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Channel: El Cinema de Hollywood
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Fallece Constantino Romero, la voz del cine

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En diciembre del pasado año, Constantino Romero anunciaba su retirada tres 47 años de carrera profesional.

Este anuncio fue un preludio a la triste noticia que nos llega hoy con su fallecimiento a la edad de 65 años. Se marcha un autentico fenómeno cuyo trabajo en el doblaje cinematográfico ha dejado una huella inolvidable que nos acompañará siempre. Su espléndida conexión con los actores a los que dobló y la enorme significación de muchos de ellos, le ha reservado una plaza en el olimpo de los más grandes del séptimo arte.

Intervino como doblador en más 300 películas y se ha convertido en un mito para el público español tras haber prestado su voz a Darth Vader, Thulsa Doom, Terminator, James Bond (en los films interpretados por Roger Moore), Roy Batty, James T. Kirk (en las siete entregas protagonizadas por William Shatner), Mufasa, y, muy especialmente, en casi 30 cintas protagonizadas por Clint Eastwood, convirtiéndose en una alianza que ha perdurado en el tiempo y que le ha llevado a transitar por los caminos que el genial actor y director de San Francisco nos ha ofrecido durante más de cuatro décadas.

Quiso el destino que fuera precisamente el último film de Eastwood como actor, Golpe de Efecto (2012), el que cerrara también la memorable carrera de Constantino en el doblaje.

Su poderosa y grave voz le aseguró un puesto en la que siempre fue su gran pasión: la radio. Allí empezó, en los años 60, llamando la atención del estudio Voz de España que le ofreció sus primeros trabajos como doblador. Una de sus colaboraciones más interesantes, en esta primera época, fue el doblaje de Robert Stephens en la maravillosa "La Vida Privada de Sherlock Holmes" (1970), de Billy Wilder.

En los 80 inició una exitosa carrera como presentador de televisión. De todos esos programas, yo siempre recuerdo, con cariño, ese magífico concurso cultural que fue "El Tiempo es Oro". Recuerdos de un tipo de televisión que ya ha desaparecido.

También destacó como actor y, en este apartado, debo mencionar su excelente interpretación de Sweeney Todd en el montaje estrenado en el teatro Poliorama de Barcelona, a mediados de los 90. Bajo la dirección de Mario Gas y acompañado en protagonismo por Vicky Peña, Constantino sorprendió en su magistral personificación del "Barbero Satánico de Fleet Street".

Os dejo con un pequeño vídeo del canal TCM en el que Romero esboza los momentos más relevantes de su carrera ante el micro. Descansa en paz, Tino.



Tráiler de August: Osage County

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En 2007, Tracy Letts(Tulsa, 1965) estrenó la obra, August: Osage County, en Chicago. Poco después llegaría a Broadway superando las 600 representaciones en dos años de recorrido por los escenarios neoyorkinos.  Convertida en un fenómeno de la nueva dramaturgia americana, August sigue representándose en giras constantes por el país y también ha llegado a Europa donde su triunfo y aceptación, por parte del público, ha sido igual de contundente.

Con esta maravillosa composición, Tracy Letts obtuvo el Pulitzer y también el Tony. Es la pieza cumbre de una incipiente carrera en que la autora mezcla experiencias de juventud en su Oklahoma natal y lo combina con influencias de grandes autores de la escena (Tennessee Williams y Eugene O’Neill) y de la literatura norteamericana del siglo XX (William Faulkner y Jim Thompson).

En August, Letts explora las disfuncionalidades y tensiones que se desatan cuando una familia de la América profunda se reencuentra en el hogar ancestral de Oklahoma tras la misteriosa desaparición del patriarca. En el contexto de un caluroso verano que parece contribuir a la alteración emocional de los personajes, Violet Weston aprovechará para sacar a la luz rencillas del pasado protagonizando un enfrentamiento épico con su primogénita, Barbara. La intuición de la madre, unida a su carencia total de discreción, nos depara un auténtico vendaval de emociones que es capaz de sacudir, con fuerza, la conciencia del espectador.

La gran dama del teatro catalán, Anna Lizaran, triunfó extraordinariamente cuando encabezó el reparto del montaje estrenado en el Teatre Nacional de Catalunya (2010). Quiso el destino que el papel de Violetfuera la última gran aportación a una carrera brillantísima que su muerte cerró de manera inesperada.

Este año nos llegará la adaptación cinematográfica y los talentos que se han reunido para ponerla en marcha corresponden al gran reto que plantea el texto original. Producida por George Clooney y Grant Heslov (ganadores del Oscar por Argo) en asociación con Jean Doumanian y Harvey Weinstein, August: Osage County ha contado con la adaptación de la propia Tracy Letts. La dirección queda en manos de John Wells, legendario productor de series de TV como Urgencias, El Ala Oeste, y Southland. Debutó en el cine, hace tres años, con The Company Men, una película profundamente social que recibió multitud de reconocimientos.

Con semejante equipo técnico y con un guión tan relevante, se ha podido conseguir un reparto de enorme categoría. Meryl Streep y Julia Roberts coincidirán, por primera vez en la pantalla, como madre e hija y aseguran algunos de los mejores momentos interpretativos de la temporada. Pero, además, se les añaden Ewan McGregor, Chris Cooper, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Abigail Breslin, Dermot Mulroney, Julianne Nicholson, y Sam Shepard, dando vida al padre que quiere emprender su último viaje.

Os dejo con el tráiler de una película que los hermanos Weinsteinvan a promocionar,de forma insistente, para la temporada de premios en 2014.


Cuando Arnold conoció a Brigitte

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Conan el Destructor, dirigida por Richard Fleischer en 1984, condenó al olvido a una franquicia que había nacido, dos años antes, con voluntad de perdurar. La propuesta argumental rebajaba la contundencia y aumentaba los elementos fantásticos para llegar a un público más familiar. Sin embargo, dicha decisión destruyó las bases que John Milius creó para la mítica Conan el Bárbaro (1982).
 
Comercialmente la película funcionó por debajo de lo esperado en los Estados Unidos y falló como reclamo para el público infantil y juvenil. Por consiguiente, la apuesta de Universal PicturesDino de Laurentiis resultó un auténtico fracaso. Roger Ebert escribió lo siguiente en su review: "Han reenvasado a Conan como al bárbaro ideal para las familias". El público que era más seguidor del personaje y que había encontrado cumplida representación en el film de Milius, se sintió traicionado por este nuevo rumbo. La acogida del film sufrió por todo ello.

Arnold Schwarzenegger sintió muy de cerca esa decepción y le confirmó al magnate italiano que Conan había terminado para él. De Laurentiis también pensaba lo mismo y decidieron que el contrato para hacer más secuelas se modificaría para desarrollar películas de acción en las que Arnold pudiera aprovechar el tirón comercial que iba a darle Terminator (1984), cinta que acababa de rodar a las órdenes de James Cameron y cuya historia ya explicamos en su momento.

Pero Dino siempre se guardaba un as en la manga y solía pedir favores a sus estrellas. Antes de colgar definitivamente la espada, le propuso a Schwarzenegger que hiciera un cameo en el nuevo film que estaba preparando: Red Sonja.
 
Basado en un personaje surgido también de la imaginación de Robert E. Howard, Red Sonja es la contraparte femenina de Conan. Es una mujer guerrera, experta en el combate, que recorre las tierras de la Era Hyboria luchando contra magos y hechiceros. En el guión que Maria Shriver consideró "basura" tras leerlo, existía el personaje de Kalidor, un mercenario que se unía a la cruzada de Red Sonja en el tercer acto de la cinta.
 
Arnold pensaba lo mismo que su novia pero creyó que le debía un favor a Dino tras la confianza mostrada anteriormente así que, poco antes del estreno de Terminator, voló a Roma donde se rodaría la mayor parte de esta infame película.
 
El rodaje había empezado unas semanas antes y a Red Sonja la interpretaba una modelo danesa, de veintiún años, llamada Brigitte Nielsen. De Laurentiis la había descubierto en la portada de una revista y la pareció que su imponente presencia física (1´83 de estatura) le daba la apariencia amazónica que necesitaba para el papel. Para que la maquinaria funcionase como él quería, trajo a Richard Fleischer como director, a Sandahl Bergman para el papel de la desleal Reina Gedren, y a su hija Raffaella como productora.
 
Pero Dino tenía prevista una "jugada de engaño" paraSchwarzie. Su teórico papel de "estrella invitada" se transformó en co-protagonista. Rodó durante cuatro semanas y, ya en la fase de montaje, utilizaron el material extra para alargar la presencia de Kalidor en pantalla. En los pósters promocionales su imagen ocupaba gran parte del espacio. Fue una manipulación total.
 
Arnold se sintió engañado y no participó en ningún acto de promoción.


Pero en su reciente biografía, "Total Recall. My Unbelievably True Life Story", Schwarzenegger también reconoce lo siguiente:

"Me involucré con Brigitte Nielsen y tuvimos un romance apasionado durante la grabación. Gitte, como le decían todos, tenia una personalidad risueña y divertida y una gran sed de atención. Después de la filmación viajamos por Europa un par de semanas antes de separarnos. Regresé a casa suponiendo que nuestra aventura había terminado."

En ningún momento explica si habló de ello con Maria Shriver pero constata:

"Sin embargo, Gitte fue a Los Angeles en enero para hacer la regrabación de los diálogos, con el fin de que fueran más claros en la banda sonora, y me dijo que quería una relación estable. Teníamos que sostener una conversación seria. Le dije que eso fue en el set de grabación, fue divertido pero nada serio. Ya estoy con la mujer con la que quiero casarme y no hay lugar para ti. Si estás buscando una relación seria con una estrella de Hollywood, hay tipos por ahí que están disponibles y que se sentirán atraídos por ti, especialmente por tu personalidad."

Como siempre en estos casos, nos movemos en el terreno de la especulación y de la versión que una persona pueda hacer sobre los acontecimientos de su vida. Pero los hechos son rotundos. Brigitte Nielsen conoció meses después a Sylvester Stallone y se casaron al poco tiempo. Una brevedad que caracterizó al matrimonio puesto que, diecinueve meses después, presentaron la demanda de divorcio.

Y, en cuanto a Arnold, nos encontramos con otro de los momentos indiscretos de su vida. A pesar de lo ocurrido, siguió conviviendo con Maria y se casaron el 26 de abril de 1986, durante un descanso en el rodaje de una de sus mejores películas: Depredador.

Por último, lamentar que un buen director de la historia de Hollywood, Richard Fleischer (responsable de clásicos como Veinte Mil Leguas de Viaje Submarino, Los Vikingos, Tora, Tora, Tora, Soylent Green o Mandingo), tuviera que cerrar su carrera con películas tan endebles. Un final frustrante para una carrera en la que se observan varias piezas de calidad.  

Nuevo behind the scenes de Man of Steel

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"He's an incredibly conflicted, lonely, and lost person"
 
Henry Cavill

 
"We need champions, we need someone to believe in"
 
Laurence Fishburne

 
"It's about the potential to every person to be a force for good"
 
Russell Crowe

 
"We have to believe somebody can make things right"
 
Kevin Costner

 
"He's come to Earth to remind us of ourselves"
 
"The scope and scale of the movie is epic. Every scene, every moment, you haven't seen that"
 
Zack Snyder
 
 
 

Segundo trailer de The Wolverine (Lobezno Inmortal)

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Situada tras los acontecimientos de X-Men 3: The Last Stand, comprobamos que el recuerdo de Jean Grey sigue siendo muy importante para Logan. Imponente la imagen del Silver Samurai...




20th CENTURY FOX presents a SEED PRODUCTIONS and THE DONNER'S COMPANY production "THE WOLVERINE"

HUGH JACKMAN
HIROYUKI SANADA  TAO OKAMOTO  RILA FUKUSHIMA
WILL YUN LEE  BRIAN TEE and SVETLANA KHODCHENKOVA
 

Music by MARCO BELTRAMI
Cinematography by AMIR MOKRI
Film editing by MICHAEL McCUSKER
Production design by FRANÇOIS AUDOUY
 
Produced by LAUREN SHULER DONNER  HUGH JACKMAN  HUTCH PARKER and JOHN PALERMO
 
Written by CHRISTOPHER McQUARRIE  MARK BOMBACK and SCOTT FRANK based on the graphic novel "WOLVERINE" created by CHRIS CLAREMONT and FRANK MILLER
 
Directed by JAMES MANGOLD

"Zod rules" en el nuevo trailer de Man of Steel

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WARNER BROTHERS presents in association with LEGENDARY PICTURES and DC ENTERTAINMENT 
a SINCOPY production "MAN OF STEEL"

HENRY CAVILL  AMY ADAMS  MICHAEL SHANNON
DIANE LANE  LAURENCE FISHBURNE  ANTJE TRAUE  AYELET ZURER
with RUSSELL CROWE and KEVIN COSTNER
 
Music by HANS ZIMMER
Cinematography by AMIR MOKRI
Film editing by DAVID BRENNER
Production design by ALEX McDOWELL


Produced by CHRISTOPHER NOLAN  CHARLES ROVEN  DEBORAH SNYDER and EMMA THOMAS 
 
Story by CHRISTOPHER NOLAN and DAVID S. GOYER
 
Written by DAVID S. GOYER based on the characters created by JERRY SIEGEL and JOE SHUSTER
 
Directed by ZACK SNYDER

Golden Age actresses: Bette Davis

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Eva Buendía inaugura una serie de artículos sobre intérpretes del Hollywood clásico. Y qué mejor para empezar que la incomparable Bette Davis. Os dejo pues con un texto que nos coloca ante los hechos principales de la vida de una actriz que siempre luchó contra la convencionalidad.
 
 
En 1908 nacía en Lowell (Massachusetts) una de las actrices más carismáticas y con más fuerte personalidad de la Meca del Cine a la que siempre he admirado muchísimo y de la que Néstor me ha pedido que haga un artículo, Bette Davis. 
Esta mujer de grandes ojos que no entraba en los cánones de belleza del momento fue una de las actrices más importantes que se ha conocido en el mundo del cine, cuyas interpretaciones marcaron un estilo innegable de buen hacer que se recordarán por las emociones que despertaba entre el público, tanto de admiración como de odio.
 
Desde pequeña, y como consecuencia del divorcio de sus padres, Bette aprendió gracias a su madre que el papel de la mujer en la sociedad no estaba lo valorado que debiera, actitud que siempre plasmaba en sus interpretaciones de mujeres fuertes, valientes y, en ocasiones, desvinculadas de todo tipo de emociones personales. Su infancia fue el inicio de su independencia personal en una sociedad claramente machista.

El primer objetivo profesional fue convertirse en bailarina, idea que abandonó rápidamente para probar suerte como actriz protagonizando producciones escolares y representaciones amateurs. Es así cómo acudió a Nueva York para estudiar en la Escuela de Interpretación de John Murray.

Aunque empezó a actuar en la compañía teatral de George Cukor en 1928, no fue hasta un año después que debutó con gran éxito en la representación teatral de la obra “Broken Dishes” en Broadway. Este triunfo fue el que hizo que entrara en Hollywood, concretamente en Universal Studios, quienes le hicieron un contrato en 1930, debutando en el cine con “The Bad Sister” (1931), de Hobart Henley y coprotagonizada por Conrad Nagel y Sidney Fox.

Tras una serie de películas menores, Bette Davis abandonó Universal y entró en la Warner bajo la mediación de George Arliss, quien le consiguió un papel para la película “The Man Who Layed God” (1932).

Pero, su gran oportunidad, le llegó en 1934 al protagonizar junto a Leslie Howard un papel en la obra maestra de John Cromwell, “Cautivo del Deseo”. Fue aquí donde se empezó a vislumbrar qué tipo de personajes podría encarnar mejor Bette: mujeres fuertes y pérfidas, de bajos sentimientos y gran talento dramático.

La película fue todo un éxito y le permitió protagonizar otros grandes títulos, como “Peligrosa” (1935) película que le confirió un Oscar a la Mejor Actriz o “El Bosque Petrificado” (1936), coprotagonizada por Leslie Howard y Humphrey Bogart.



Su fama de carácter indomable iba paralela a su éxito como actriz y en Hollywood eran conocidos sus ya famosísimas quejas contractuales con la Warner, lo que originaba constantes enfrentamientos entre la actriz y los estudios en plenos rodajes. Debido a ello, se mudó a Inglaterra pero los estudios la denunciaron por incumplimiento de contrato y no tuvo más remedio que volver pero a condición de que se plegasen a sus condiciones…otro ejemplo de su carácter arrollador.

Fue en esta segunda época en Hollywood donde protagonizó casi todo su repertorio más inolvidable: “Jezabel” (1938), filme que le consiguió otro Oscar, “Amarga Victoria” (1939), “La Solterona” (1939), “La vida privada de Elizabeth y Essex” (1939), “La loba” (1941) o “La extraña pasajera” (1942).

Después de una época marcada por la II Guerra Mundial, en la que los proyectos de cine menguaron pasando factura a todas sus estrellas, Davis remontó su trayectoria con la gran “Eva al Desnudo” (1950), de Joseph L. Mankiewicz, título que volvió a poner a la actriz en un primer plano cinematográfico.

Pero los tiempos corrían en contra suyo y cada vez le costaba más encontrar papeles que estuvieran a la altura de su talla interpretativa. Su último gran título llegó en 1962, cuando coprotagonizó junto a Joan Crawford la mítica “¿Qué fue de Baby Jane?”, obra maestra de Robert Aldrich. Siempre se dijo que entre las dos actrices hubo la misma tensión dentro y fuera de la pantalla, como lo demuestran sus declaraciones de entonces:

"¿Que por qué siempre interpreto a zorras? Porque no soy una zorra. Es la misma razón por la que Joan Crawford siempre interpreta a damas"

 A partir de entonces, la carrera de Bette Davis fue irregular, trabajando para la pequeña pantalla y terminando su carrera con la estimable “Las Ballenas de Agosto” (1987). Dos años más tarde moría en París, a la edad de 81 años.

Tan grande y carismática era su personalidad que, cuando los papeles escaseaban, no dudó en publicar un anuncio en la revista Variety a principios de los 60 (cuando ya se la consideraba una gloria del pasado) donde se anunciaba de la siguiente manera solicitando empleo:

"Madre de tres. Divorciada. Americana. Treinta años de experiencia como actriz en películas. Movilidad intacta y más afable de lo que indican los rumores. Quiero empleo estable en Hollywood. (Ya he tenido Broadway)". Genio y figura…        

Coches de cine: Aston Martin DB5

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Tras el éxito de Dr. No (1962)From Russia with Love (1963), Albert R. Broccoli dispuso la maquinaria para empezar a rodar Goldfinger, una de las novelas más exitosas en la carrera literaria de Ian Fleming.
 
Broccoli buscaba aún más impacto y encontró en la adaptación de Goldfinger la mejor opción para seguir ampliando la magnitud y repercusión de la franquicia. Dentro de este aumento en la escala de la producción, era fundamental encontrar un coche que pudiera ser equipado con dispositivos muy especiales. El Bentley Sport Tourer que aparecía en Desde Rusia... no podía ser modificado para incorporar lo que se necesitaba. Era imprescindible recurrir al mejor modelo del momento para crear el espectáculo deseado.
 
Ian Fleming, en la novela publicada en 1959, colocaba a Bond conduciendo un Aston Martin DB3. Pero en la pre-producción se decidió utilizar el último modelo que la casa británica acababa de lanzar: el DB5.
 
El diseñador de producción de la película, Ken Adam, y el considerado como "The real Q", John Stears, trabajaron intensamente con los ingenieros de Aston Martin para desarrollar un modelo especial del DB5 con motor doble árbol de seis cilindros. El color escogido fue el gris plateado. Los responsables acababan de crear una leyenda de la que aún no eran conscientes. 
 

John Stears, en su labor de supervisor de efectos especiales, preparó varios trucos para el automóvil que aún siguen maravillando a los fans de la saga Bond. La matrícula original, BMT 216A, podía cambiar para facilitar la escapada de 007 y disponía de toda clase de gadgets para hacer frente a sus agresores. Tras las luces de posición delanteras, aparecían dos ametralladoras Browning. Se habilitó también un blindaje trasero extensible al igual que sierras en la ruedas para hacer poco placentero el viaje de su perseguidor. Uno de los elementos más recordados es, sin lugar a dudas, el asiento eyectable cuyo peso en el recuerdo se deja notar hasta en la última entrega de la franquicia: Skyfall.
 
Bond también contaba con otros dispositivos para crear toda clase de infortunios a los villanos (cortinas de humo, derramar aceite en la carretera, disparo de clavos de tres puntas...) además de una pantalla de radar para realizar rastreos. En una época, en la que un coche de estas características era desconocido, el arsenal de trucos y efectos que los responsables de la película pusieron en pantalla, transformó al DB5 gris en una celebridad.

De todos los dispositivos que vemos en la película sólo el asiento eyectable era real, aunque únicamente se instaló para rodar la escena en que Bond lo activaba. El sistema tenía un gran tamaño y no era adaptable a la acción continuada del film. Mediante trucos de cámara fueron capaces de rodar la expulsión de un muñeco que, desde lejos, simuló ser uno de los lacayos de Auric Goldfinger.
 

En el siguiente film de la saga, Operación Trueno (Thunderball, 1965), el DB5 volvió a aparecer en la escena pre-créditos cuando Bond es perseguido en Francia. Los gadgets habituales volvieron a serle útiles a 007.
 
Muchos coches han mejorado y ampliado las prestaciones en películas posteriores pero el Aston Martin de Goldfinger sigue siendo el más emblemático aunque nunca haya sido el más rápido ni tampoco el más cómodo. Pero sí que logró ser el primero en dejar huella en los espectadores y su leyenda se ha ido manteniendo, con el paso de las décadas, de forma que su imagen se asocia, más que ningún otro, con la figura de James Bond.
 
A todo ello ha contribuido la utilización reciente del automóvil en pequeñas escenas que le han seguido relacionando con 007. Así fue como le veíamos, con matrícula diferente, en Goldeneye (1995) cuando Bond mantenía una curiosa carrera contra Xenia Onatopp (aderezada por la ridícula música de Eric Serra) en las carreteras cercanas a Mónaco. Convertido en lo que sería su coche personal, también aparecía brevemente en El Mañana Nunca Muere (Tomorrow Never Dies, 1997) cuando Bond es requerido por M en la sede del Ministerio de Defensa.

En la excelente Casino Royale (2006), los guionistas colocaron al DB5 como propiedad del sicario Alex DimitriosJames conseguía sacarle de sus casillas, a lo largo de una partida de póker, hasta provocar que se jugara el coche en la última apuesta. Bond se hacía, por tanto, con las llaves de un modelo con el volante a la izquierda.

Y finalmente, en Skyfall, aparece de nuevo una réplica del original de Goldfinger, con la matrícula BMT 216A, y que vuelve a disponer de dispositivos útiles, incluso el botón eyectable (el cual suscita un jocoso comentario por parte de M). La película nos lo muestra como si fuera un modelo retirado del servicio que 007 se ha quedado en propiedad por "razones sentimentales". Tras su desaparición en la misión inicial en Turquía, todas sus posesiones se habrían guardado en un trastero incluyendo el apreciado automóvil que, por cosas del destino, volverá a tener un papel importante en el enfrentamiento final con los hombres de Silva, alrededor del Skyfall Lodge.
 

A lo largo de la saga, el agente británico ha conducido también otros modelos más modernos de la casa Aston Martin (el V8 Vantage, el Vanquish, el nuevo DBS) pero el DB5 siempre será el auto más asociado a 007 en la memoria colectiva. Al igual que Frank Abagnale Jr. en Atrápame si Puedes (Catch Me if You Can, 2002), todos los fans de Bond desearíamos tener un DB5 en el garaje y estoy seguro que mi amigo Xavi sería el primero en apuntarse a esa lista de espera imposible.


 
Para rodar Goldfinger, se utilizaron dos DB5. Durante años fueron exhibidos en convenciones y eventos diversos. El coche principal cambió de propietario a lo largo de los años hasta que fue adquirido por el coleccionista Anthony Pugliese en 1986. Durante una década, Pugliese siguió mostrándolo en varias exposiciones hasta que, en 1997, fue robado misteriosamente. Alguien entró en un hangar del aeródromo de Boca Ratón (Florida) y sustrajo el automóvil. Nunca ha vuelto a reaparecer.
 
En cambio, el Aston Martin utilizado en Thunderball está en venta actualmente al módico precio de 4,7 millones de dólares. Incluye además gadgets especiales. ¿Alguien da más?

El Gran Gatsby

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Tras la Primera Guerra Mundial, Estados Unidos vivió una época de expansión económica sin parangón hasta ese momento. Combatir en una guerra y vencer pero no sufrir secuelas en terreno propio puesto que la refriega se desarrolló a miles de kilómetros de distancia, siempre ha sido una ventaja competitiva para las naciones que han podido llevarlo a cabo.

La sociedad norteamericana no progresó económicamente de forma igualitaria pero la explosión del negocio bursátil, la especulación, y las conexiones con poderosos clanes mafiosos permitieron la aparición de una casta de "nuevos ricos" que fue capaz de expandir el exceso de las clases adineradas a más zonas y barrios de las ciudades estadounidenses. 

Este entorno de opulencia, de exageración, de grandes fiestas adornadas por el glamour de las flapper girls,  fue conocido por F. Scott Fitzgerald a principios de la década de los 20. Esas vivencias le ofrecieron la  posibilidad de escribir una novela que explorara ese mundo de éxtasis desenfrenado en el que una nueva generación de jóvenes americanos disfrutaban de las riquezas ajenas mientras poco aportaban a una sociedad que parecía no tener límites en su crecimiento. Todo parecía posible para aquellos que podían invertir dinero. En la bolsa, los beneficios se incrementaban constantemente aunque lo que se estaba construyendo era un falso crecimiento que no tenía base real en la economía productiva. Ese triunfo fraudulento, basado en la especulación, llegó a su fin en octubre de 1929. Pero, hasta ese momento, los "felices años veinte" hicieron honor a su apelativo y se configuran como una época apasionante donde la clase política intercambiaba influencias con las grandes fortunas mientras el crimen organizado hallaba un escenario perfecto para presentar su variada oferta de alcohol, drogas, prostitución, y juego.

Fitzgerald nos habla de esta época en su poderosa novela y, a través de un lirismo muy marcado, se centra en la figura de Nick Carraway, un ex-combatiente, graduado en Yale, que llega a Nueva York para unirse al interminable desfile de nuevos agentes de bolsa en Wall Street. Con el tiempo, conocerá a su misterioso vecino, Jay Gatsby, un "nuevo rico" que está impactando a la ciudad con las magnas fiestas que organiza en la mansión que posee en la ficticia localidad de West Egg (Long Island).

Yo tenía importantes reservas antes de ver la película porque pensaba que Baz Luhrmann podía convertir un relato clásico de la literatura americana en un fastuoso espectáculo vacío de contenido. Pero ese escepticismo se desvanece muy rápidamente. El director australiano ha incorporado numerosos elementos estéticos que tienen un fuerte impacto en la puesta en escena pero, incluso dentro de este exhibicionismo, es capaz de encontrar momentos de clasicismo casi canónico para desarrollar las poderosas tramas que este fenomenal grupo de personajes nos sirven en bandeja durante el verano de 1922. En mi opinión, la propuesta visual de Luhrmann es arrebatadora y los escenarios digitales que recrean el Nueva York del momento son maravillosos. Existe una integración total entre la acción argumental y su contexto. 

También la elección musical de temas modernos no resulta molesta ni innecesaria sino todo lo contrario. Luhrmann demuestra su estima por el material original y remarca la idoneidad de su elección como máximo responsable de esta película tan ambiciosa. 

Fitzgerald no descuidó en su novela hablar de los fuertes contrastes que existían en el nivel de vida de la sociedad norteamericana. El "Valle de las Cenizas" es el ejemplo del rumbo existencial que caracterizaba a una parte importante de la población. En "El Gran Gatsby" es el peaje necesario para que la ciudad siga funcionando con toda su espectacularidad y qué mejor para desarrollar esta dualidad social que mezclar a personajes y exhibir las contradicciones que se debían vivir a diario (la relación entre Tom Buchanan y los Wilson es el paradigma de todo esto).

Esta nueva adaptación tiene dos partes bien diferenciadas: en la primera, Baz Luhrmann explota, siempre con criterio, la estética visual de la época para meternos de lleno en la suntuosa vida de los protagonistas. La integración de imágenes reales, dentro del nuevo metraje, está realizada de forma ejemplar y sabe aprovechar muy bien la espera que concibió el autor para la primera aparición de Gatsby. Empezamos a conocerle a través de referencias, lo que refuerza su aura enigmática. En la segunda parte, cuando los acontecimientos empiezan a precipitarse, el director es capaz de dar un paso atrás en los movimientos de cámara para dejar que sea el gran elenco de intérpretes el que sostenga la narración hasta su trágica conclusión.

Fitzgerald quiso expresar en su novela elementos de decadencia en un modo de vida que, con el tiempo, sufriría un fuerte revés. De alguna manera, trató de criticar la frivolidad de una casta social hasta cierto punto y creó a Gatsby como un personaje que se beneficia del entorno de especulación y negocio pero que, a la vez, es una gran víctima del mismo. Habiéndose construido a él mismo gracias a alianzas turbias que le han permitido llegar a una posición de privilegio, disfruta de su éxito sólo a medias. Porque, en realidad, Gatsby utiliza la riqueza y la pomposidad como una cortina de humo. Se oculta entre bambalinas porque su objetivo es el de recuperar al amor de su vida y no existe otra forma de llamar la atención que mediante la celebración de ardientes fiestas que tienen su eco en toda la Costa Este. Lamentablemente, los sueños en muchas ocasiones poco tienen que ver con la realidad y el choque dramático final que nos ofrece la película hace tambalear las convicciones más asumidas.

En la adaptación que Luhrmann y Craig Pearce han realizado, la figura de Nick Carraway se fusiona aún más con Fitzgerald y su catarsis final, elaborando una novela del mismo título, son elementos que funcionan y que aportan relevancia a la propuesta en perfecta conexión y respeto con el material literario original.

El excelente reparto colabora mucho para hacer que la película responda a las expectativas. Leonardo Di Caprio está, una vez más, brillante en su interpretación. Sabemos que elige muy bien los proyectos y trabaja únicamente con directores de alto nivel pero, en esta ocasión, vuelve a sorprendernos con una interpretación sentida y cálida. Desde el momento en que aparece en pantalla canaliza toda la tensión dramática y encuentra su contrapunto ideal en Tobey Maguire, que encaja perfectamente en el papel de Nick Carraway. Nick asumirá, más que ningún otro, las secuelas de ese exceso existencial pero, curiosamente, hallará la clave de su recuperación en el recuerdo de la única persona que le aportó positividad y ganas de vivir. La pasión que guiaba los actos de Jay Gatsby y la voluntad de llegar más allá de la excentricidad para conseguir recuperar el amor perdido, son las claves que Carraway utilizará para redimirse de los demonios que le han conducido a un sanatorio psiquiátrico.

Mención especial también para Carey Mulligan, Joel Edgerton, Isla Fisher, el siempre excelente Jason Clarke, el actor indio Amitab Bachchan, y un joven rostro que habrá que seguir en el futuro: Elizabeth Debicki. Se trata de una actriz australiana, de belleza turbadora, que destaca en el papel de Jordan Baker, jugadora de golf y flapper girl a tiempo completo.

Muchas veces se habla de lo innecesarios que son los remakes. Me parece que hay que juzgar cada caso y evitar generalizaciones. En el caso del "Gran Gatsby", tenemos dos propuestas diferentes y a la vez complementarias. Existe una adaptación, totalmente clasicista, que basa su puesta en escena en el vestuario y en la palabra de los intérpretes. Fue dirigida por el británico Jack Clayton en 1974, con Robert Redford, Mia Farrow, Sam Waterston, Bruce Dern, y Lois Chiles en los papeles principales. Y ahora, se incorpora una nueva versión que equilibra la aportación de los actores con la presentación de unos escenarios, de gran formato, que consiguen aproximarte a la época de una forma completamente diferente y arrebatadora. Podemos elegir puesto que ambas propuestas nos muestran elementos diferentes de una historia inmortal que responde a una de las joyas de la literatura americana.

Tom Buchanan le pregunta a Nick Carraway, al inicio del film, si aún trata de escribir la gran novela americana. No podemos calificar algo en base a un objetivo tan ambicioso y a la vez imposible. Pero lo que sí se puede asegurar es que darle una oportunidad al "Gran Gatsby" de Luhrmann puede significar, para el espectador, la posibilidad de sumergirse en un universo de brillantez y contrastes del que no saldrá indemne sino con voluntad de seguir reflexionando sobre las claves de una sociedad que F. Scott Fitzgerald trató de rozar con sus palabras. 

La génesis de Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption, 1994)

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Stephen King es un enamorado del cine. El prolífico escritor de Maine reconoce que el séptimo arte siempre ha sido el motor de la puesta en escena de sus novelas. Suele afirmar que no escribe sus relatos con las películas en mente sino que están reflejadas en su mirada sobre la creación de argumentos y situaciones. 
 
Por todo ello, su trabajo siempre ha seducido a productores y directores que han visto en sus textos una faceta visual muy fácilmente adaptable. Hasta ahora, ha vendido derechos para la realización de más de treinta films, de los cuales él mismo reconoce que han surgido ocho buenas películas. Aunque no siempre los resultados han sido los esperados, King nunca ha desistido en su idea de ceder derechos puesto que considera imprescindible retribuir al cine por tantas vivencias apasionantes que le ha ido aportando a lo largo de su vida.
 
Desde 1977, ofrece a los jóvenes estudiantes de cine la posibilidad de adaptar cualquiera de sus relatos breves para convertirlos en cortometrajes. Se asegura una cláusula en el contrato por la que siempre deberá dar su aprobación ante un posible estreno comercial además de ser el primero en poder ver el corto una vez rodado. Por esta posibilidad, el escritor vende los derechos a cambio de un dólar simbólico. King lleva escuchando los reproches de sus contables desde hace más de treinta años por no aprovechar los relatos cortos para seguir ampliando ganancias pero, tal como citaba anteriormente, el autor se siente honrado de poder hacerlo por el amor que siente hacia el medio cinematográfico.
 
No siempre la calidad de los cortometrajes ha sido relevante pero, en ocasiones, ha surgido alguien que parecía tener un talento innato para el oficio. Ese fue el caso de Frank Darabont quien, con veinte años, adaptó el relato "The Woman in the Room", publicado en el recopilatorio Night Shift (1978). King quedó encantado con la propuesta de guión aunque prefirió no ver el film ya que el argumento brotó de la enorme tristeza sufrida tras la reciente muerte de su madre a una edad prematura. Tratándose de una historia emocionalmente tan próxima, el escritor decidió olvidarse del tema.
 
El paso del tiempo suele ser un bálsamo en estas cuestiones tan profundas y así fue como, cinco años después, Frank Darabont decidió enviarle una copia de "The Woman in the Room". El escritor quedó impresionado y abrumado por el resultado y considera este cortometraje como una de las mejores adaptaciones literarias de la historia. "Woman" fue aclamado allí donde se proyectó y Darabont consiguió varios premios que constataron la calidad del material. Había conseguido llamar la atención del genio de Maine y, en los años sucesivos, mantuvieron correspondencia regular.
 
 
Darabont había escrito varios guiones para el cine, dentro del género fantástico, pero seguía con la idea de dirigir un proyecto ambicioso en el que pudiera ser el responsable máximo del producto final. En 1987, volvió a contactar con King para solicitarle los derechos de adaptación de otro relato corto, publicado en el recopilatorio "Different Seasons". La pieza que le interesaba llevaba por titulo "Rita Hayworth and The Shawshank Redemption" y era una narración carcelaria que tenía elementos reminiscentes de los clásicos de Warner Brothers protagonizados por James Cagney.
 
King nunca pensó que dicha historia pudiera ser de interés para el cine pero tenía confianza en Darabont, tras lo acontecido con "Woman", y quería ver como se las apañaría para adaptar un texto humanista e íntimo, con más reflexión que acción. Le preocupaba también que la película resultante fuera demasiado introspectiva y, por tanto, no conectara con el público. Pero cedió los derechos consciente de que, en ocasiones, este tipo de argumentos poco convencionales acaban siendo grandes sorpresas. Confió en ello y se desentendió del desarrollo.
 
Darabont tardó largo tiempo en reunir lo necesario para poner en marcha la producción e incluso tuvo tiempo para debutar como director en el telefilm Enterrado Vivo (Buried Alive, 1990). King creyó que la producción no habría progresado porque quizá no se habían obtenido los fondos necesarios y llegó a pensar que el proyecto estaría ya archivado. Pero, en 1992,  recibió una copia del guión.
 
Stephen King y Frank Darabont en 2007, durante la premiere de "The Mist".
 
El paquete parecía muy consistente y el escritor pensó que un material tan extenso podría incluso superar el montaje largo de Novecento, el clásico de BernardoBertolucci. Pero acabó dejando los reparos aparte y se puso a leerlo. Quedó atraído, de forma magnética, desde la primera página y le pareció un libreto de una calidad abrumadora. Renovó la cesión de derechos y le comunicó a Darabont que contaba con su "bendición". Aunque, en privado, seguía siendo escéptico por el futuro éxito comercial del film ya que se trataba de un argumento muy diferente al tipo de cine que se estaba desarrollando en aquel momento.
 
Pero Darabont encontró a Castle Rock Entertainment, un estudio que apostó decididamente por la película y que tenía el apoyo de Warner Brothers. Además, uno de sus socios fundadores era Rob Reiner, quien ya había adaptado dos novelas de King(Stand by Me y Misery). En Castle Rock, estaban dispuestos a conceder una total libertad creativa para que el director pudiera desarrollar su visión tal como había sido concebida.
 
Finalmente, The Shawshank Redemption obtuvo un éxito rotundo y fue nominada para siete premios Oscar en 1995. El triunfo de la película volvió a demostrar que el talento puede brillar incluso en las circunstancias más adversas. Todo pareció encajar perfectamente: guión, dirección, interpretaciones, diseño de producción, y también el metraje que, aún siendo largo, nunca vence ni distrae la atención del espectador.
 
El éxito de Shawshank es la historia de un sueño hecho realidad, del triunfo del arte sobre la banalidad. Y también de la consagración de un cineasta enormemente creativo quien, tras haber picado mucha piedra, pudo por fin obtener el reconocimiento a su inmenso talento. Tendremos oportunidad de seguir reflexionando sobre esta obra maestra en próximos artículos. 
 

Primer trailer de "The Wolf of Wall Street"

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A principios de los 90, un joven y talentoso broker llamado Jordan Belfort fundó una agencia de valores que consiguió, en muy pocos años, colocarse en los primeros puestos de transacción de acciones en la bolsa de Nueva York (llegó a mover un billón de dólares anual). Belfort desvió grandes cantidades de dinero en operaciones ilícitas que pronto captaron la atención de las autoridades federales. En 1998, el FBI le procesó por cargos de fraude y blanqueo de dinero. Se calcula que la cifra global desfalcada a los inversores se elevó a 200 millones de dólares. 

Las excentricidades de Belfort en su época dorada parecían no tener fin, al igual que las poderosas adicciones a todo tipo de drogas. Cuando fue condenado, solo pudo resarcir al Gobierno la mitad de la cantidad desfalcada. Trató de cooperar con el FBI filtrando información y eso le permitió cumplir una única condena de 22 meses. 

Tal como suele suceder en multitud de ocasiones, Jordan Belfort salió de prisión aparentemente reformado y ansiando dar testimonio de sus fechorías en una serie de libros superventas. Sus dos obras autobiográficas (The Wolf of Wall Street y Catching the Wolf of Wall Street) van a adquirir aún mayor resonancia con la película, dirigida por Martin Scorsese, que va a estrenarse en noviembre. 

El guión ha sido escrito por Terence Winter, galardonado escritor y showrunner en grandes series como Los Soprano y Boardwalk Empire (donde colabora con Scorsese). Para esta película, el director vuelve a contar  con su actor fetiche en los últimos años, Leonardo DiCaprio, que además de asumir el rol de Jordan Belfort también es uno de los productores del film a través de su compañía Appian Way.

The Wolf of Wall Street significará la quinta colaboración entre actor y director tras Gangs of New York, El Aviador, Infiltrados, y Shutter Island. Y significa un paso intermedio hacia el ambicioso proyecto que ambos quieren rodar hace tiempo y que versaría sobre la apasionante figura del Presidente Theodore Roosevelt.

DiCaprio le acompaña un más que interesante reparto que incluye el debut en Hollywood del oscarizado Jean Dujardin. Además, veremos también a Matthew McConaughey (atención al calendario de fuertes estrenos suyos en los próximos meses), Jonah Hill (Moneyball)Kyle Chandler (Super 8, Zero Dark Thirty), Jon Bernthal (The Walking Dead), Margot Robbie (la más bella de las azafatas en la extinta serie Pan Am), y a tres directores que siempre suelen combinar trabajos a los dos lados de la cámara: Rob Reiner, Jon Favreau, y Spike Jonze.



PARAMOUNT PICTURES presents in association with UNIVERSAL PICTURES  
a RED GRANIT and APPIAN WAY production "THE WOLF OF WALL STREET"

LEONARDO DiCAPRIO  JONAH HILL  MATTHEW McCONAUGHEY

JEAN DUJARDIN  KYLE CHANDLER  JON BERNTHAL  JON FAVREAU
ROB REINER  SPIKE JONZE  MARGOT ROBBIE 
Music by HOWARD SHORE
Cinematography by RODRIGO PRIETO
Film editing by THELMA SCHOONMAKER
Production design by BOB SHAW

Produced by RIZA AZIZ  LEONARDO DiCAPRIO  JOEY McFARLAND  MARTIN SCORSESE  and EMMA TILLINGER KOSKOFF
Written by TERENCE WINTER based on the book "The Wolf of Wall Street" by JORDAN BELFORT
Directed by MARTIN SCORSESE

La génesis de Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption): la visión de Frank Darabont

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"Sit there and listen. This is not a place for idle viewing, this is a place of worship."

Con semejante declaración de intenciones, queda clara la condición de cinéfilo de Frank Darabont. Sin embargo, nada hacía presagiar un destino vinculado a la "factoría de los sueños". Sus padres eran activistas libertarios húngaros que huyeron de su país tras la revolución de 1956. Él nació, tres años después, en un campo de refugiados en Montbeliard (Francia). Posteriormente, la familia emigró a Estados Unidos donde, tras una breve estancia en Chicago, decidieron establecerse definitivamente en Los Angeles.

Para que el pequeño Frank pudiera familiarizarse más con el idioma, su hermano mayor le llevaba una y otra vez al World Theatre, uno de esos palacios del séptimo arte que inundaron Hollywood Boulevard hasta la década de los setenta. Allí, en la oscuridad de la sala, Darabont se convirtió en un auténtico cinéfago porque asistía a proyecciones de toda clase de géneros. Desde reposiciones de los clásicos de terror de la Universal hasta superproducciones de David Lean. También la incipiente sci-fi de los sesenta, los clásicos del western, y los legendarios musicales de la Metro, por poner sólo algunos ejemplos de todo lo que llegó a consumir. Hay un caso muy ilustrativo acerca de su voracidad visionadora: llegó a ver hasta doce veces The Omega Man (1971), un auténtico referente en la historia de la ciencia-ficción cinematográfica, cuyo  remake protagonizó Will Smith bajo el nombre I Am Legend (2007).

Esa pasión insaciable por el séptimo arte se vio complementada por el seguimiento a una serie de escritores pertenecientes a épocas muy diversas: Charles Dickens, Edgar Allan Poe, Mark Twain, Raymond Chandler, Ray Bradbury, Richard Matheson, Harlan Ellison... a los que se añadió, a mediados de los 70, un prometedor autor del remoto estado de Maine llamado Stephen King...


Darabont estaba adscrito a un servicio de intercambio de libros por correo que permitía recibir obras de forma periódica, leerlas, y devolverlas. También había la posibilidad de comprar dichas novelas pero un joven estudiante, con pocos recursos, siempre solía retornarlos incluso sin llegar a leerlos. Esto le ocurrió en varias ocasiones hasta que un día recibió un ejemplar de El Resplandor (The Shining). La portada ya captó su atención y decidió darle una ojeada. Uno de los primeros párrafos que leyó fue uno en que se describía como el jovencito Danny descubría el cadáver de una mujer en la bañera. Darabont que, por aquel entonces era un estudiante de secundaria, quedó irremisiblemente atraído por la novela y, aunque no tenía dinero para comprarla, decidió alargar todo lo posible el préstamo y devoró el libro con fruición.

Tras esta experiencia de conexión total con el material, decidió hacerse con otras novelas del autor y así fue como leyó con prontitud Carrie y Salem's Lot. Con el paso de los años, se convirtió en un fan incondicional del escritor de Maine y leía todas sus obras, incluso las menores o los relatos cortos. Así fue como descubrió The Woman in the Room, un relato breve que le inspiró para realizar un cortometraje que atrajo la atención del propio King (tal como vimos en un artículo anterior).

Y así fue como, rebuscando entre la inmensa obra literaria de Stephen King, descubrió otro relato corto cuyo título era Rita Hayworth and the Shawshank Redemption. En este intenso libreto que se centra en la amistad de dos reclusos, forjada durante décadas en una penitenciaría de Maine, Darabont encontró una historia con la que conectó a un nivel emocional sin precedentes. Y empezó a pensar en la idea, por entonces imposible, de adaptarla en formato de largometraje.


Su sueño se hizo finalmente realidad por la inmensa suerte que tuvo al llamar la atención de King y poder establecer un contacto con él que se prolongó durante varios años hasta que finalmente llegaron a conocerse. La enorme generosidad que distingue al autor es lo que le garantizó los derechos de adaptación porque, en el fondo, lo que quiere el escritor superventas es devolver a la sociedad algo (mucho o poco) de lo que él ha disfrutado. Y su amparo a nuevos escritores y cineastas se encuadra en esta premisa.

El agradecimiento que Darabont transmite a su mentor es algo que siempre hace constar en las entrevistas que concede. Considera que nunca podrá retribuirle por la amabilidad y generosidad recibida aunque se conforma con la satisfacción que el escritor sintió al ver proyectada la película. Saber que Stephen King bendecía el film y afirmaba que había captado plenamente el espíritu del relato original, fue algo muy importante para el director. Al fin y al cabo, esta fue la forma de retribuirle: realizar una película que a King le entusiasmó sobre un material que Darabont amaba.

De alguna manera, autor y guionista estaban destinados a encontrarse. Y un relato en que el póster de Rita Hayworth ocultaba los deseos de libertad que nunca se apagan, fue la clave para conseguirlo.

Vuelve el Hombre de Acero: reseña de Man of Steel (Spoilers!!!)

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La figura de Superman en el cine necesitaba de una reformulación que permitiera establecer una base sobre la que se pudiera generar una franquicia estable. Warner Brothers decidió buscar a los mejores creativos que tenía a su alcance y el resultado ha estado a la altura de lo esperado. Man of Steel es una obra sólida, magna, épica, que además es capaz de ocultar alguna de sus flaquezas gracias a la contundencia de una puesta en escena que, en ocasiones, puede llegar a superar la capacidad de aprehensión por parte del espectador.

La propuesta de Chris Nolan y David Goyer, desde el argumento y el guión, se basa en una reintroducción del universo de Superman desde una perspectiva completamente nueva y actualizada. Se observa alguna influencia del arco argumental “Legado” (Birthright),de Mark Waid y Leinil Francis, pero se trata de leves premisas que se incorporan a un replanteamiento original.  La saga se construye, desde los mismos cimientos, presentando una visualización rompedora de Krypton: un remoto planeta, condenado a la destrucción, en el que nace un niño destinado a ser un Dios entre los hombres.

Tal como hicieron con Batman, Nolan y Goyer tratan de crear una historia, sobre una base realista, que después les permita ir incorporando los elementos que configuran la mítica de Superman. Pero antes de todo ello, le hemos visto naciendo, creciendo, adaptándose al surgimiento de unos poderes que le desbordan y que le convierten en un marginado. Alguien cuya grandeza debe ser ocultada porque el mundo que está destinado a proteger no está preparado para acogerle hasta que no reciba una muestra definitiva de su compromiso con la justicia y la libertad.

La propuesta escrita se coordina con la dirección de Zack Snyder manifestándose en una serie de flashbacks que combinan el viaje del Kal-El adulto, a la búsqueda de su propia identidad, con instantes de su niñez que fueron especialmente trascendentes en su devenir existencial. Esta ruptura de la linealidad argumental es un recurso estructural muy acertado. Combina situaciones y momentos, siempre de forma esclarecedora, mientras crea una lectura nueva de los hechos y obvia deliberadamente detalles que ya conocemos. De forma particular, quiero resaltar el momento en que la cápsula aterriza en Kansas y ya pasamos a las peripecias de Clark a bordo un barco pesquero.  Lo que interesa es ver como el jovent experimenta el descubrimiento de sus potencialidades desde una perspectiva nueva, visceral, biológica. El tono serio y de fuerte contraste dramático que predomina en los trabajos de Nolan tiene también su influencia aquí. Incluso en un personaje tan brillante y lumínico como Superman, saben encontrar sus puntos de duda, de ruptura, con lo que transmiten al espectador las sensaciones de un niño que se siente anormal, que no comprende quien es, ¿cuál es el motivo último de su propia vida?.
 
La respuesta es la siguiente:  esta es la historia de dos padres. Clark construirá su personalidad a través de la suma de influencias de sus progenitores. De Jor-El aprende el legado del que es depositario. Es la última esperanza de preservación de una civilización milenaria cuyo propósito en la Tierra será el de inspirar a sus habitantes para conseguir grandes cosas, configurándose como un puente entre dos mundos. Jonathan Kent, por su parte, le infundirá los valores de humildad y respeto por sus nuevos congéneres, alejándolo de ambiciones volátiles, y tratando de darle la confianza para el momento en que decida mostrarse ante el mundo como una fuerza para el bien.  Las aportaciones de ambos en la formación del joven quedan magníficamente reflejadas en la película gracias a las interpretaciones de Russell Crowe y Kevin Costner.

Esta es la esencia de Superman y Henry Cavill la personifica magníficamente. Representa, con rotundidad, la integridad y honorabilidad del personaje. Su extrema bondad que, en no pocas ocasiones, roza la ingenuidad también está presente en su interpretación. Y, por último, se mueve como pez en el agua mostrando el amor que siente por los suyos y por el planeta que le ha acogido. Aquí no estamos ante superhéroes sinvergüenzas y muy carismáticos, cuyo ejemplo máximo es Tony StarkKal-El es todo lo contrario, se le puede definir como una amalgama de cualidades “old-fashioned” en el cuerpo de alguien que es casi invencible por naturaleza. El tono serio y adulto que imponen Snyder y Goyer facilita que todo ello se vea en pantalla. Y la verdad es que se agradece ver un film de superhéroes en que la comicidad no es un punto clave. Y Superman, como abanderado del tipo de superhéroes más arquetípico e íntegro, sigue molando!!!

En cuanto a Krypton y a la presencia prolongada de Jor-El en la película, tampoco pongo objeciones. Se nos explica que la sociedad del lejano planeta hace décadas que cultiva la reproducción artificial, determinando y controlando las estirpes que nacen para que desempeñen funciones concretas. Estamos ante una teoría de darwinismo social aplicada a un mainstreamhollywoodiense. Eso es algo muy valorable porque, si tiramos del hilo, incluso podemos hallar referencias a Platón y Nietzsche.
 
Los más evolucionados serán los que formarán una sociedad perfecta, sin fisuras, pero ¿ quién controla todo eso?, ¿quién otorga la vida o la muerte?.  Tanta responsabilidad conduciría inevitablemente a la corrupción moral. Jor-El y su esposa, Lara, se cuestionan este esquema y conciben el primer bebé natural en siglos. Porque creen en el libre albedrío, en la posibilidad de que cada individuo pueda elegir su vida más alá de los esquemas predeterminados. Defienden la idea de que cada uno pueda forjar su propio destino. Kal-El será el custodio de esta premisa y en él albergará el códice que preservará la identidad de la civilización kryptoniana para siempre.
 
El General Zodcomparte la idea de que el planeta avanza hacia su destrucción pero aquí acaban las coincidencias. Su idea de relevar al acomodado Consejo de Sabios sólo serviría para promulgar una dictadura tiránica. El líder militar encabezará un alzamiento que no conseguirá su objetivo pero, siendo consciente del nacimiento de Kal-El, le perseguirá más allá del tiempo y el espacio. Por ello, Zod es uno de los mejores villanos de la mitología de Superman. David Goyer lo define de la siguiente manera: “Zod is not only one of Superman's most formidable enemies, but one of the most significant because he has insights into Superman that others don't”.
 
Michael Shannonestá excelso en su interpretación y refleja también, de una forma muy evidente, la decepción que siente por no poder contar con el apoyo de Kal-El en su intento de convertir la Tierra en un Nuevo Krypton, a través de la máquina de terragénesis que trae consigo. Por ello, su decepción final es aún más grave porque Superman le acaba quitando el único objetivo de su existencia: proteger Krypton y reconstruirlo para que nuevas generaciones puedan preservar esa avanzada civilización.
 
Pero Krypton ya tuvo su oportunidad y ahora Superman es un terráqueo que antepondrá siempre la protección de su planeta adoptivo a cualquier otra consideración, aunque tenga que acabar con sus compatriotas por el camino. En la película, el Hombre de Acero se nos muestra hasta las últimas consecuencias puesto que Zod le obligará a cometer el acto de mayor crueldad del que es capaz. La visualización de dicha escena es un momento de eclosión dramática brutal. El héroe siempre debe sacrificar algo para proteger a aquellos que ama.
 
Las secuencias finales de combate en Metrópolis tienen una dimensión hercúlea, como corresponde a la magnitud del personaje. Superman puede actuar a escala planetaria, sus poderes son impresionantes, y obviamente necesita grandes amenazas para que realmente tenga que explotar todas sus posibilidades. Así pues, la batalla de Metrópolis se encuadra en esta grandeza que ha sido posible gracias a la contínua evolución del CGI. A los que consideran exagerado este enfrentamiento final, les digo lo siguiente: esto es cine de superhéroes y Superman es el SUPERHÉROE.
En el camino de reintroducir la mitología, hay una serie de referencias religiosas voluntariamente indisimuladas. La intención es reforzar la apariencia mesiánica del personaje. Se trata de elementos polémicos pero que, indudablemente, contribuyen a reforzar una épica que siempre debe estar presente en la representación del último hijo de Krypton.
En este sentido, querría resaltar un magnífico plano concebido por Zack Snyder. Acontece cuando Clarkdecide entregarse para calmar las demandas de Zod. Vemos a las tropas preparándose, apuntando las miras de los tanques hacia el cielo donde una figura suspendida, con el Sol a su espalda, hace acto de presencia.
Pero no todo está tan bien logrado. La película tiene también sus puntos flacos destacando, en mi opinión, la manera como se resuelve la muerte de Jonathan. Una escena que, en su inicio, recuerda a los reproches que presidían el último encuentro entre Peter Parker y el tío Ben(Spiderman, 2002). Tampoco resulta creíble el nulo envejecimiento de los kryptonianos tras 33 años deambulando por el universo. Seguro que se darán algunas explicaciones más o menos técnicas sobre el tiempo en los viajes espaciales etcétera… pero los hechos son claros: cuando Kryptonimplosiona, los rebeldes llevaban muy poco tiempo en la Zona Fantasma.
En conclusión, Man of Steel sí tiene la fuerza suficiente para iniciar una franquicia que, además, pueda iniciar un universo cinematográfico para DC Comics. Una posible película de la Justice League parece más cercana que nunca y ya es hora que se pongan a trabajar en un proyecto que llevamos demasiados años esperando. Marvelha iniciado un camino que algunos creían imposible pero que ya está definitivamente encauzado. Ahora es el turno de DC y Warner Brothers. Si quieren seguir compitiendo en el cine de superhéroes,  durante los próximos años, deberán encarar proyectos de integración de personajes.
 
En cuanto a Superman, se ha abierto un camino muy interesante para posibles secuelas. Concluida la explicación de su origen, puede brillar aún más dentro de este nuevo universo compartido. Cabe recordar que, en el film, hay varios camiones con el logo LexCorp y también aparece un satélite propiedad de un acaudalado empresario playboy de Gotham City
 

"Mhysa": recapitulación final de Juego de Tronos

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Concluye una fantástica tercera temporada de Juego de Tronos. Y lo hace apostando, una vez más, por un escenario anticlimático después del fuerte impacto que supuso la “Boda Roja” en el capítulo previo. Pero eso no quiere decir que este final de temporada sea  desalentador sino todo lo contrario. Al igual que ocurrió el año pasado, los guionistas utilizan el capítulo final como espacio para cerrar tramas y presentar nuevos argumentos mientras empiezan a preparar a los personajes para las nuevas situaciones que deberán afrontar a partir de ahora. Volvemos a las localizaciones múltiples y presenciamos momentos sublimes de interacción entre personajes. El episodio se convierte en un vendaval de emociones que se consume con una rapidez inusitada y nos deja con muchas ganas de más.
 
En Desembarco del Rey, las noticias de la macabra caída de los Stark en “Los Gemelos” son recibidas con un júbilo mordaz por parte de Joffrey, cuya ignorancia supina y arrogancia detestable no le permite ver que es una simple figura decorativa en un escenario que le supera. El plan de Tywin Lannister ha sido un éxito y nombrar a Walder Frey como señor de Aguasdulces y a Roose Bolton como Guardián del Norte, le ha permitido contar con su inestimable colaboración en la cruel destrucción del enemigo que más le atormentaba en Poniente.


Cuando la suprema imprudencia del niñato Joffrey se materializa en burdas palabras durante la sesión del Consejo, resulta encomiable la reacción de Tywin (y ya van… muchas). Su forma de deshacerse de la impertinente presencia del niño Rey es una nueva lección de experiencia y distinción. Tywin es astuto, hábil, majestuoso, y sus miradas pueden intimidar más que una espada bien afilada. Cuando se queda a solas con Tyrion, vuelve a dejarle sin palabras en una discusión en la que vuelven a salir a la palestra temas controvertidos: deber y supervivencia de un linaje, honorabilidad manchada de sangre, matar para minimizar daños, asesinar para seguir gobernando. Cuando Tyrion le recrimina que todas las grandes decisiones que ha tomado para proteger a la familia sólo son el reflejo de su ambición y deseo  personal, Tywin responde:

TYRION

When have you ever done something that wasn't in your interest but solely for the benefit of the family?

TYWIN

The day that you were born. I wanted to carry you into the sea and let the waves wash you away. Instead, I let you live. And I brought you up as my son. Because you're a Lannister.

 
Una respuesta demoledora que cierra la charla de un plumazo. Charles Dance ha realizado una interpretación soberbia y probablemente nos ha ofrecido las sentencias más brillantes de esta temporada.
Cersei demuestra que su actitud cruel y despótica responde, en parte, a la desgracia que siempre la ha acompañado. Reconocer que sin sus hijos ya habría puesto fin a su vida es otro instante culminante del capítulo. La vuelta de Jaime y la reacción de Cersei no puede ser valorada de igual forma ya que los guionistas cortan la escena muy abruptamente. ¿Se habrán contagiado de la villanía de Walder Frey?.
Al inicio de la temporada, asistimos a conversaciones entre los mismos miembros de la familia Lannister pero ahora, tras todo lo acontecido, la amargura está haciendo mella. Ese lamento de Tyrion en el que se pregunta “¿cuándo terminará todo esto?” es un ejemplo de la desesperación que empieza a cundir ante un conflicto donde los enemigos caen pero otros nuevos ocupan su lugar.


El sufrimiento de Arya, en su travesía por Poniente, adquiere un nuevo nivel cuando contempla horrorizada el cuerpo decapitado de su hermano Robb, al que han añadido la cabeza de su lobo huargo, Viento Gris. El ejecutor de esta humillación recibirá su ira mientras ella y el “Perro” cabalgan hacia otras tierras. Observando la moneda que Jaqen H’Ghar le entregó tiempo atrás, la niña pronuncia las palabras “Valar Morghulis”. Más pronto que tarde tendrá la oportunidad de usar este recurso para continuar con su huida.
En el Fuerte de la Noche, uno de los castillos abandonados en el Muro, Bran se encontrará con Samy Gilly. Las advertencias del joven Tarly no causan dudas en Bran puesto que su voluntad de adentrarse en las inhóspitas tierras de “más allá del muro” es firme. El vidriagón que Sam rescató del Puño de los Primeros Hombres podrá servirle al joven Stark en esta complicada ruta hacia lo desconocido.


Ygritte alcanza a Jon Snow en su huida y, devorada por la decepción, asesta varias flechas en el cuerpo del bastardo que, aún así, consigue por fin llegar al Castillo Negrodonde las advertencias de Sam sobre la amenaza que piensa desatar Mance Rayder, provocan la reacción inmediata del Maestre Aemon Targaryen. Todos los cuervos disponibles son enviados a los reinos de Poniente con mensajes que imploran ayuda. Pero sólo uno de ellos llegará a ser tomado en consideración gracias a Davos Seaworth quien, como Mano del ReyStannis, utilizará dicha carta para persuadir a su señor.
Stannis es un rey debilitado por su irracional confianza en la arcana magia de la sacerdotisa roja. Habiendo convivido con el fracaso durante toda su vida, ve en las profecías de Melisandre una motivación para seguir adelante y coronarse como el soberano de Poniente, un puesto que él cree que merece más que nadie. Davossigue siendo el hombre que le mantiene cuerdo ante tantos fuegos de artificio y, tras liberar a Gendry, es capaz de jugar muy bien sus bazas. La propia Melisandre comprende que la predicción, realizada tiempo atrás, sobre una gran batalla en el hielo que encumbraría a Stannis, se puede cumplir ahora. Sin duda, se hallan ante una oportunidad única para resarcirse del fracaso cosechado en la batalla del Aguasnegras.

El torturador que ha convertido a Theon Greyjoy en una ruina humana resulta ser Ramsay Snow, el bastardo de Roose Bolton. Su crueldad, forjada tras una infancia de penumbra y restricciones, sólo ha empezado a vislumbrarse y Theon ha sido el primer receptor de la misma. Pero su intento de desarticular la oposición de los Greyjoy no surge efecto porque la hermana de Theon, Yara, moviliza a la flota para zarpar al rescate del que ahora recibe el nombre de “Hediondo”.

Y en Yunkai, Daenerys es aclamada y venerada por la población liberada gracias a su llegada. La turba le llama “Mhysa”, una palabra ghiscari que significa “madre”. Cada vez son más los hijos que rodean a la “madre de dragones” en su recorrido por Oriente. Pero una nueva ciudad se divisa al horizonte, Meereen, y quizá allí la joven deberá afrontar retos inesperados y lidiar con problemas dentro de sus propias filas.

Teaser trailer de The Counselor

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El veterano novelista Cormac McCarthy (Providence, 1933) ha logrado una fuerte repercusión en los últimos años gracias a la adaptación de tres de sus obras más importantes: No Country for Old Men (2007), The Road (2009), y The Sunset Limited (HBO, 2011). Quizá amparado por el éxito crítico de dichas versiones cinematográficas, McCarthy decidió escribir un libreto para la gran pantalla: The Counselor.

McCarthy vendió los derechos a los productores que llevaron a cabo The Road (Nick Wechsler, Paula Mae Schwartz, y Steve Schwartz). Y cuando empezaron a mover el material para sondear a directores, recibieron la llamada de Ridley Scott quien decidió convertirlo en su siguiente proyecto tras la fallida Prometheus

La entrada de Scott significó la contratación de Michael Fassbender para dar vida al protagonista, un prestigioso abogado que decide entrar en el negocio del tráfico de drogas con todas las consecuencias. El resto del reparto es de gran nivel puesto que encontramos a Brad Pitt, Cameron Diaz, Javier Bardem, Penélope Cruz, Goran Visjnic, John Leguizamo, Rosie Pérez, y Natalie Dormer (Margaery Tyrell en Juego de Tronos)

La película se estrenará en el mes de noviembre y reúne condiciones para que de ella pueda surgir algo francamente interesante. A pesar de sus fracasos, la confianza en Ridley Scott se mantiene inalterable, al menos para mí. El film estará dedicado a su hermano, Tony Scott, cuyo fallecimiento se produjo en medio del rodaje de esta cinta. Tras el suceso, acaecido el 19 de agosto de 2012, Ridley suspendió la filmación y no regresó a la silla de dirección hasta el 3 de septiembre.



20th CENTURY FOX presents a SCOTT FREE  NICK WECHSLER and CHOCKSTONE PICTURES production "THE COUNSELOR"

MICHAEL FASSBENDER  PENÉLOPE CRUZ  CAMERON DIAZ
JAVIER BARDEM  and BRAD PITT 


Music by DANIEL PEMBERTON
Cinematography by DARIUSZ WOLSKI
Film editing by PIETRO SCALIA
Production design by ARTHUR MAX


Produced by RIDLEY SCOTT  NICK WECHSLER  PAULA MAE SCHWARTZ and STEVE SCHWARTZ


Written by CORMAC McCARTHY


Directed by RIDLEY SCOTT

Look Closer...

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En ocasiones, las inseguridades personales adquieren una dimensión mayor en nuestras vidas. Y en el terreno emocional y sentimental, estas sensaciones pueden provocar situaciones difíciles y amargas. Cuando pensamos que no merecemos ser amados, entramos en un terreno sumamente movedizo del que no resulta fácil escapar. Esto ocurre y solo podemos salir de ello con voluntad, determinación, y recuperando la autoestima para quizá volver a equivocarnos. Pero deberemos perseverar hasta conseguir aquello que anhelamos.

Esta reflexión sustenta la base argumental de Closer, film dirigido en 2005 por Mike Nichols con un reparto circunscrito a cuatro personajes que son interpretados por intérpretes de enorme valía. La inseguridad inunda las vidas de todos ellos y resulta particularmente interesante como en la interrelación que surge, y que está magníficamente hilvanada por el dramaturgo y guionista Patrick Marber,  caben toda clase de elementos que transforman felicidad en amargura, entendimiento en discusión, confianza en infidelidad.

En las vidas de Larry (Clive Owen), Anna (Julia Roberts), Alice (Natalie Portman), y Dan (Jude Law) florecen una serie de situaciones e incidencias que hacen reflexionar al espectador sobre la complejidad de la mente humana cuando se trata de expresar sentimientos de todo tipo. Marber lleva al extremo las vivencias de los personajes cuando explora como el deseo por captar la atención de alguien puede vulnerar la honradez personal, ampliando las fronteras del propio egoismo en el camino.

Asistimos a la versión dramatizada y concentrada de algo que, a veces, ocurre en nuestras vidas. Porque en esto consiste también la experiencia de vivir. Amar, admirar, defraudar, engañar, reprochar... esto es la vida.

Y todo ello es Closer...


Sony Pictures Studios

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La ciudad de Culver City, en el condado de Los Angeles, es básicamente conocida por haber albergado, desde 1924, una de las mayores y más fantásticas factorías de cine: los míticos estudios de la Metro Goldwyn Mayer.
 
En su extenso backlot, floreció la producción de un sello emblemático cuya constante producción, supervisada por Louis B. Mayer, generó clásicos en todos los géneros aunque destacó particularmente en el musical. A la factoria del león le debemos títulos como Melodías de Broadway, El Mago de Oz, Levando Anclas, Un día en Nueva York, Un Americano en París, Cantando bajo la Lluvia, Bodas Reales, Brigadoon, West Side Story, Chitty Chitty Bang Bang, entre muchas otras. También fue el estudio que produjo varias de las suntuosas películas acuáticas que protagonizó Esther Williams. En el stage 30, se sigue manteniendo el gran tanque de agua que ha continuado acogiendo el rodaje de escenas que han requerido esta ambientación.
 
En la época de máximo esplendor del estudio, entre 1935 y 1965, se solía decir que en la MGM había más estrellas que en el firmamento. Y no les faltaba razón porque llegaron a tener bajo contrato a los siguientes intérpretes: Clark Gable, James Stewart, Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, Elizabeth Taylor, Lucille Ball, Greta Garbo, Buster Keaton, Stan Laurel & Oliver Hardy, Esther Williams, Bette Davis, Lana Turner, Peter Lawford, Greer Garson, Joan Crawford, Lionel Barrymore, Hedy Lamarr, Robert Taylor, Paul Newman, Spencer Tracy, Katharine Hepburn, y muchísimos más que configurarían una lista interminable.
 

En 1939, el estudio impactó a la industria de Hollywood al presentar dos films de magna repercusión: El Mago de Oz y Lo que el Viento se Llevó. Ambas películas aportaron 10 premios Oscar y marcaron la eclosión definitiva del estudio.
 
En 1959, con el estreno de Ben-Hur, la major siguió demostrando que mantenía su potencia intacta y que era capaz de llegar al público en toda clase de géneros. Sus once Oscar establecieron un récord que tardó en igualarse. Fue la demostración que aún habiendo perdido al gran magnate y fundador, Louis B. Mayer (fallecido en 1957), la Metro seguia manteniendo un vigor absoluto.  
 
Pero en los años 70 la fuerza del estudio empezó a decaer. Malas decisiones empresariales, por parte de las sucesivas juntas de dirección, condujeron al estudio a un progresivo estado de parálisis, perdiendo la lucha con las otras corporacionesen un escenario de mayor competencia. La fusión con United Artists, en 1981, tampoco pudo parar la fallida. Finalmente, en 1986, los estudios de Culver City tuvieron que ser vendidos y la compañía entró en un proceso de recolocación y disminución en la escala de producción. El león ha seguido rugiendo pero, tras él, jamás ha vuelto a existir la fuerza de antaño.
 

Entre 1986 y 1990, los estudios fueron la sede de la productora televisiva Lorimar hasta que Sony Entertainment adquirió la propiedad para convertirla en su sede de producción.
 
Sony Pictures, que incluye en su conglomerado a Columbia y a TriStar Pictures, ha ampliado aún más la extensión de terreno para el estudio. Durante más de veinte años, ha aprovechado el sello histórico de Columbia Pictures para seguir manteniéndose entre las seis grandes majors hollywoodienses.
 
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Entre los títulos más importantes que se han producido, bajo su amparo, podemos encontrar los siguientes:  la trilogía de Spiderman dirigida por Sam Raimi y su reboot,The Amazing Spiderman, la saga Men in Black,  Black Hawk Derribado, Air Force One, Jerry Maguire, La Boda de mi Mejor Amigo,Starship TroopersJuegos SalvajesSentido y Sensibilidad,El Presidente y miss Wade, Jumanji, El Primer Caballero, Philadelphia, Algo para recordar, La Edad de la Inocencia, Leyendas de Pasión, Lo que queda del Día, Máximo RiesgoAlgunos Hombres Buenos, En la línea de Fuego, Big Fish, El Código da Vinci, Casino Royale, Zombieland, 2012, La Red Social, Looper, Skyfall, Zero Dark Thirty (La Noche más Oscura),entre muchas otras.
 
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En la ruta guiada por el estudio, tienes la oportunidad de visitar el backlot y conocer muchos de los platós de rodaje, además de las salas de post-producción. Lugares mágicos en que las películas empiezan a tomar forma y donde el director tiene la oportunidad de otorgar la configuración definitiva al film en colaboración con los montadores y mezcladores de sonido. Incluso, si tienes suerte, puedes coincidir, caminando por las calles del estudio, con Will Smith o Adam Sandler, cuyas oficinas están situadas dentro del complejo.
 
Pero no se permiten hacer fotografías salvo en una ubicación muy concreta. En el siguiente artículo veréis dos coches de cine, bastante emblemáticos, que se exhiben dentro de esta factoria en la que las ideas no paran de fluir.
 

Coches de cine: Black Beauty V-194 y Ecto-1

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Entre 1966 y 1967, la cadena ABC emitió la serie The Green Hornet. Adaptando un serial radiofónico, originario de los años 30, nos presentaban las aventuras de un justiciero enmascarado que, bajo la identidad del "Avispón Verde", luchaba contra el crimen organizado junto a su joven chófer oriental. Como no podía ser de otra forma, Kato resultaba ser especialista en artes marciales. Estábamos en una época en que las adaptaciones de personajes de cómic carecían de matices y las historias resultantes funcionaban como simples clichés que se dejaban notar en todos y cada uno de los episodios. Concretamente, esta serie se lanzó tras el éxito que estaba teniendo el proyecto televisivo de Batman que protagonizaban Adam West y Burt Ward. Ambos personajes guardan similitudes pues surgen de la misma época pero el caballero oscuro ha evolucionado con el tiempo y se ha adaptado al aumento de la exigencia por parte del espectador. El Avispón, por su parte, es un héroe desfasado pero anecdótico.


Green Hornet era el aterego de un adinerado playboy, editor del Daily Sentinel, llamado Britt Reid. Van Williams le dio vida en la teleserie y el malogrado Bruce Lee se hizo con el papel de Kato, un rol que le abrió la puerta del mercado norteamericano.

Ambos vigilantes tenían el apoyo de un coche espectacular, que estaba equipado con toda clase de gadgets para ayudarles en su cruzada contra el crimen. El automóvil, conocido como Black Beauty V-194, era un potente sedán negro que se construyó a partir de un Chrysler modelo Imperial Crown de 1966. El ingeniero Dean Jeffries lo modificó y los técnicos de efectos especiales se las apañaron para crear la ilusión de que el coche disponía de un sistema de cámaras, blindaje resistente, dispositivos para borrar las huellas de las ruedas, cañones láser, cohetes, cortinas de humo, etcétera.

La serie no tuvo demasiado éxito aunque generó un fenómeno fan interesante que pervivió a lo largo de las décadas gracias a posteriores reposiciones. Durante años hubo una importante batalla entre varios estudios para conseguir los derechos de adaptación hasta que, en 2007, el productor Neal H. Moritz llegó a un acuerdo con Sony Pictures para producir un largometraje cinematográfico. Finalmente, en 2011, se estrenó el film dirigido por Michel Gondry y co-escrito por Seth Rogen y Evan Goldberg. El mismo Seth Rogen asumió el papel de Britt Reid (en una decisión que fue bastante controvertida) mientras que el músico taiwanés Jay Chou encarnó a Kato. Christoph Waltz, Cameron Diaz, Edward James Olmos, y Tom Wilkinson completaron el reparto.


De la película no puede decirse nada bueno. No fue un completo desastre a nivel de recaudación pero su pésima acogida y el tono ridículo y fuera de tiempo del personaje demostró que no puede acoplarse a los gustos actuales. Por su propia esencia, Green Hornet tiene un reciclaje bastante difícil así que se quedará guardado en un cajón junto a otros colegas de generación como The Spirit.

En el articulo dedicado a los estudios de Sony Pictures, advertí que en un lugar muy concreto de su backlot se permitían las fotos. Y allí fue donde tuve ocasión de ver in situ uno de los tres modelos Black Beauty V-194 que sobrevivieron al rodaje de la película. En la cinta se llegaron a utilizar hasta 26 coches. A continuación, podéis ver la estampa de un fantástico automóvil que impone bastante al verlo de cerca.

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Y, como sorpresa, nos encontramos con otro coche de cine absolutamente emblemático. Está muy presente en la memoria colectiva de todos aquellos que crecimos en la década de los 80. Se trata del carismático Ecto-1 o Ectomobile de Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984). Se trata de un Cadillac de 1959 modelo ambulancia que, en la primera versión del guión, debía ser negro. Pero los responsables no tardaron en darse cuenta de que, teniendo la película muchas escenas nocturnas, el color oscuro no resultaba el más apropiado. Consciente del tono cómico de la cinta, Ivan Reitman decidió que el coche fuera blanco y encargó a Steven Dane la misión de customizarlo. La película se rodó con sólo dos unidades. La que veis en la siguiente foto es una de ellas, convenientemente restaurada.

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The Getty Center, un altar de la cultura en Los Angeles

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En Star Trek: Into Darkness, el cuartel general de la Flota Estelar tiene una relevancia importante en una serie de escenas.  Algunos exteriores de las mismas fueron recreados en el Getty Center, un imponente complejo ubicado en las montañas de Santa Mónica, dentro del distrito de Brentwood, en Los Angeles.

 Un ejemplo evidente de cómo los efectos digitales, agregados en post-producción, pueden cambiar el entorno y apariencia de cualquier localización.

A casi 300 metros de altura, dispone de una de las vistas panorámicas más extraordinarias de la región puesto, que en un día de gran claridad, no sólo es posible ver toda el área de Los Angelesy el Océano sino también las montañas de San Gabriel y San Bernardino, al Este.

El complejo del Getty Center es un centro cultural que completa la obra social del billonario empresario petrolero, John Paul Getty(1892-1976). Habiendo acumulado tal cantidad de obras artísticas, que excedían la primera ubicación del museo que ahora es conocido como Getty Villa (en Pacific Palisades), la Junta que administra el legado del patriarca decidió adquirir nuevos terrenos que ampliaran la difusión de conocimientos además de albergar, de una forma más excelsa, el fondo cultural.

Así fue  como, en 1983, se anunció la compra de un terreno de 45 hectáreas en las montañas de Santa Mónica, sobre la interestatal I-405. Un año después, el arquitecto Richard Meier fue contratado para desarrollar el proyecto que inició su construcción en 1989. El presupuesto final fue de 1,3 billones de dólares.


El Getty Center fue finalmente inaugurado el 16 de diciembre de 1997 habiéndose convertido en uno de los lugares más emblemáticos de Los Angelesdesde entonces. En su interior, acoge el Getty Research Institute, el Getty Conservation Institute y la Fundación. También se ubican las oficinas administrativas de la Junta rectora del patrimonio Getty.

Pero, obviamente, la punta de lanza del complejo es la división del J. Paul Getty Museum dedicado al arte contemporáneo. Espacios diáfanos, de grandes dimensiones, donde las obras de arte brillan con muchísima fuerza, especialmente Les Iris de Vincent Van Gogh.


Los jardines, diseñados por Robert Irwin, completan un espacio singular y de gran belleza, rodeado por la naturaleza, pero perfectamente integrado en el paisaje. Un remanso de paz desde el que divisamos el ajetreo de la gran urbe.

Completo el artículo con una serie de instantáneas tomadas durante la visita que realicé el año pasado. Gracias a mis amigos Néstor y Yalta por llevarme a conocer un lugar tan fantástico.

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Hepburn & Tracy : inicios y trayectorias personales

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Con este artículo y otro que le seguirá, Eva Buendía analiza los hechos principales de la carrera de una de las parejas míticas de la historia de Hollywood. Katharine Hepburn y Spencer Tracy eran colosos de la interpretación y su unión, fuera de la pantalla, se sigue considerando como la más poderosa de cuantas ha habido. A buen seguro que, de vivir en nuestra época, su eco mediático habría dejado bastante atrás al dúo Brad Pitt & Angelina Jolie. Porque Tracy & Hepburn eran seres complejos, con una fuerte personalidad. Su excelencia en el trabajo marcó un hito para futuras generaciones de intérpretes. Y ese umbral que alcanzaron juntos, y por separado, no ha sido superado.

Esta es la historia de dos rebeldes dentro y fuera de la pantalla, de dos actores de la época dorada de Hollywood cuya energía traspasó fronteras y que dejó uno de los legados más significativos de la industria del cine norteamericano de los años 40, 50 y 60: una lista de nueve películas protagonizadas por ambos en las que su profesionalidad y rivalidad interpretativa constituían uno de los principales atractivos de las filmaciones. No pueden ser otros que Katharine Hepburn y Spencer Tracy.


En el momento de conocerse para rodar su primer filme juntos, La mujer del año (Woman of the Year, 1942), Hepburn ya era una actriz de teatro muy consolidada, con  más de veinte obras en su haber. Desde 1932, había dado el salto al cine configurando una carrera impresionante en la que ya había trabajado con los mejores en títulos como Gloria de un día (Morning Glory, 1933), Mujercitas (Little Women, 1934), Mary of Scotland (1936), La Fiera de mi Niña (Bringing up Baby, 1939), e Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1939), papel que había representado poco antes en los escenarios y con el que consiguió un gran éxito gracias a la adaptación cinematográfica de uno de sus directores predilectos: George Cukor. No fue hasta la década de los 50 que volvió al teatro una vez consolidada su carrera en el cine, con obras como “El mercader de Venecia” (1955), “Mucho ruido y pocas nueces” (1957), o “Antonio y Cleopatra” (1960), realizando diversas giras por Australia, Inglaterra, y EEUU. Era ya claramente una actriz más que consolidada ya que su reconocimiento teatral tanto en crítica como en público lo obtuvo con la obra “La millonaria” (1952).

Después de esta incursión teatral volvió al cine protagonizando el personaje basado en la modista francesa Coco Chanel en el musical “Coco” (1969), por el que fue nominada a su primer Premio Tony; la segunda nominación a estos premios la obtuvo en 1981, gracias a su interpretación en  la obra “The west side waltz”.
   

Hepburncontaba ya por aquel entonces con dos Oscar gracias a Gloria de un día (1933)y Adivina quién viene a cenar esta noche (Guess who's coming to dinner, 1967), además de ocho nominaciones como candidata a mejor actriz. Con El león en invierno (The Lion in Winter, 1968) y En el estanque Dorado (On Golden Pond, 1981) se convirtió en la estrella norteamericana que más Oscar ha conseguido a lo largo de su carrera, cuatro en total, seguida por Meryl Streep, Ingrid Bergman o Jack Nicholson. Los acabó donando todos ya que, fiel a su carácter rebelde, creía que eran pura banalidad y que en realidad no le pertenecían.

Por su parte, Spencer Tracy fue descubierto por John Ford mientras protagonizaba la obra teatral “The last mile” en la década de los 20, su mayor éxito teatral. Con él rodó, en 1930, Up the river, filmando 16 películas en Hollywood en sus tres primeros años como actor cinematográfico. No fue hasta 1935, al firmar con la MGM un contrato en exclusiva, cuando su carrera despega definitivamente y se convierte en una estrella.


Cosechó también Premios de la Academia como ella, dos en concreto, por Capitanes Intrépidos (Captains Courageous, 1937) y Forja de hombres (Boys Town, 1938) aunque fue nominado en siete ocasiones más. Sus interpretaciones más brillantes fueron en El poder y la gloria (The Power and the Glory, 1933), Furia (Fury, 1936), La costilla de Adán (Adam's Rib, 1949), La mujer del año (Woman of the Year, 1942), El último hurra (The Last Hurrah, 1958), La Herencia del Viento (Inherit the Wind, 1960), Vencedores o Vencidos (Judgment at Nuremberg, 1961) y, en especial lugar, Adivina quién viene a cenar esta noche (Guess who's coming to dinner, 1967).

En el momento de conocerse, las circunstancias personales de Tracy eran poco propicias ya que estaba casado por aquel entonces. Debido a sus creencias católicas, nunca quiso divorciarse de su mujer pero esto nunca supuso un obstáculo para amar a Hepburn.

   
La conversación que mantuvieron sólo conocerse es digna de la personalidad única y fuerte de ambos ya que, a la apelación de ella a la baja estatura de él con un “Me parece señor Tracy que es usted demasiado bajito para mí”, la respuesta de él fue paralela con un“No te preocupes Kate, Spencer te humillará hasta rebajarte a su altura” (refiriéndose al cine). De este cruce de opiniones surgió, pues, una historia de amor entre ambos actores que duró 25 años, hasta la muerte de él. En el próximo artículo ahondaremos en esa historia conjunta.

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