trust".



PARAMOUNT PICTURES and WARNER BROTHERS in association with LEGENDARY PICTURES presents a LYNDA OBST and SYNCOPY production 
"INTERSTELLAR"

MATTHEW MCCONAUGHEY  ANNE HATHAWAY  JESSICA CHASTAIN

BILL IRWIN  WES BENTLEY  JOHN LITHGOW  CASEY AFFLECK  
TOPHER GRACE  DAVID OYELOWO  ELYES GABEL  MACKENZIE FOY  
with ELLEN BURSTYN  and MICHAEL CAINE


Music by HANS ZIMMER
Cinematography by HOYTE van HOYTEMA
Film editing by LEE SMITH
Production design by NATHAN CROWLEY


Produced by CHRISTOPHER NOLAN  EMMA THOMAS and LYNDA OBST

Written by CHRISTOPHER NOLAN and JONATHAN NOLAN

Directed by CHRISTOPHER NOLAN

Un rápido vistazo a la Fase I & II de Marvel Studios

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En la San Diego Comic Con se proyectó un magnífico vídeo retrospectivo que condensa la Fase I y II de Marvel Studios. El universo cinematográfico conjunto queda expresado en todas sus vertientes. Atención a la sorpresa final. 

Muchas cosas han pasado desde aquellos días en la cueva de Afganistán...


Lost 10 Year Celebration Video

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El 22 de septiembre de 2004, la cadena ABC emitió el capítulo piloto de Lost. A partir de ese momento y hasta su conclusión el 23 de mayo de 2010, Perdidos se convirtió en el buque insignia de la Tercera Edad de Oro de la ficción televisiva. No solamente ha sido la propuesta más popular de una sobresaliente era de creatividad en las parrillas televisivas sino que también consiguió ser la más influyente.

Lost consiguió convertir al espectador en seriéfilo y preparó un camino que otras ficciones han seguido. Esta especialización de la audiencia tiene un enorme mérito y ahora no sorprende conocer la existencia de comunidades de seguidores de tal o cual serie. Pero esa fidelidad, esa fuente constante de debate, esa transformación del espectador casero en crítico cualificado, no podría explicarse sin el apego sentimental que generó Lost y sus personajes. Su capacidad transmedia fue enormemente exitosa y el modelo creativo se ha convertido en referencia para producciones posteriores.

Coincidiendo con el décimo aniversario del inicio de su andadura, la ABC presentó un vídeo conmemorativo que se proyectó en la San Diego Comic Con y que os presento a continuación. Lost fue creada por JJ Abrams, Jeffrey Lieber, y Damon Lindelof pero sus showrunners fueron Carlton Cuse y el propio Lindelof. Ambos intervienen en el vídeo entremezclados con imágenes muy representativas de una serie maravillosa e inolvidable.

Ya sabéis que sigo siendo devoto de un proyecto que he defendido siempre. Se echa en falta una ficción que recupere ese nivel de intensidad emocional más allá del storytelling. Pero mientras eso llega, deleitémonos con los sensibles recuerdos que nos aportan las imágenes.


En la sección LOST de este blog podréis encontrar multitud de artículos temáticos: reseñas, canciones, enigmas, y emotivos vídeos de recuerdo. 

Guionizando un clásico: Todos los Hombres del Presidente (All the President's Men, 1976). Primera parte

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William Goldman (Highland Park, 1931) es un escritor, dramaturgo y guionista de enorme prestigio. En el cine, su nombre está vinculado a títulos como Harper (1966), Dos Hombres y un Destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), El Carnaval de las Águilas (The Great Waldo Pepper, 1975), Marathon Man (1976), Un Puente Lejano (A Bridge too Far, 1977), La Princesa Prometida (Princess Bride, 1987), Misery (1990), Chaplin (1992), Maverick (1994), Los Demonios de la Noche (The Ghost and the Darkness, 1996), y Poder Absoluto (Absolute Power, 1997), entre otras.

Su libreto para Dos Hombres y un Destino fue galardonado con el Oscar pero Goldman obtuvo una segunda estatuilla, años después, por un título que aún no he mencionado. ¿Adivináis cual?

Si existe una película que cambió para siempre la formulación del thriller político en el cine, ésta es, sin lugar a dudas, Todos los Hombres del Presidente (All the President's Men, 1976). La investigación periodística realizada por dos redactores del Washington Post, Carl Bernstein y Bob Woodward, fue la punta de lanza de un proceso, con múltiples facetas,  que acabó precipitando la caída del núcleo interno de asesores de Richard Nixon y, en última instancia, del propio Presidente.

Pues bien, la traslación al cine se daba por cantada pero centrémonos en la génesis de ese proyecto...

Todo empezó cuando Robert Redford llamó a William Goldman a principios de 1974. Ambos mantenían una relación muy cordial tras haber trabajado juntos en Dos Hombres... y en El Carnaval de las Águilas. Redford había adquirido los derechos del libro que acababan de publicar dos jóvenes periodistas del Washington Post en el que recopilaban toda la investigación realizada entorno al asalto al cuartel general del Partido Demócrata durante la campaña de 1972. Esos "manazas" que fueron descubiertos en el complejo Watergate no eran unos simples agitadores porque las implicaciones políticas de sus actos llegaban a lo más alto de la administración Nixon.


Redford quería producir una versión cinematográfica y se había comprometido además para interpretar el papel de Bob Woodward. Goldman devoró el borrador del libro aún no publicado y tenía clarísimo que era una oportunidad que, como guionista, no podía dejar escapar.

"Lo que cualquier guionista desea antes de empezar a escribir es que sea una película que la gente recuerde, y segundo, una película que la gente vaya a ver. La historia del Watergate había sido tan importante para el país durante meses que si conseguíamos exponerla sin tapujos, la gente la recordaría."

En su investigación preliminar, el guionista pudo comprobar que el famoso asalto del 17 de junio de 1972 no había sido el primer intento. Los perpetradores habían fracasado estrepitosamente en varias ocasiones anteriores. En una de ellas, se quedaron encerrados y se ocultaron en una habitación vacía del complejo durante toda una noche. Descubrir estos detalles de incompetencia y tosquedad fueron factores que atrajeron más a Goldman por ser situaciones que podrían sorprender al público.
El Watergate complex, a orillas del río Potomac (Washington DC).

Poco después, visitó la sede del Post para entrevistarse con los redactores-jefe del periódico y, por supuesto, con Woodward y Bernstein. La reunión no salió del todo bien y definir el asalto como una "ópera cómica", por parte de Goldman, fue algo que disgustó especialmente a Bernstein. Gracias a la investigación del Watergate se había convertido en un columnista de renombre y cualquier burla de este tipo le ofendía soberanamente. La colaboración con él nunca fue relevante a partir de ese momento.

Sin embargo, Woodward sí que estuvo disponible constantemente. Su apoyo y conocimiento fue de gran valía ante el reto de hilvanar un argumento sobre una trama terriblemente enrevesada y difícil de manejar. Durante gran parte del tiempo, Goldman no escribió un guión. Simplemente invirtió el tiempo en ordenar los acontecimientos.

Pronto fue más que evidente la necesidad de recortar. Para que esta película pudiera resultar mínimamente entendible era necesario ir más allá de recortes puntuales y obviar toda la segunda mitad del libro. Lo importante era que no faltasen los acontecimientos clave de la investigación y eso estaba asegurado gracias a la colaboración de Woodward. De esta manera, aunque el guión acabara siendo un bodrio, la estructura de hechos valdría para seguir trabajando.

Carl Bernstein y Bob Woodward en la redacción del Post (1974).

Así que sobre esta premisa, Goldman empezó a escribir el libreto. En agosto de 1974 entregó el guión a Redford durante una visita a Utah (donde el actor poseía una residencia de montaña). El escritor vino con toda su familia puesto que se pasarían todo el mes trabajando y revisando el material.

A Redford pareció gustarle el trabajo realizado y puso en marcha el envío de copias. Recibieron el borrador Warner Brothers, los redactores-jefe del Washington Post, y Woodward & Bernstein. A partir de entonces, se abría el compás de espera que Goldman y Redford aprovecharon para seguir hablando de la película en reuniones diarias. Aunque esto de conversar es mucho decir porque, fundamentalmente, Redford hablaba y el guionista escuchaba.

Tras el éxito de Dos Hombres y Un Destino en 1969, Robert Redford se había convertido en una estrella, en un fenómeno social. Cada una de sus películas era esperada con anhelo por el público. Pero la persona que había detrás del actor era muy diferente a la imagen proyectada. Poco a poco, se estaba haciendo más y más reservado. Un ejemplo de ello es que, a pesar del conocimiento previo y la proximidad entre ambas familias durante todo aquel tiempo en Utah, Goldman nunca supo su teléfono. Para entrar en contacto con él, tenía que llamar a su secretaria, ella le llamaría, y él, a su vez, se pondría en contacto con el guionista.

Redford y su hijo Jamie en la propiedad de Utah.

Todos estos detalles se hicieron totalmente irrelevantes cuando Warner comunicó que le gustaba el guión y que ponía en marcha la producción. Todos los Hombres del Presidente se iba a hacer realidad.

"Era el trabajo cinematográfico más difícil y complicado que yo hubiera hecho hasta entonces y nunca antes había sentido una sensación de plenitud tan grande. Ojalá hubiera acabado todo en ese momento."

Con esta aseveración que anticipa conflictos de futuro, finalizo la primera parte de la génesis de All the President's Men. Muy pronto, su desenlace.

Guionizando un clásico: Todos los Hombres del Presidente (All the President's Men, 1976). Segunda parte

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Con el visto bueno de Warner Brothers y el inicio oficial de la pre-producción, Redford empezó a buscar director. Sin embargo, seguían sin noticias del Post y del tándem Bernstein & Woodward

El primer director al que se envió el guión (cuyo nombre, por razones legales, no se puede revelar) dijo que sí inmediatamente. Pero ese entusiasmo inicial se tornó en decepción al ir pasando las semanas sin contacto ninguno con el elegido. Nunca estaba en su oficina para atender llamadas. Dos semanas después, se enteran de la verdad. Al parecer, el realizador tenía un pleito con Warner y sólo había aceptado para perjudicar al estudio, dilatando la producción y haciendo perder tiempo.

Los periodistas seguían sin reaccionar al envío del guión aunque los redactores jefe sí lo hicieron. No les gustaron las bromas que Goldman había insertado en las reuniones diarias del periódico y que procedían directamente de su experiencia como visitante mientras se documentaba a fondo para escribir el guión. Las bromas y payasadas existían pero lo que no querían los jefes es quedar, en la gran pantalla, como un grupo de patanes superficiales.

No fue una reacción agradable pero fue una contestación al guión. Habían pasado tres meses desde que enviaron el libreto a Bernstein & Woodward y seguían sin respuesta. Aunque, a ciencia cierta, la respuesta ya se estaba preparando. En noviembre de 1974, Goldman recibe una llamada en su despacho de Nueva York. Era Redford. Le comunica que Carl y Bob están con él y que quieren reunirse para hablar del guión. Se acercaba uno de los peores momentos de la carrera de William Goldman como guionista.  

Goldman llega al apartamento de Redford en Nueva York con bastante buen humor. Y se encuentra al actor junto a los periodistas y un guión sobre la mesa del salón. Tras saludarse, el silencio se podía romper con un sable. Entonces Redford pronuncia las siguientes palabras:

"Escucha, Carl y Nora han escrito su versión del guión."

Nora Ephron era, por entonces, la novia de Bernstein. Esta relación se convertiría en matrimonio y finalmente en divorcio, precipitando sin saberlo la aparición de un guión, inspirado en esta convivencia, que Mike Nichols trasladó al cine: Se Acabó el Pastel (Heartburn, 1986).Nora siguió trabajando como guionista y directora obteniendo muchos éxitos y convirtiéndose en la nueva reina de las comedias románticas. Pero, en 1974, era una periodista, en proceso de divorcio de su primer marido, que trataba de estar constantemente al nivel de su nueva pareja.  


Goldman se quedó sin habla ante la situación que le presentaban. Podía aceptar que le despidieran y que contrataran a otro guionista sindicado para reescribir parcial o totalmente el libreto. Pero lo que no aceptaba era lo siguiente:

"Que dos outsiders, un periodista de moda y su novia, lo hagan por su cuenta y cambien lo que yo he hecho sin decírselo a nadie y acudan luego al productor... y todo ello en un proyecto que ya estaba en marcha... no, no era posible."

Goldman no interrumpió su silencio. Seguía esperando que Redford interviniera en su favor y le lanzara el guión a la cara de Bernstein. Esperaba una defensa de su productor. Tras ocho meses trabajando intensamente y con el beneplácito de Warner Brothers, quería que Redford actuara en consecuencia. Pero las palabras del actor y productor no iban en esta línea:

"Todos queremos que el guión sea lo mejor posible, así que podrías echarle un vistazo; todos estamos en el mismo bando, todos queremos que la película sea la mejor posible."

El estado de ánimo de Goldman se refleja en estas palabras:

"Estaba de Watergate hasta las narices. Me había vuelto loco con lo de Haldeman cuando había hablado con Mitchell y con cómo encajar en todo ello al Juez Sirica y cómo hacer que Erlichman apareciera como el perfecto vecino que decían que era y a la vez pudiera hacer lo que hizo. Yo estaba completamente consumido, había bebido demasiado, había pasado noches en vela porque no sabía cómo hacer que la cosa funcionara y finalmente conseguí que funcionara y ahora quería que se reconociera que se había perpetrado una ofensa grave contra mí."

Por consiguiente, Goldman afirmó que él no iba a leer ni una sola palabra de ese borrador hasta que algún abogado le dijera que podía hacerlo. Y, dicho esto, abandonó el apartamento.

Redford quería contar con todo el apoyo del Washington Post y aceptar la colaboración de Bernstein suponía no enemistarse con nadie, excepto con el guionista que había contratado y a quien le había dado toda la confianza. 

Los abogados dictaminaron que Goldman podía leer la versión Bernstein/Ephron. A decir verdad, parecía no aportar nada relevante a lo ya escrito previamente. Woodward, por su parte, manifestó su arrepentimiento en un encuentro posterior con Goldman:

"No sé cuáles serán las seis peores cosas que habré hecho en mi vida, pero dejar que eso pasara, dejar que lo escribieran es una de ellas."

Pero los cotilleos en Washington empezaron y pronto se extendieron a nivel nacional. Se estaba distribuyendo la opinión general de que el guión de Goldman era una porquería. Mientras tanto, Dustin Hoffman firmó para interpretar a Bernstein. Sin embargo, la revista Time denunció la falta de calidad del libreto pese a que habían conseguido "engatusar" a Hoffman.

Los héroes reales junto a sus alteregos en la ficción.

Pero, afortunadamente, estas opiniones no hicieron mella en la junta de Warner Brothers que no sólo deshechó la versión de Bernstein sino que renovó el apoyo a Goldman y a su libreto. 

En la primavera de 1975, ya hacía más de un año que estaba trabajando en el guión de la película y empezó una nueva fase al iniciar la colaboración con el director finalmente elegido: Alan J. Pakula.

Pakula aportaba un gran nivel de calidad a la película. Además de ser un caballero cultivado, con estudios en Yale, tenía buena prensa y todos en el negocio cinematográfico hablaban bien de él como persona. Había sido un productor importante antes de empezar a dirigir: Matar a un Ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962) lo certifica. Después, como director, había obtenido el éxito en Klute (1971) y The Parallax View (1975). Los actores le adoraban por su buen trato.

Así pues, empezaron las reuniones entre ambos. Esta fase resulta bastante apasionante porque es donde la creatividad fluye con más fuerza. Es el momento en que se realizan cambios, ajustes, añadidos... todo lo necesario para mejorar el guión en su traslación definitiva a imágenes. Cuando a un guionista se le saca más provecho es precisamente en este momento. Porque es cuando se decide como será finalmente la película y el escritor puede pulir detalles con alguien que tiene una concepción más visual y sabe lo que funciona mejor ante la cámara. Pero Pakula siempre le decía: "No quiero privarme de nada."

Alan J. Pakula dando precisas instrucciones a Robert Redford en el set de rodaje.

Cuando Goldman le preguntaba si quería la escena más larga o más corta, Pakula respondía: "las dos cosas, quiero ver las dos cosas". Si la pregunta hacía referencia a la mayor o menor dureza de una secuencia volvía a responder lo mismo. Acabó siendo evidente la incapacidad de Pakula para decidirse por algo, para priorizar. 

La desesperación del guionista fue en aumento. Tras más de un año con un guión que ya solo necesitaba retoques finales, todo volvía a derrumbarse. No tenía ni idea de lo que buscaba Pakula. Estaba escribiendo a ciegas. Un día, a Pakula se le ocurrió una maravillosa escena entre Bernstein y su ex-mujer. La improvisó y Goldman la escribió. Al menos, pudo sentirse bien por haber agradado en algo a su director. Aunque, al hacer eso, desagradó a su productor. Redford era consciente que sus mayores éxitos siempre se habían dado en películas de "colegas". Y ahora, nuevamente, estaba atrapado en una película con otra co-estrella masculina. 

Por tanto, durante los meses siguientes, Goldman siguió escribiendo escenas de forma rutinaria y cada vez con menos pasión. Se vio implicado en el enfrentamiento entre productor y director. Redford estaba molesto por la falta de decisión de Pakula y al realizador le importaban un pimiento las nuevas escenas que proponía el rubio de California. Estas tensiones irresolubles parecían no tener fin.

De repente, el teléfono de Goldman dejó de sonar. El rodaje había empezado y Pakula había llamado a otro guionista para que estuviera con él en Washington DC. La idea es que este otro escritor realizaría cambios diarios en el libreto según las necesidades del día a día. 

El film se estrenó el 9 de abril de 1976. Y fue, sin lugar a dudas, un éxito total de crítica y público. Sobre un presupuesto de 8,5 millones de dólares, la cinta recaudó más de 70 sólo en Estados Unidos. Goldman la fue a ver al cine de su barrio y la encontró muy parecida a lo que él había escrito. Por supuesto, había cambios, mucha improvisación, escenas situadas en lugares diferentes, pero la estructura general permaneció sin cambios. La dirección era excelsa al igual que las interpretaciones de Redford, Hoffman, Jack Warden, y Jason Robards. En los Oscar, obtuvo ocho nominaciones y cuatro estatuillas, etre ellas la de mejor guión adaptado para William Goldman

William Goldman en la ceremonia de los Oscar de 1977, donde consiguió su segunda estatuilla.

A pesar de este gran éxito general y personal, se mantiene en su firme opinión: 

"Si me preguntaran qué cambiaría de mi vida si pudiera vivirla de nuevo, respondería que habría escrito los mismos guiones. Sólo que nunca me hubiera acercado a Todos los Hombres del Presidente." 

Un combate singular en Powerscourt Waterfall

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De todas las películas que han tratado la leyenda Artúrica, Excalibur (1981) sigue siendo la más lograda. John Boorman insufló a la puesta en escena un aire operístico, repleto de mística y espíritu romántico. Algo que no excluye la contundencia en las escenas de combate, llenas de rudeza y brutalidad. Estamos ante un film que equilibra la propuesta pero nos deja con el sabor de la añeja novela de caballería.

Las licencias que Boorman contrajo al adaptar la leyenda escrita por Sir Thomas Mallory son perfectamente asumibles desde el inicio. Estamos ante una alegoría del ciclo de la vida, expresada entorno a una historia inmortal y heroica que, en su tramo final, cobra un espeluznante tono oscuro que trata de cerrar el planteamiento unitario y de conciliación que caracteriza la narración.

Quizá las armaduras de aluminio brillante fueron el aspecto más reseñado por los expertos como elemento anacrónico. Pero encaja cuando pensamos en el enfoque teatralizado y mítico con el que se quería dotar al film. De alguna manera, el director y su co-guionista, Rospo Pallenberg, buscaban mostrar también como el advenimiento del Cristianismo pone punto y final al viejo misticismo naturalista de Merlín y Morgana. Cuando la película termina, una nueva era empieza. Pero nos queda un testigo de una época que nunca se olvidará. 

Excalibur fue rodada integramente en localizaciones Irlandesas. Concretamente, fueron los condados de Wicklow, Tipperary, y Kerry los que acogieron la mayor parte de los exteriores. En este artículo nos centraremos en uno de los enclaves más emblemáticos del film.

Tras arrancar la espada Excalibur de la piedra, Arturo (Nigel Terry) se lanza a la noble misión de unificar todos los territorios de la antigua Inglaterra. Con un ejército cada vez más numeroso en sus filas y con valientes caballeros y señores bajo sus órdenes, se dedica a supervisar las campañas militares que deberán conducir a una paz definitiva. Sin embargo, nada de lo que posee parece ser suficiente ante un único caballero que insiste en bloquear la marcha en un puente cercano a una cascada. El caballero en cuestión es Lancelot (Nicholas Clay), un guerrero que procede del otro lado del mar y que busca a un Rey que sea merecedor de sus servicios. Ninguno de los hombres de Arturo ha conseguido superarle en combate singular. Consumido por la ira, el mismísimo Rey decide librar combate contra el gallardo que bloquea su avance.

Lancelot es insuperable en la contienda pero Arturo convoca la fuerza mística de Excalibur y consigue superarle. Sin embargo, la espada se rompe al perforar la armadura de su adversario. Desolado ante la ofensa que acaba de perpetrar al vencer injustamente al mejor de los guerreros y destruir la herencia de nobleza que ha sido puesta sobre sus hombros, Arturo arroja el resto de la espada al pequeño lago que forma la cascada en su descenso. Cuando Merlín (Nicol Williamson) parece dar por perdida la cruzada de Arturo, la Dama del Lago se aparece de nuevo para entregar la restaurada Excalibur a su legítimo poseedor.

Esta mítica escena se rodó en la Powerscourt Waterfall, cerca de Enniskerry(Condado de Wicklow). Este salto de agua es el más grande de Irlanda al llegar a los 121 metros de declinación. Gracias, una vez más, a la pericia de Silviaez y Clinisbud, hoy podemos ofrecer unas magníficas fotografías tomadas en este bello paraje natural. 

Es importante recordar que el puente que aparece en el film fue construido especialmente para la producción. El paisaje circundante también ha sufrido los cambios obvios pero pervive el espíritu de la escena, fácilmente reconocible en cuanto empezamos a mirar detenidamente las imágenes.


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A continuación, incluimos la escena tal como la vemos en la película. Un buen momento para recordar un instante de gran simbolismo.


In Memoriam: Robin Williams (1951-2014)

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Conmoción y estado de shock en la comunidad cinematográfica tras la noticia del fallecimiento de Robin Williams a los 63 años de edad. Su cuerpo sin vida fue hallado en la casa que poseía en Tiburón (Marin County, California), al otro lado de la bahía de San Francisco.

Desde 2006, Wiliams había recaído en el alcoholismo que, junto a la adicción a la cocaína, le había lastrado durante la década de los 70 y principios de los 80. En el pasado mes de julio estuvo ingresado en una clínica de rehabilitación en Minnesota. Desgraciadamente, estaba aquejado por una depresión muy severa que parece haberle conducido a cometer suicidio puesto que las primeras evidencias de la investigación así lo certifican.

Williams había nacido en Chicago (Illinois) aunque creció en Bloomfield Hills (Michigan). Siendo adolescente, su familia se trasladó al Condado de Marin, cerca de San Francisco, una área que siempre le cautivó y que convirtió en su residencia permanente en cuanto se estableció como actor. Su afición por la interpretación se dejó ver en las funciones escolares. Tal era su talento que consiguió una beca para estudiar en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York. Esta beca sólo se concedía a 20 alumnos de todo el país pero no solo fue capaz de eso sino que entró en el programa avanzado de la escuela, patrocinado por John Houseman (ex-colaborador de Orson Welles), junto a Christopher Reeve. Ambos trabaron una amistad que se mantuvo hasta la precipitada muerte de Reeve en 2004. 

Williams dejó Juilliard en 1976 y continuó con trabajos esporádicos como comediante en clubs nocturnos hasta que fue descubierto por un representante de la NBC que le consiguió un papel en el show de Richard Pryor. Allí fue donde Garry Marshall le vio en acción y decidió contratarle para que diera vida al extraterrestre Mork en la serie de televisión Happy Days. Su aparición fue un éxito y Marshall decidió producir un spin-off cuyo título fue Mork & Mindy. La capacidad para la improvisación de Robin fue perfectamente acogida por los responsables de una serie en la que trabajó a lo largo de cuatro años. 

Con el impulso del trampolín televisivo, Williams empezó a trabajar en el cine. Sus apariciones en comedias poco relevantes le permitieron conocer el negocio y estar preparado para asumir mayores retos. Robert Altman apostó por él para su versión de Popeye (1980) y su talento pareció empezar a ser aprovechado con El Mundo según Garp (The World According to Gap, 1982) donde demostró que también podía explotar una vertiente dramática desconocida hasta ese momento.


Tras una serie de comedias intrascendentes consigue llegar a un punto de inflexión cuando Barry Levinson le contrata para interpretar al locutor de radio, Adrian Cronauer, en Good Morning Vietnam (1987). Por este papel consigue el Globo de Oro al mejor actor y su primera nominación al Oscar. Empieza entonces su época dorada en Hollywood puesto que su siguiente proyecto importante fue El Club de los Poetas Muertos (Dead Poets Society, 1989). En este film inolvidable que ha dejado una impronta en varias generaciones de espectadores por su optimista filosofía de vida, Williams se coronó en un papel dramático demostrando que era un actor versátil y brillante. 

A este film le seguirían otros como Despertares (Awakenings, 1990), Morir Todavía (Dead Again, 1991), Hook (1991), El Rey Pescador (The Fisher king, 1991), Toys (1992), y su debut como doblador en Disney al prestar la voz al genio de Aladdin (1992)

En los noventa, Williams consiguió consolidarse como actor multitarea y consiguió equilibrar muy bien sus intervenciones en comedia y drama. En 1993 llegaría uno de sus mayores éxitos, Mrs. Doubtfire, donde coincidió por primera vez con el director Chris Columbus.


Tras Jumanji (1995), se embarcó en el Hamlet de Kenneth Branagh, y después vino El Agente Secreto (The Secret Agent), Jack (de Francis Ford Coppola), y Una Jaula de Grillos (The Birdcage), todas ellas estrenadas en 1996.

Pero fue en 1997 cuando obtuvo el mayor de los reconocimientos al intervenir en El Indomable Will Hunting (Good Will Hunting) junto a Matt Damon y Ben Affleck. Su interpretación del profesor Sean Maguire le reportó el Oscar al mejor actor de reparto y también el premio del Sindicato de Actores.

Posteriormente, siguió combinando comedias familiares con presencias en films más exigentes como Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, 1997), donde trabajó a las órdenes de Woody Allen, y What Dreams May Come, de Vincent Ward.

El Hombre Bicentenario (Bicentennial Man, 1999), de nuevo con Chris Columbus, fue la antesala de una década con títulos como Inteligencia Artificial (AI, 2001), donde prestaba su voz al Doctor Know, Insomnio (Insomnia, 2002), Robots (2005), Happy Feet (2006), August Rush (2007), las dos entregas de Noche en el Museo (Night at the Museum), y El Mayordomo (The Butler, 2013), entre otras.


Deja pendiente de estreno cinco intervenciones más: la tercera entrega de Night at the Museum, The Angriest Man in Brooklyn, Boulevard, Merry Friggin' Christmas, y Absolute Anything, comedia de Terry Jones en la que varios actores importantes (entre ellos algunos miembros de Monty Phyton) prestan sus voces a los perros protagonistas. 

Nos deja sus películas y una sonrisa que siempre vivirá unida a nuestra memoria fílmica. Descansa en paz Robin.

Estas son algunas de las reacciones a su muerte:


“Robin was a lightning storm of comic genius and our laughter was the thunder that sustained him. He was a pal and I can’t believe he’s gone.”

Steven Spielberg


“Robin was hands-down a comedy genius and one of the most talented performers I have ever worked with in television or film. To lose him so young at the age of 63 is just a tragedy. I will forever be in awe of his timing, his talent and his pure and golden creativity. … He was my friend and it is rare that you ever have a friend that is also a genius.”

Garry Marshall


"He was one of our most inspired and gifted comic minds, as well as one of this generation’s greatest actors. To watch Robin work, was a magical and special privilege. His performances were unlike anything any of us had ever seen, they came from some spiritual and otherworldly place. He truly was one of the few people who deserved the title of ‘genius.'”
“We were friends for 21 years. Our children grew up together, he inspired us to spend our lives in San Francisco and I loved him like a brother. The world was a better place with Robin in it. And his beautiful legacy will live on forever.”
Chris Columbus

“Onscreen and off, this was a formidable, incredible guy — generous in the best way: with his heart and humor, devoted to making others happy. Over his remarkable career, Robin moved us to tears; sometimes from laughter, sometimes from humanity, sometimes both in the same moment, a feat that few performers have equaled.”
"I will miss Robin deeply but I will never stop treasuring the phenomenal, enduring work he gave to us all. Robin Williams was that rarest of things: a true and forever one-of-a-kind.”
Shawn Levy (director de la franquicia Night at the Museum)

"No words"
Billy Crystal
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